ARTE PROCESUAL

Universidad Autónoma
De Baja California



Historia del arte IV
Prof. Roberto Rosique

Arte Procesual

Alumno: José Alfredo Sainz Castillo.joset132@hotmail.com

Mi ensayo hablara sobre el arte procesual, hare énfasis en 2 aspectos: el proceso de la obra y la obra ya finalizada. También mencionare datos importantes, como algunos de los artistas pertenecientes a este movimiento, fechas, obras, etcétera.

El arte procesual se origino en Estados Unidos y Europa casi al tiempo en que el minimalismo comenzaba a decaer, fue en 1968 cuando el artista Robert Morris publicó un artículo en el que se hablaban aspectos importantes de este nuevo movimiento y también lo defendía, algo que se mencionó en su articulo fue: “el uso de formas básicas como el rectángulo y materiales rígidos estaban totalmente demodé, en desuso, y planteaba materiales maleables en los que entrasen principios de la naturaleza como el peso y la gravedad para moldearlos” , así los daba a entender como una innovación por el uso de materiales que eran ajenos en el arte, o por lo menos nada convencionales, esos materiales fueron en su mayoría el fieltro, la cera y el látex (materiales que aun se siguen utilizando). Se puede relacionar el arte procesual con el dripping (goteaban), técnica creada por Jackson Pollock y también con el dadaísmo por la utilización del azar e improvisación. Fue una corriente artística en la que a diferencia de las demás, se considera también como obra el proceso mostrando el resultado solo como una prueba, aunque no sin menos importancia.
En 1968 por primera vez se expuso de forma importante con artistas pertenecientes a este movimiento en el museo, después de esta exposición se menciono lo siguiente sobre los materiales que utilizaban: “Usando estos elementos, crearon formas excéntricas en disposiciones erráticas o irregulares producidas por acciones como cortar, colgar y gotear, o procesos orgánicos como el crecimiento, la condensación, el congelamiento o la descomposición.” (Morris) y debido a los materiales y procesos muchas de las obras eran efímeras, creo que esto de alguna forma les daba vida porque solo existían en su verdadera forma por un tiempo limitado, entonces esto podría ser considerado como una muerte.

“Toda la sociedad artística neoyorquina aplaudió estas dos intervenciones artísticas y la antiforma se consolidó como una nueva forma artística dentro del postminimal.”

Creo que la gran aportación e innovación aparte de las técnicas y materiales utilizados en este movimiento, es el hecho de que se considere como obra el proceso de creación, esto incluye la obtención de objetos, la creación de la obra (ensamblaje o manipulación directa), búsqueda y relación de datos para la justificación, etcétera. Entonces, al ser así, pienso que la obra se extiende mas, porque hasta ese tiempo todo era ver la obra y ya, y con el arte procesual no se limitaba a eso, estaba también el hecho de saber la creación, la forma en que se daba a conocer el proceso fue convirtiendo las galerías en sus talleres y la exposición consistía en entrar a ver eso, el proceso. Considero esto un aspecto positivo porque pienso que el proceso de creación es igual de importante que la obra finalizada porque es ahí donde esta el acto (pensamiento y movimiento), la obra finalizada es solo la representación de ese acto, es un complemento o resultado, entonces tienen la misma importancia, no hay una que pueda existir sin la otra. Pero creo que de alguna forma también es negativo, porque cuando se ve una obra, existe un misterio al no saber que son los materiales, como se utilizaron y de que forma trabaja el artista, entonces al ya conocerlo todo, ese misterio ya no existe y ya no nos cuestionamos sobre esa parte, pero si el proceso es considerado también como obra es lógico y creo hasta obligatorio que se muestre, así se le esta dando también esa importancia que ellos le dan. A pesar de ese aspecto negativo que yo encuentro, me agrada bastante porque también considero el proceso de una obra como arte, creo que es ahí donde esta la esencia del artista.

Otro aspecto importante es la importancia que se le da al tener una relación con el material, por esto me refiero a sentirse bien con el al utilizarlo, a esto se le llama valor psíquico, así de esta forma se da a conocer un estado de ánimo en el artista al momento de crear y así la obra es mas sincera.
Entre los artistas más importantes del arte procesual se encuentran: Lynda Benglis, Chris Drury, Eva Hesse, Bruce Nauman, Christopher Le Tyrell, Robert Morris, Alan Scarritt, Tim Semple, Richard Serra, Keith Sonnier y Franz Erhard Walther, no todos pertenecieron siempre a este movimiento pero en algún momento trabajaron siguiendo esta tendencia.
El arte procesual esta bastante relacionado con el arte ambiental, no tanto en su temática pero si en su forma de trabajo y en los materiales, ambos son nobles con el ambiente, utilizan en gran parte materiales de la naturaleza, y debido a los materiales que utilizan, muchas de sus obras suelen ser efímeras.
Creo que muchas otras formas de arte podrían ser consideradas en parte como arte procesual, en especial las que son actos, como el performance o el happening, pienso esto porque en esto no se esta creando un producto final, se están mostrando acciones, eso es la obra.
En conclusión creo que el arte procesual fue un conjunto de grandes aportaciones, tomó como influencia elementos de movimientos anteriores para crear una nueva forma de arte. Creo que algo importante en el arte es la sinceridad y la sinceridad se encuentra en el acto, la obra finalizada solo lo representa, entonces al ver el proceso de creación, nos muestra esa sinceridad.
Referencias:

(http://artescontemporaneos.com/morris-y-la-antiforma-process-art/ revisado el día miércoles 1 de junio)
(http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_procesual revisado el día miércoles 1 de junio), (http://artescontemporaneos.com/morris-y-la-antiforma-process-art/ revisado el día miércoles 1 de junio).

apropiacionismo

Universidad Autónoma de Baja California
Historia del arte cuatro
Mtro. Roberto Rosique
“Apropiacionismo”
Renée Toledo Bouvet. bouvet_21@hotmail.com


A finales de los años setenta y principios de los años 80, se dio en Nueva York una nueva corriente artística llamada: Apropiacionismo. Esta novedad estaba grandemente influenciada por el conceptualismo, pues la justificación de su obra tenía (en muchas ocasiones) mayor peso que la misma pieza, sin embargo, era de vital importancia sostener esta justificación con un producto, ya sea pintura, escultura, fotografía, video, performance, etc.

Antecedente
El nombre con el que se bautizó el movimiento, fue otorgado por el crítico Douglas Crimp, quien fue uno de los asistentes a la exposición “pictures”, donde este conocedor del arte, pudo darse cuenta de que lo que se estaba planteando por los artistas participantes en la presentación colectiva, parecía salirse del contexto artístico de la época, viéndose en la necesidad de catalogar de algún modo las obras.
Aunque más tarde, este mismo critico publicó en la revista “the photographic activiti of postmodernismo” que la fotografía era la única alternativa a la pintura en el marco de la postmodernidad-http://www.slideshare.net/skylat/el-apropiacionismo/pag.dos/01jun11, pues el sustentaba fuertemente su creencia de la presencia del recurso fotográfico como el sustituto a la pintura.
Se puede ver claramente en Douglas Crimp el rechazo personal hacia la pintura y, a consecuencia, también se oponía a los practicantes de esta, en especial a los neoconservadores, que solo seguían fomentando limites dentro del arte, mismos limites que el formalismo de las corrientes del pasado habían acabado con la posibilidad de muchos de coinvertirse titularmente ( esto considerando que ya eran productores de arte, mas no eran reconocidos como tales), sin tener el privilegio de gozar de los frutos de los que otros pudieron vivir, ya que era hasta su muerte cuando se martirizaba al difunto y adquiría la popularidad que los llevaba a la fama después de la muerte.

Junto con el apropiacionismo se dio un nuevo giro a la pintura, donde se le prestaba atención nuevamente, no por la técnica en sí, más bien por el potencial de esta, poniendo un nuevo énfasis en las imagen y el impacto que esta pueda crear o narrar.
Esta nueva visión del arte, abarcaba mucho espacio en el cual el productor podía explayarse, pues la apropiación puede mostrarse con varias caras. Como la técnica consiste en disponer de otras imágenes ya establecidas para plantearlas de forma diferente, se podía simplemente transportar dicha imagen a una técnica diferente. Un caso muy recurrente que ejemplifica lo anterior dicho, es la recreación del escenario creado en la pintura, con modelos y objetos que permitan el hacer un registro de la situación por medio de la fotografía; el resultado es el mismo, pero con materiales de trabajo muy alejados el uno del otro.
No nomas se ve esta reutilización en casos donde el referente fuese pintura, también se daba el pasar lo percibido de la realidad a lo manufacturado, o en otros casos, el tratar de generar la sensación producida al ver la obra de alguien más (como una forma de desahogo) y sacar este sentir por medio de lo gestual, cayendo en el performance.
Otro modo de apropiación es el de tomar un objeto tal cual, y cambiar el concepto de este, remitiéndonos inmediatamente a Duchamp (claro antecesor de esta corriente) como lo hacía Sherrie Levine, cuyo trabajo consistía en fotografiar la imagen de la obra de un artista masculino y exponer el resultado de esto en la galería como suyo por el hecho de tener una propuesta diferente y, a consecuencia, cambiando lo que la imagen presentada solía transmitir al espectador.
En el caso de la anterior mencionada, lo que buscaba demostrar, era el papel de la mujer dentro de la historia, en a cual no se le daba ningún tipo de reconocimiento, y solo era tomada en cuenta para reproducir o ayudar a producir lo que el hombre artista deseaba.
Otro de los grandes representantes del apropiacionismo es Troy Breuntuch, quien llevaba una serie de trabajos en los que utilizaba imágenes comunes dentro de la historia, al a verse vuelto tan populares por el impacto que causaba en el publico, (entre estas de Hitler), que transformaba con un método que producía una desfragmentación, dejándolas casi irreconocibles y de difícil lectura para el espectador.
Uno de los artistas que marcaron este género, y digno de mencionar, es Robert Longo que, con un procedimiento más original, sustraía partes de filmes en los que aparecían hombres acribilladlos y, tomando solamente de la escena al personaje, lo plasmaba a blanco y negro en el lienzo, transformando la recepción de la pintura, haciendo que la lectura lleve a pensar que el hombre pintado esta danzando, sin saber que en el contexto original este individuo estaba siendo asesinado a sangre fría.


Bibliografía
http://www.slideshare.net/skylat/el-apropiacionismo primero de junio del 2011
http://historiadelartecuatro.blogspot.com/2009/05/apropiacionismo.html primero de junio del 2011

LAND ART

Historia del arte IV
Prof. Roberto Rosique

Land art
Alumna: Sheila Yaneth Franco Esquivel
Materia: Historia del arte IV
Grupo: 241

En el siguiente trabajo pretendo hacer un análisis sobre lo que fue el land art y qué proponía. Hablaré un poco sobre quiénes fueron sus principales exponentes y qué fue lo que hicieron. Por último, analizaré si el land art logró hacer lo que esperaba y cumplió con lo que pretendía.
Land art, que puede ser traducido como “arte de la tierra”, utilizaba la naturaleza como soporte, o usaba materiales naturales. Las obras son, por lo general, efímeras, pues son sometidas a la erosión, la lluvia y los procesos naturales de la tierra, por lo que, de muchas de ellas, sólo ha quedado el registro fotográfico. El principio fundamental del land art fue: “alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra.” (http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_landart/1.htm. Revisado el día Miércoles 1 de Junio de 2011)
Se desarrolló entre las décadas de los años sesenta y setenta, principalmente en Estados Unidos y Europa. El land art habla sobre la relación del hombre con la naturaleza, e interviene el espacio y el paisaje; las intervenciones más imponentes de este movimiento son conocidas como “earthwork”, lo que puede traducirse como excavaciones. El paisaje juega un papel cada vez más determinante en el trabajo artístico.
Los artistas de este movimiento buscaban alejarse de lo que venía siendo la comercialización del arte, y alejarse también de los espacios de exposición tradicionales, como lo son los museos y galerías, llegando, de esta forma, a los lugares abiertos, públicos y naturales. Las obras monumentales (earthwork) eran colocadas, por lo general, en lugares apartados ―como desiertos, una isla, campo abierto―, alejados de la vista del público.
Los trabajos de esta corriente interactúan con el medio ambiente de una manera directa, pues modifican el espacio. El paisaje, muchas veces, dicta qué hacer.
Estas obras, en algunas ocasiones, pueden ser consideradas como un cruce entre escultura y arquitectura: “El Land Art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico pero siempre bajo el imperativo artístico, con la naturaleza” (http://es.wikipedia.org/wiki/Land_Art. Revisado el día Miércoles 1 de Junio de 2011), pues al intervenir un espacio, lo convierten o modifican haciendo un mundo que requiere del análisis por parte del espectador para la comprensión de la obra. Además, el land art está también inspirado por la arquitectura antigua o los sitios sagrados del pasado, tales como Stonehenge.
Para que el artista pueda modificar el paisaje, es necesario que entienda y analice el lugar donde realizará su obra. Tiene que compenetrar con este, comprenderlo mucho más que el sólo observarlo. Con este movimiento, el artista deja su huella en la naturaleza y modifica el espacio al crear un nuevo paisaje.
Los materiales que se encuentran con mayor frecuencia son: madera, tierra, piedras, arena y roca. Los representantes de este movimiento usan el mínimo de recursos expresivos; usando pocos elementos logran reflexiones profundas sobre la relación que existe entre el ser humano y la naturaleza.
Los representantes más conocidos de este movimiento es la pareja formada por Christo y Jeanne-Claude. Son un matrimonio que realiza instalaciones de land art. Se caracterizan, principalmente, por envolver grandes espacios públicos utilizando tela. Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada "Running Fence", en la comuna francesa de Marin en 1973. “Los trabajos temporales, ambientales y de gran escala (tanto rurales como urbanos) tienen elementos provenientes de la pintura, escultura, arquitectura y planificación urbana.” (http://www.ritnit.com/2008/02/05/christo-y-jeanne-claude-1935/. Revisado el día Miércoles 1 de Junio de 2011)
Walter de Maria es un escultor estadounidense nacido en 1935. Los materiales utilizados para construir sus piezas son materiales metálicos pulidos, como conductores de energía, junto a complejas estructuras matemáticas. Dos de sus obras más importantes son: Vertical Earth Kilometer y Lightning Field; ambas obras realizadas en 1977, en el lugar y tienen una gran expresividad y carácter monumental.
James Turrel es un artista estadounidense nacido en Los Angeles en 1943. Este “artista de la luz”, ha creado algunas de las obras más famosas y conocidas del arte actual. Sus obras son, generalmente, espacios llenos de luz con un gran percepción de lo que se está viendo.
Dennis Oppenheim fue un artista estadounidense (Washington, 6 de septiembre de 1938 – Nueva York, 22 de enero de 2011) muy importante para el movimiento de land art. Fue uno de los pioneros en intervenir el paisaje para acercarlo a la medida del hombre.
Richard Long fue un artista británico nacido en 1945. Realizó esculturas geométricas simples, usando materiales naturales recogidos en sus paseos por el campo. Richard Long tiene sensibilidad y respeto por el territorio sobre el que trabaja, como todos (o casi todos) los artistas del land art. Lo que mejor define su trabajo es el acto de caminar. En su obra no hace instalaciones, ni produce grandes cambios en el paisaje, simplemente deja su huella.
Una de las intenciones del land art era la de alejarse de la comercialización del arte y de los espacios de exhibición. Sin embargo, esta idea parece un tanto utópica, pues es inevitable llegar a ese punto.
Si bien sus obras eran realizadas en espacios abiertos, el registro fotográfico era exhibido o vendido a los coleccionistas, así como los bocetos previos, o dibujos de sus obras. De esta forma, los artistas seguían dependiendo de la comercialización y de las galerías o museos, a pesar de desviar el arte hacia lugares nunca antes explorados.
Este movimiento fue muy importante para el mundo del arte pues fue la primera vez que los artistas se salieron de los espacios de exhibición para empezar a hacer arte en espacios abiertos. Su idea original fue buena, a mi parecer, sin embargo es difícil alejarse por completo de la comercialización, pues también (y por desgracia) necesitamos del dinero y del reconocimiento.

J.M.BASQUIAT

JEAN – MICHAEL BASQUIAT
GUILLERMO ECHEVESTE. echeveste108@hotmail.com
HISTORIA DEL ARTE IV
PROF.ROBERTO ROSIQUE
MAYO 2011

SAMO (same old shit ), es justo la frase que describiría a este artista neoyorquino, frase que pintaba en graffiti en las paredes de Nueva York, como también refleja su estilo de vida y su obra, que es una muestra de su tiempo y del contexto: Nueva York, específicamente en Brooklyn en donde nació en 1960. Hijo de un contador haitiano y una diseñadora gráfica puertorriqueña, que se divorciaron y por tal motivo tuvieron que mudarse constantemente. Estudió en una escuela católica privada, posteriormente en una escuela pública y finalmente, a los 16 años, ingresó en la City-As-School, centro escolar para adolescentes superdotados, de donde lo expulsaron, por rebeldía, un año antes de graduarse. Creándole un estilo de vida en constantes cambios, vivió por algún periodo de tiempo en Puerto Rico, después regresó a Nueva York, en donde a los 17 años dejó su hogar a cambio de las calles.
En estos días se habla mucho del efímero arte callejero, el cual se ha sobre expuesto en los medios en los últimos años lanzando al mercado infinidad de nuevos artistas que por fin han encontrado el modo de ubicar su estética y conceptos en las sociedades consumistas del primer mundo, quedando muy pocos realmente comprometidos con la calle y con la esencia contestataria y guerrillera de usar las paredes como lienzo. Existen infinidad de galerías especializadas, creadores trabajando para las grandes firmas, incluyendo sus obras en ropa, objetos de colección, posters, tecnología, juguetes, viviendo el ideal de muchos de no sólo subsistir con el arte sino también hacer empresa.

Mantuvo un estilo de vida en las calles de aventura urbana, en contacto con las subculturas, las drogas, las pandillas de jóvenes inconformes con el sistema y escasos de oportunidades, quienes a través del el grafiti, se expresaban pintando en los vagones del metro, edificios abandonados y muros. Frecuentaba el Soho, barrio en donde las galerías de arte proliferaban y será ahí donde Basquiat de alguna manera tuvo contacto con el arte y por supuesto por influencia de su madre a través del diseño, los colores.
Cuando abandonó su casa y vivió en edificios abandonados, su medio de manutención fue creando camisetas y postales y vendiéndolas en las calles, el grafitti le dio la oportunidad de poder expresarse y desarrollar su particular estilo, catalogado dentro del Bad painting y el Neoexpresionismo. Logró exponer con artistas de la Transvanguardia italiana. Las pintas que solía crear estaban cargadas de poesía y pensamientos filosóficos, como de un toque satírico contra la sociedad y las religiones, que desde su visión controlaban las mentes de la humanidad y detenían el desarrollo del ser humano.
Los murales que pintaba llevaban inscripciones como las de *SAMO salva idiotas * ó *SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, La política de la nada y la falsa filosofía*. Fue en un reportaje en The Village Voice el primer indicio en que el mundo del arte se interesaba por él.
Pero fue en 1980, siendo aun un vagabundo, cuando empezó a dedicarse a la pintura, J.M Basquiat poseía cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino”.

En 1982 se inicia para Basquiat un verdadero camino hacia el éxito: se multiplican sus exposiciones individuales y colectivas. En 1982 es incluido en la exposición Transvanguardia: Italia/América con artistas neoexpresionistas de la talla de S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi. Ese mismo año participa en la exposición organizada por Diego Cortez, presentada en la Galería Marlborough de Nueva York, titulada The Pressure to Paint, junto con otros artistas como G. Baselitz, S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi, M. Disler, R. Fetting, K. Haring, y J. Schnabel, entre otros. Al año siguiente (1983) participa en la Bienal del Museo Whitney de Nueva York junto a los emergentes representantes del arte apropiacionista, los nuevos expresionistas, y otros graffitistas como K. Haring.

En 1986 Basquiat viaja a África y expone en Abidján (Costa de Marfil). En noviembre de ese mismo año realiza una gran exposición (más de 80 obras) en el Museo Kestner-Gesellschaft de Hannover, convirtiéndose, con 25 años, en el artista más joven que exhibe en ese museo. En 1988 se instalan exposiciones en París y Nueva York, y en abril de ese mismo año trata de abandonar sus adicciones y se retira a su casa de Hawái. Vuelve a Nueva York en junio, anunciando que se ha liberado de las adicciones, pero el 12 de agosto de 1988, a los 27 años, muere por sobredosis de heroína, convertido en el artista visual negro más exitoso en la historia del arte afroamericano.

Una de las grandes polémicas que envuelva a este artista, es que se cuestiona su calidad como *artista*. Al no haber pasado por una academia propiamente dicha, esto para algunos no lo hace válido, pero es justamente su arte y su obra la que hablan por él, es el artista posmoderno, desilusionado de las promesas de la modernidad y el *stablishment,* un chico negro y latino, adicto además, que deambula por las calles de la urbe mas polifacética del mundo de los años 70*s y 80*s. Es el reflejo de la decadencia de esa sociedad, artista talentoso, por fortuna es descubierto por las personas indicadas, para que el logre ser reconocido, contrario a otros que nunca podrían haber demostrado sus cualidades el fue capaz, manteniendo su personalidad, rebelde, anarquista y buscador de respuestas, que con el arte logró captar su visión, su realidad del mundo y sobre todo, de su tiempo. Supo reencontrar el arte de las calles con el gran mercado del arte de las elites.

Había una vez un Principito que tenía una preciosa corona. Un brujo malo y envidioso lo encerró en una torre, de donde no podía salir. El niño se encaramaba a lo alto de la torre y daba cabezazos contra los barrotes para que le oyeran y vinieran a liberarle. No le soltaron nunca y murió allí en la torre, pero el ruido que hacía con la corona y que abarcaba kilómetros y kilómetros era un sonido tan hermoso, que desde todos los lugares los hombres se paraban a escucharlo, tendiendo las manos hacia el viento o intentando recogerlo en sus brazos, tal era su belleza… J.M. Basquiat

Bibliografía..
Benedikt taschen (2010) Arte del siglo XX. Edit. Taschen España

INTERNET
www.masdearte.com
www.wikipedia.com

ABSTRACCION EXCENTRICA

abstraccion excentrica

por kARLA Adrina SáNCHEZ DEL ríO. ylonendr@hotmail.com

Se abordara el movimiento post minimalista de la década de los 60´s mejor denominado como abstracción excéntrica, ya que a la par se derivaron del minimalismo diversas tendencias.
Los inicios de este nuevo movimiento se presentan en 1966 para ser mas exactos en una exposición comisariada por Lucy R. Lippard, en Nueva york, a la que llamó Exentric abstracción y de ahí se derivó el nombre de este movimiento, se le denominó así por el uso de materiales al que este recurre, al igual que la composición y las formas extrañas.
Comenzaremos por definir el minimalismo pues el movimiento a tratar se revela en contra de este y busca algo innovador y nuevo, el minimalismo : ´´es una corriente predominantemente conceptual y tiene como forma de expresión el orden y la repetición de estructuras simples, geométricas por lo general producidas en serie, y basadas en el módulo cúbico o prismático y sus posibles variaciones, centrando la atención en los aspectos donde se juega con la función y el espacio, en lo que a arquitectura y pintura se refiere, intentando condensar en escasos elementos sus reflexiones y principios artísticos.´´ (1)
En cambio la abstracción excéntrica se define como un movimiento experimental e inclusive con elementos del surrealismo pues escudriña en el subconsciente, refleja en las obras el interior del artista aun que esta no sea su intención, en el aspecto formal observamos que innovó con el uso de distintos materiales tales como la fibra de vidrio, látex, vinilos etc.
1. consultado en la red el día 30 de mayo del 2011 desde : http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/minimalismo.htm

arte conceptual

Arte conceptual
América García Chavarría, amerikitalabonita@hotmail.com

Es un movimiento artístico el cual se originó a mediados de los sesenta, como reacción en contra del formalismo de las academias, aunque generalmente es frecuente encontrar y reconocer a ciertos personajes de la historia del arte como precursores inmediatos a Marcel Duchamp (1910-1920), Jonh Cage, Robert Rauschenberg, Jasper Jonhs, Yves Klein, Piero Manzoni, quienes mediante una serie de intercambios culturales debido al contexto en el que se desarrollaron entre Europa, Estados Unidos y Japón, compartieron intereses similares hacia lo efímero, lo inmaterial y desde luego aquello que era poco convencional lejos de los recursos formales.
El arte conceptual se fundamenta esencialmente en las ideas contenidas en una obra, ya no como el soporte de un objeto, sino, ellas mismas son el objeto, la obra de arte. Se considera que Marcel Duchamp dio a los artistas conceptuales la pauta a seguir acerca de las primeras obras basadas en conceptos y realizadas generalmente con objetos de dominio común.
La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Es pues, el arte conceptual una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales hacia los cuales el público esta ampliamente invitado a compartir con el artista.
Se posiciona a si mismo claramente contrario a la sociedad de consumo y a la burguesía, ya que no se considera que la obra sea de nadie, ya que no es en sí un producto tangible, es puramente la idea la que cuenta como obra. La realización de objetos es algo superficial, ya que todo se encuentra de antemano previsto en los planteamientos y decisiones del artista conceptual.
Sin embargo, habitualmente, dentro del arte conceptual son empleados algunos recursos visibles para representar en ellos o mediante ellos, dicha idea concebida originalmente. Si bien, se valen de métodos inusuales y diversos, de igual forma los materiales utilizados, entre los más comunes podemos encontrar a la fotografía, mapas, videos (video arte), animaciones, sonidos, grabaciones, iluminación cromática, actos en público (performance), variaciones en la naturaleza (land art), graffiti, arte interactivo, el arte Internet y un conjunto de elementos no convencionales.
Desde su aparición ha despertado controversia, caracterizado por el empleo de medios no tradicionales, su difícil comercialización y su carácter efímero; aunque con el paso de los años ha sido aceptándose poco a poco de una mejor manera y cobrado tanta validez en las escuelas, que se le han abierto espacios a estas manifestaciones artísticas.
Generalmente, al presentar este tipo de obra, se reduce todo a una serie de registros, documentaciones e instrucciones, que posibilitan la comunicación de la sociedad o espectador con el objeto utilizado.
Estos mismos recursos son utilizados frecuentemente para explicar los eventos sucedidos dentro o fuera de los museos, ya que por su carácter efímero esencialmente, no es posible preservar estas obras de alguna otra forma.
El arte conceptual tiene muchas lecturas y una infinidad de significados, por eso existen muchos artistas que han descrito su punto de vista en cuanto esta manifestación del arte entre ellos Sol Lewitt, quien plantea que en este tipo de arte, la idea es la parte más importante en un trabajo. La idea se convierte en la maquina que hace el arte.

REDUCCIONISMO

REDUCCIONISMO
Mariel Abarca. mariiel_abarc@hotmail.com

El arte minimalista se manifiesta por primera vez en los Estados Unidos en la década de los sesenta. Y surgió como respuesta al Expresionismo Abstracto. El término “minimal” lo utilizó por primera vez el filósofo analítico británico Richard Wollheim en su ensayo de 1965 Minimal Art, donde calificaba como tal a las pinturas monocromáticas de Ad Reinhardt y a objetos de alto contenido intelectual pero de poco contenido de manufactura.
La frase “Menos es más” del arquitecto Mies van der Rohe, se tomo como precepto base para este movimiento. Ya que lo que buscaba este era reducir a lo esencial, librándolo de lo que para ellos sobraba en una obra.
Un antecedente que considero importante es el suprematismo de Malevich, ya que se trató de un arte sin función utilitaria y que utilizó formas puras. Estas entre otras, son precisamente características del minimalismo. En la mayoría de los trabajos de Malevich podemos encontrar únicamente figuras geométricas, tal como lo hicieron artistas minimalistas. Hay una pieza de Malevich en particular que por su superficie monocromática libre de texturas, me remite al minimalismo inmediatamente, es la de Cuadrado negro sobre fondo negro.
Creo que el minimalismo dejo muchas aportaciones importantes como la de liberarse del caballete y sobretodo de las bases en la escultura. Se ven instalaciones de gran tamaño y en materia prima industrial, debido a esto el artista deja de ser el productor de su obra y se vuelve en algo así como el productor de la idea y el diseño de esta.
Las instalaciones presentadas en galerías, al mostrarlas desmontadas, el espacio en el que estaban también iba a jugar un papel muy importante, tanto que el diseño de su obra tenía que ser pensando en el lugar donde iba a ser expuesto. El espacio complementaba la o las piezas. Y digo piezas porque fue en este movimiento también donde se dio inicio a la seriación. Sus piezas geométricas eran simples, monocromas y se repetían exactamente iguales cada una. Me pareció muy interesante el hecho de repetirlas porque anteriormente se habían hecho piezas únicas, y adquirían cierto valor, y esto hacia que el artista también se le elevara. Pero el que el artista solo fuera el diseñador de la obra y otro fuera el que la hiciera, había cierto alejamiento del artista con su obra y esto lo hacía más impersonal.
Un movimiento que veo contrario a este es la Bauhaus quien su propuesta era que la forma siguiera a la función. El minimalismo no le buscaba ninguna función a la forma.
Algunos artistas de este movimiento fueron Donald Judd, Carl Andre, Sol Lewitt; quien habla de la importancia de la idea, Dan Flavin; utilizo luces de neón, nunca antes utilizadas en galerías, donde simplemente las colgaba (seriación) en la pared o simplemente varias de colores en el piso, y Robert Morris en la pintura.

LAND ART

Historia del Arte IV
Prof. Roberto Rosique
30 de mayo de 2011
Land Art
Daniel García Piñeiro. boejack@hotmail.com

En el siglo XX en la década de los setenta un grupo de artistas norteamericanos y europeos empezaron a trabajar con el medio ambiente y sus recursos naturales, es decir que utilizaban el paisaje en vivo como su lienzo o soporte. Es clasificada como una corriente artística contemporánea y se le denomino como Land Art (arte terrestre), ya que su propósito elemental de este arte es alterar el paisaje e interviniendo la tierra.
Por lo general el Land art es un arte efímero, nunca sobre vive al paso del tiempo y va desapareciendo lentamente por cuestiones climáticas, erosiones del terreno o rara vez el mismo artista decide deshacer la obra una vez de haberla registrado. Lamentablemente para el espectador este tipo de obra es imposible exhibirse en galerías o museos, puesto a que sus proporciones son monumentales y se encuentran en lugares difíciles de acceder; lugares fuera del alcance del espectador tales como montañas, desiertos, islas, ribera de algún lago, bosques, etc. De esta manera, y por decisión del artista, el Land arte evade la comercialización de las obras y queda totalmente independiente de museos o galerías, rechazando los espacios institucionales, cerrados o privados. El único medio para dar a conocer la obra es a través de registros fotográficos y fílmicos que estos si son expuestos en galerías y museos.
“Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.”( Wikipedia, 2011).
Pienso que se trata de un trabajo en colaboración mutua, el artista trabaja junto con el medio ambiente como el medio ambiente trabaja con el artista. El artista hace su obra y la construye alrededor del medio ambiente pensando en las posibilidades y beneficios que este le ofrece a su trabajo, pero también la obra del artista tiene que estar diseñada para interactuar con el medio ambiente ya que es un objetivo modificar ligeramente el paisaje.
El Land art usa mucho los factores de simplicidad, sus características en dibujo casi siempre son básicos como líneas rectas, círculos, zigzag, cuadrados, la cruz y hasta a veces laberintos, aunque lo que más se utiliza es el espiral. Por ejemplo, una de las obras que más destaca en esta corriente es “spiral Jetty” (1970) del artista Robert Smithson, que consiste precisamente de un gran espiral hecho de rocas, barro, cristales de sal en suspensión y rodeado de las aguas de la costa del Gran Lago Salado en el estado de Utah, Estados Unidos.
El artista Ingles Richard Long destaca por trabajar tanto en el medio ambiente como en lugares cerrados, y lo que hace es extraer materiales naturales y las lleva hasta el museo o galería donde presentara su obra y la instala ahí mismo.
Andy Goldsworthy, otro artista del Land art, tiene una técnica muy peculiar para trabajar. Jueaga mucho con los colores que los escenarios naturales le proporcionan, utiliza rocas, hojas de árboles, ramas, flores, frutos y los acomoda en el suelo en orden cromático a su color logrando un gran efecto visual, diseña figuras muy artísticas muy atractivas y coloridas. Su discurso de Goldsworthy habla de cómo la misma naturaleza invita al espectador a admirar su belleza artística
Uno de mis artistas preferidos en Land art y con mayor fama mundial es el artista Christo. En su trabajo, Christo junto con su esposa Jeanne-Claude, idean proyectos muy complejos de realizar, pero a la vez son ambiciosos y espectaculares. Para realizar uno de sus proyectos para por un proceso muy largo de reclutar cientos de voluntarios, convencer a ecologistas, obtener millones de dólares de financiamiento y conseguir complicados permisos por parte de autoridades locales, nacionales, propietarios, y además se asesora de expertos en flora y fauna para no afectar la naturaleza.
A pesar de trabajar en el campo de Land art, Christo trabaja en escenarios urbanos y naturales. Su trabajo se le reconoce por sus envolturas gigantes de edificios históricos como el Reichstag en Alemania, pero uno de mis favoritos son las islas rodeadas de miles de metros de tela rosa, en la Bahía Vizcaína de Miami. La inmensidad de su trabajo es muy impresionante, sus intervenciones en el paisaje son majestuosas y me agrada que crea la ilusión de infinito, como por ejemplo su obra de los “Paraguas” en Japón y California. Aun que sea yo un admirador de su trabajo, se me hace absurdo, innecesario, y un desperdicio de dinero invertido en sus proyectos, Christo cree que una buena parte del logro artístico de su obra es el gran esfuerzo comunitario que logra congregar.
En conclusión el Land art representa la relación entre el hombre y el medio ambiente, una relación que refleja el amor que le tiene el hombre a la naturaleza, pero a la vez esta relación refleja también los conflictos que existen entre ellos, al sobre explotar sus recursos y la destrucción de su habitad. El land arte crea una reflexión sobre este conflicto que siempre ha existido desde la aparición del hombre en la tierra. Nos muestra la interacción entre el arte creado por el hombre y la belleza artística natural del medio ambiente, la transformación de sus paisajes, sin alteraciones dañinas, ni mal uso de recursos naturales que sin duda la convierten en una tendencia artística muy contemporánea y muy poética.
Fuentes:
Itzel Rodríguez /http://es.wikipedia.org/wiki/Land_Art - 30 de mayo de 2011
http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_landart/1.htm - 30 de mayo de 2011
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7810&Itemid=8 - 30 de mayo de 2011

LA ABSTRACCION EXCENTRICA Y SU ESPACIO DENTRO DEL ARTE MODERNO

Irving Ariel Contreras Espinoza. irving1238@hotmail.com
La Abstracción excéntrica y su espacio dentro del arte moderno
La abstracción excéntrica nació a partir incursionar con nuevos materiales dentro de la escultura, materiales exóticos y extravagantes que traían consigo un sensualismo y color que no había sido exploraros antes por la escultura. Y de esta experimentación se desarrollaría la escultura moderna, una en la cual los pedestales no son necesarios y los materiales son bastos e innumerables. Aunque estas propuestas ya habían sido exploradas antes por el minimalismo y el process art , es en la abstracción excéntrica donde estas nociones se establecerían en un nivel mas elevado. También ayudaría a la incursión de materiales nuevos en el entorno escultórico como la fibra de vidrio.
Los artistas mas identificables con este movimiento y los que tuvieron la exposición llamada abstracción excéntrica en New York en 1966 por la cual se le daría nombre al movimiento fueron Eva Hesse, Bruce Nauman y Louise Bourgeois la cual fue su artista mas reconocida. Bourgeois fue una artista Francesa nacida en el año de 1911, que trabajo con un sensualismo en sus esculturas hasta los últimos años de su vida, basta con fijar la mirada en algunas de sus piezas para notarlo como es el caso de su escultura Fillete de 1968, la cual asemeja a un pene erecto y aunque es utilizada la figuración en esta pieza esta no se aleja de ser adjudicada a la abstracción excéntrica dado el uso inusual del material, latex. Otro de los artistas mas importantes de este movimiento es sin duda Yayoi Kusama, artista japonesa nacida el 22 de marzo de 1929 es la artista femenina viva mas reconocida dentro del arte mundial en la actualidad. Su trabajo gira alrededor de la idea del punto el cual ella aborda de forma obsesiva, en algunas de sus piezas son repletadas de puntos lo cual hace fácilmente identificable su trabajo. La parte mas importante del trabajo de Yayoi Kusama se encuentran en sus esculturas e instalaciones son estas por las que se logro su reconocimiento, instalaciones inmensas que abarcan cuartos enteros con colores seductivos y sus característicos puntos, estas obras poseen un poder de impacto inmenso dado su tamaño y la manera en que utiliza el color. No se puede negar el talento de Yayoi Kusama como artista después de haber visto una de estas obras que inundan la vista de una sensualidad palpable
La abstracción excéntrica ejecuto arte nuevo, la abstracción de sus esculturas no se había realizado antes, esta no era una abstracción como la de los minimalistas, esta era una abstracción llena de textura, color y forma. Era una abstracción llena de elemento en esa manera se alejo del arte minimalista, a los que se oponían a materiales con textura, con colores y formas amorfas. Ellas no buscaban la industrialización de sus objetos y que esto pudieran ser hechos por maquinas como los minimalistas , sus piezas eran completamente individuales, amorfas y sensuales.
Es fácil entender la magnitud de este movimiento en la cultura al ser Yayoi kusama una abstracta excéntrica la artista mujer mejor valorada de nuestros tiempos por el mercado del arte, su trabajo a sido expuesto por la mayoría de las galerías y museos importantes del mundo. También es el caso con Louis Bourgeois quien alcanza una consolidación como artista aceptada universalmente, sus esculturas ahora son puestas en lugares importantes y respetables. La abstracción artística fue el vinculo para que la escultura moderna tuviera la libertad que hoy tiene, y puede ser catalogado como un movimiento feminista aun sin este quererlo dado que abre y sitúa a las mujeres en un lugar importante en el mercado artístico que no habían tenido hasta la fecha con tal importancia.
Este movimiento ayuda a la consolidación de la mujer como artista de vanguardia, lugar que no a abandonado desde entonces. Este fue un movimiento liderado por mujeres las cuales fueron de los artistas más importantes del arte moderno. Claro que había mujeres desde siglos atrás que tuvieron un papel reconocible en las artes, Mary Casatt en el impresionismo pero hasta esa fecha su obra no había sido tan apreciada y tan representativa del movimiento al que pertenecieron. Aquí se formaron los primeros iconos de mujeres artistas del mercado. Estas ya se encontraban en la punta del mercado global siendo ella parte de sus fundamentos.
La abstracción excéntrica deja nuevas libertades en torno a materiales de trabajo para el escultor, instalador y un portafolio de arte amorfo que intriga, conmueve y estremece a la mente e Iconos femeninos del arte incuestionables.

VITO ACCONCI

Vito Acconci
por Imani Estrada. frat.32@hotmail.com

Vito HannibalAcconci es un artista, poeta y arquitecto norteamericano, nació en Bronx, New York en 1940. Es muy difícil catalogar a V. Acconci en una sola corriente artística, podemos ponerlo en el situacionismo, el body art, el arte conceptual y el minimalismo. Si hablamos de sus obras Acconci tiene varias, un repertorio muy extenso, que van desde fotografías, poemas, videos, performance, esculturas y de exploración del espacio arquitectónico, excepto pintura, la cual no ha llegado a tocar en su vida. Pero son los primeros trabajos los que nos interesan, las acciones, videos y fotografías.
Seedbed es uno de sus performance de 1971 presentado en la GaleríaSonnabend de New York, donde V. Acconci se recuesta debajo de una rampa de madera la cual se extendió a lo ancho de la galería, mientras escondido V. Acconci se masturbaba pensando en el público que camina sobre él y por medio de un altavoz podían ser escuchadas sus fantasías. Son tres las semanas y ocho horas al día las que duro masturbándose y murmurando sus fantasíassexuales, donde menciona cosas como: "You'repushingyourcuntdownonmymouth" o "You'rerammingyourcockdownintomyass.
Es en este performance donde hace el uso de lo privado y lo público, algo muy recurrente en su trabajo, el acto de masturbarse es algo muy íntimo y solitario, pero el hecho de que lo este ´compartiendo´ con toda la audiencia lo cambia totalmente y hace participe al público de esa acción. Está creando un dialogo entre el artista y el público.
Conversión de 1971 es una serie de películas (trilogía), donde plantea la rigidez de los géneros, el masculino y el femenino, V. Acconci feminiza o intenta feminizar su cuerpo de ¨hombre¨ ocultando sus genitales entre las piernas o quema el pelo de su pecho con una vela e intenta recrear unos pechos femeninos. Hay una serie de fotografías también donde muestra esto, hay una donde esconde su pene y una mujer tiene pegada la cara a su trasero y da a entender que lo estuviera deteniendo con su boca o fuera parte de ese proceso o lo estuviera absorbiendo. Vemos como transforma y manipula su cuerpo, hasta llegar a la ilusión de una trasformación sexual. En muchos de sus trabajos su cuerpo y la ilusiónestarán presentes.
Undertone es un video de 1972 donde Vito Acconciestá sentado atrás de una mesa, y relata una fantasía donde una chica está acariciando sus piernas debajo de la mesa. Esta acomodado de tal forma que sus manos y parte de sus brazos están tapados por la mesa. De tal forma que da la sensación de que se está tocando, al momento de verlo el espectador se transforma en voyeur y está en el continuar con la acción, al creer o no en la fantasía al igual que con Speedbed.
Otro de sus videos es el llamado ThemeSong de 1973. Aqui V. Acconci esta acostado en el piso y hace un close-up a su cara, mientras tiene música de fondo, primero se escucha una canción del grupo TheDoors, y Acconci tararea una parte, después mirando a la cámara empieza con su monologo: 'Youcould be anybodyoutthere.' Cuando a menudo en sus otras piezasél se refiere a una mujer, aquí hace referencia a ningúngéneroespecífico, algo universal. Aunque aquí Vito A. esta cara a cara, eso es solo al final de cuentas una ilusion, 'I can feelyourbodyrightnextto me...I knowI'monlykiddingmyself...You'renothere' esas palabras del video lo describen perfectamente. El artista está rompiendo con un muro, podría ser el de la galería -o podría ser cualquier otro- al enfrentarse de alguna forma a la audiencia, siempre está en busca de ese vínculo o relación.
Open Book es otro video de 1974 de 10 min de duración donde el cuerpo se convierte en medio de expresión. En todo el video se ve la boca abierta, pero realmente abierta de Acconci, mientras intenta o trata de hablar y con una voz que apenas se entiende dice: "I'mnotclosed, I'm open. Come in... You can do anything with me. Come in. I won't stop you. I can't close you off. I won't close you in, I won't trap you. It'snot a trap.", Vito Acconcino no pudiendo mantener su promesa, cierra la boca y empieza a disculparse con el público, "Thatwas a mistake. I won't close. I won't close you off. I won't close you in. I'm open to everything..."Esalgoparadójico el querercomunicarsepero de tal forma que no puede, esimposibleentenderle.
Vito Acconci fue un pionero del video y más que nada del body art, donde la ilusión de sus acciones se vuelve ¨realidad¨ cuando la audiencia pasa a forma parte de ella. Siempre está en confrontación directa con el espectador y eso es lo que lo hace ser tan único e importante.