Neoexpresionismo alemán
Lazos Murga Adrian
spok3y_08@hotmail.com

Arte nacionalista
El Neoexpresionismo alemán movimiento surgido después de finalizar la II guerra mundial , los “artistas” observan la Alemania desbastada y sin identidad, al ver esto, los personajes son influenciados por el historial nacional, preocupados por su trayectoria y consientes de esto, el movimiento empieza a surgir como una representación expresividad y critica acerca de la dicotomía de valores occidentales, creando imágenes consientisadoras que cuestionan la sociedad, la esquizofrenia, el drama y la tranquilidad; lo racional y lo irracional por mencionar algunos temas de representación.

En cuanto a la estética será una mescolanza con distintas corrientes de vanguardias como el futurismo, surrealismo, faovismo algunas más predominantes que otras, siendo esto un redescubrimiento que se revelo contra el minimalismo y su sencillez , las ideas conceptualizadas cripta lisadas en objetos, como la idea de la vanguardia como ruptura de la tradición, siendo un movimiento nacional racionalista.
El neoexpresionismo alemán en resumen viene siendo un movimiento antropológico entre la modernidad y la posmodernidad pues el estilo viene siendo la creación de una nueva imagen a una sociedad desbastada y partiendo de ahí para la creación de sus pinturas y reflexiones que a fin de cuentas están interesados en las ideas vanguardistas pero que a su ves van en contra de estas reciclando una representación conjuntamente con la transvanguardia italiana, inicio como un grupo partiendo de reflexiones histórica, criticas asía el ser humano, la miseria el anti-Intelectualismo, filosofías de el lenguaje y comunicación, un movimiento muy exponente acerca de la vida y sus quehaceres , y que asta este momento sigue como algo individualista común y corriente valiéndose del consumismo sin una innovación pictórica evolutiva apegándose a lo ya representado por generaciones anteriores siendo un arte en con cluicion que partió desde una perspectiva critica asta convertirse en un individualismo valiéndose de la fama que enriquece el egocentrismo alemán.

Reflexiones sobre algunos temas de Historia del Arte IV
Gustavo Rodríguez
gustavorodriguezmendez83@gmail.com

He encontrado varios puntos que me gustaría comentar de algunas tendencias dentro del arte de la postmodernidad. Empezaré con el orden que los tengo anotados en la libreta de notas, creo que puede ser interesante.
Comenzaré con el Minimalismo. Es importante que existan movimientos donde la sintetización de las cosas actúe con el entorno creando un espacio y estado de tranquilidad, silencio, movimiento, donde el mismo lugar se convierta en la propia obra de arte. Es emocionante la sensación de limpieza que se siente y se percibe con las piezas de Sol Lewitt, es el movimiento sintetizado donde intervienen emociones reflejadas en colores y en formas geométricas simples, tal vez unos de los puntos que desde mi perspectiva sería desfavorable, es la saturada repetición de formas parecidas, tal vez por la rigidez del movimiento. Quizá saturar la imagen de formas simples entra en conflicto con la propia idea del minimalismo que propone efectos satisfactorios con el menos número de componentes, no digo que sea siempre el caso de cada minimalista, en todo caso es una reflexión personal acerca de esta corriente.
Este y otros movimientos donde intervienen pocos elementos es lo que te enseña a descomponer una idea y armar algo más sencillo, como por ejemplo trabajar con alguna forma geométrica donde se registre el movimiento de la sombra las 24 hrs del día donde la propia sombra de la forma geométrica, sea la descomposición y la transformación u otra forma geométrica aparente o en teoría, que se vea reflejada en la superficie.
Creo que la visión de la academia tiene que salir del formalismo y no precisamente seguir el protocolo, sino experimentar con la búsqueda del ser interior para que tu yo creativo pueda surgir sin ningún obstáculo, donde por causa de una verdad absoluta sea nublada la visión.
La Abstracción excéntrica, conocida también como Post-minimalismo debido a que como el minimalismo usa pocos elementos, pero esta vez recaen elementos como el movimiento curvilíneo y la sensación de que la pieza pudo haber estado en movimiento y con vida.
Eva Hesse es una de las precursoras arte conceptual post-minimalista, creó la ruptura del minimalismo hacia la abstracción excéntrica. Fue lo interesante ya que rompe con la rigidez del minimalismo y propone algo realmente nuevo en su momento.
Trabajar con ciertos materiales que tal vez nunca se imaginaron que pudieran haber servido con un propósito artístico, es curioso pensar que tal vez estos artistas se hicieron una pregunta y esto ¿porqué no? Ya que en ningún momento el arte se debiera delimitar.
Lo importante es como la cultura de estas personas hacen que se adelanten a su tiempo y conquisten nuevos territorios de la indagación, que de seguro comenzaron por medio de la filosofía y la literatura. Por eso es necesario proponer un nuevo sistema de enseñanza, que abarque puntos más importantes como lo es el desarrollo de las ideas, donde la visión sea lo más importante, después la acción y por último el resultado.
Aunque unos o varios puntos desfavorables serían el reflejo del vacío interior que manifiesta un estado de formas que pareciera que no las han movido en años y que aparentemente no han tenido ningún daño o sea que es un estado mental demasiado pasivo pero triturado y deshecho.
El Body Art que da pie a usar el cuerpo como soporte y esto me hace reflexionar que tal vez a veces no es necesario usar más que tu cuerpo para representar varias ideas, pero que aun así deben de ser sostenidas con la participación de la gente y el juego que se desata. Hace que la idea funcione y no se vuelva ni se transforme en algo grupal, no sé si sea realmente necesario pero es un punto de partida para proponer nuevos caminos en el pensamiento complejo.
Cabe mencionar que en esta pequeña reflexión no creo necesario volver a repasar personajes, fechas y grupos ya que si, reconozco que son importantes, pero que creo que en si la participación ya en si de la misma persona reflexionando sobre un tema es una buena razón donde intervienen mas la acción y profundizar es en si ya la obra de arte.
En cierta manera es una manera de filosofar, pero que sería del concepto sin la acción por lo que un punto desfavorable en contra del conceptualismo, desde mi apreciación es el desbalance de la idea concreta, la idea a medias, ya que si en su momento fue la novedad, hoy es necesario aplicarlo de manera social con un fin, ya que por las situaciones que se viven debemos de aplicarnos a relacionar las artes con nuestro entorno para obtener una coherencia de tiempo. Y no caer en lo monótono y en lo pasado es investigar seriamente en que se puede hacer para proponer nuevas cosas que estén ligadas con los problemas sociales de la actualidad.
Por último, el Accionismo Vienes que rompe con la coherencia y la mentalidad, ya que toma como referencia acciones del ser humano más perturbado y juega con los sentimiento de las personas. Con este movimiento se ve modificada la realidad de la pieza como la realidad del espectador ,donde las principales acciones son de estado de shock que desde mi punto de vista serían surrealistas. Son ideas que sin ser pulidas entran en un collage de actividades que hacen reflexionar sobre la irracionalidad del ser y manipulada con un fin de imposición, donde no podría faltar la sangre que llega a ser la principal protagonista de la composición.
Si este movimiento no está influenciado por la guerra y la vida retorcida que se vive en esos días, es la transformación del ser a causa de ella, la represión sobre las personas que por fin después de estar encapsuladas se ven con la necesidad absoluta de expresar los gritos de locura y desesperación que cargan consigo, de las ideas absolutistas impuestas por el gobierno o por el ideal de la perfección. Critca de la razón y la herencia de la sociedad en caos, creo que a su vez aprisionada en un mundo monótono.
Las ganas de friccionar los dientes es por la falta de espacio creativo y la represión de la mente por tanto tiempo, crean estos mundos paralelos bizarros, donde la visión ha sido almacenada, desdoblada, apachurrada y rescatada en cierto grado hasta que se convierte en algo totalmente diferente. Es así como me hace sentir el Accionismo Vienes, creo que hace que todos tus sentidos intervengan y se canalicen a tal grado que se vuelven verdaderas introspecciones, creo necesario adentrarse en la literatura ya que entre más palabras conoces, mas entiendes y es más fácil expresarte.
Referencia:
http://artescontemporaneos.com/eva-hesse-pionera-en-la-desmaterializacion-de-la-obra-de-arte/

Pattern Painting

Patrón y diseño
(Pattern and Decoration o Pattern and Desing)
José Alberto Campa Aviles

ultra_mk27@hotmail.com

Pattern Painting es el tema que elegí para la clase de Historia del Arte IV. No tenía idea alguna de que era un movimiento de los años 70´s. Informalmente fue conocido como PYD y su significado en inglés es Pattern and Decoration o Pattern and Desing. Para el arte americano esto era una visón ideal que se dio hace 30 0 40 años cargada de una pasión llena de polémica de una juventud enérgica perteneciente a una nueva generación de artistas que día a día impulsaban las metas y logros del PYD a la luz del día, formando lo que con el tiempo se convertiría en una transición de coaliciones y grupos compuestos por artista rebelados en contra de las autoridades establecidas y de toda expresión en relación al minimalismo.

Eran tiempos de post-modernidad cuando el movimiento de Patrón y diseño se estaba fraguando. El término que se utiliza para etiquetar el arte después de 1960 es Post-modernismo y rechaza toda idea generada por previos movimientos, incluyendo al modernismo y su utópica visión o cualquier otro principio que organizara la diversidad de estilos que los pasados movimientos contenían. Democracia y ciencia eran parte de la sensibilidad moderna y vistas como fuerzas hegemónicas. La vanguardia era celebrada generando una pluralidad de estilos estéticos o anesteticos y todos por igual. En sus intentos por desprenderse de toda conexión con el pasado, PyD, post-modernismo, pro dada, adopta un anarquismo y el roll de vanguardia que reta a la cultura establecida. Siempre revelándose en contra del vacío exclusivo del minimalismo y el conceptualismo. El PyD fue un movimiento que se consideró inapropiado como motivo de materia para un nivel artístico elevado, aun así el movimiento siempre se consideró una herramienta para la rebelión, literalmente intentaban llenar un vacío, los jóvenes artistas del PyD buscaban inspiración de los grandes pintores decorativos del pasado como Klimt y Gauguin que también reconocieron que Matisse enseñó que abstracción y decoración eran intercambiables y que el fauvismo llego 3 años antes que el cubismo. Existe una fuente de información hecha por Wheeler Zakanitch artita del PyD que incluye una lista que toma en cuenta a los decoradores sin nombre y artitas folk que diseñaron telas de patrón y prendas através de la historia, influenciados por culturas precolombinas, de la india, marroquí, diseños de nativos americanos, arte céltico medieval, etc., que abarcan diferentes culturas que practicaban la cuestión del patrón y el diseño.
PyD un movimiento con espíritu de los 60’s, siempre solidario con artitas de la clase obrera trabajadora y el 3er mundo, fusionado con el feminismo y el deseo de cambiar la cultura establecida hacia un ambiente más global e incluyente. El movimiento de las mujeres animaba igualitarismos y trajo nuevas sensibilidades a los hombres dominantes ya establecidos en las artes finas. El feminismo abrió un nuevo horizonte artístico a las mujeres lo que lo convierte en uno de los movimientos culturales más importantes de la historia del siglo XX. La preocupación feminista acerca de la condición de las mujeres está estrechamente ligada a otros acontecimientos y movimientos que sacudieron la conciencia del mundo, como el movimiento por los derechos civiles de la población negra de los Estados Unidos, la guerra de Vietnam, el lanzamiento al mercado de los anticonceptivos, la experimentación con drogas psicotrópicas, los movimientos estudiantiles, etc. El feminismo fue uno de los eslabones del ¨despertar¨ social de grupos hasta entonces marginados de los espacios de poder. En 1970 fue cuando detonó la expresión autoconsciente por parte de las mujeres que se involucraron en el arte que articularía sus experiencias desde una posición política y social. Las artistas feministas situaron sus obras en su experiencia social como mujeres y partieron de la aceptación de que la experiencia femenina es diferente a la de los hombres pero igualmente valida. El principio clave de las feministas el despertar de la conciencia. Sin embargo, la definición de mujer para las primeras feministas era el poder de la mujer como parte de un grupo de mujeres. Esta actitud abrió el camino del cambio político en la sociedad y la puerta hacia la creatividad y la novedad en el arte. La mayoría de las artistas feministas trataron de no usar técnicas tradicionales, como la pintura sobre tela. Mucho arte feminista fue hecho con medios que en su momento fueron nuevos como el caso del video, el performance, el arte ambiental, land art, happening, etc. Las feministas entraron a la historia del arte a través del arte conceptual; pero como no estaban interesadas únicamente en la estética sino en la situación de las mujeres en la sociedad y en la historia, sus propuestas siempre tuvieron un sentido de militancia política y social. Un ejemplo de este tipo de necesidad expresiva son las fotografías (que dan la apariencia de ¨stills¨ cinematográficos) que Cindy Sherman se tomó a si misma representando y criticando los distintos estereotipos del papel de la mujer en la sociedad. A través del arte, las feministas intentaron liberar a las mujeres de imágenes y actitudes negativas acerca de la anatomía y fisiología femenina. Trataron temas tabú como el sentimiento ante la menstruación (Judy Chicago en su instalación Menstruation Bathroom) y representaron imágenes realistas o simbólicas de vagina, senos y otras partes de la anatomía de hasta entonces había sido un objeto de la cosmovisión masculina. El arte feminista se propuso cambiar el cuerpo femenino de objeto pasivo a agente comunicativo. Crearon imágenes corporales para un público femenino.
Asimismo, trataron el hasta entonces poco usual tema del enojo o dolor de la mujer a través del arte. Por ejemplo, Nancy Fried desahogó su rabia por el cáncer de mama que le afectaba en una escultura y Hanna Wilke registró en una serie de fotografías el desarrollo del cáncer que la llevó a la muerte. El feminismo artístico también incluyó una revaloración de las artes tradicionales practicadas por las mujeres a lo largo de la historia, como el bordado, tejido, flores y otras artesanías atribuidas al quehacer femenino. Las feministas decidieron honrar la creatividad que siguió los caminos de las artes menores, porque estos estaban prácticamente vedados. Así reutilizaron la decoración que practicaban sus abuelas y dieron nueva vida a estas formas, retando el sistema de valores del orden cultural del cual provenían. Es decir que se identificaron con la tradición femenina, pero le dieron un sentido político-social. En el mismo sentido recuperaron patrones decorativos ¨exóticos¨, como el japonés y el musulmán, pues querían liberar esas expresiones de la marginación impuesta por el machismo eurocentrista. Las feministas se enfrentaron así al esquema dominante occidental a través de formas decorativas consideradas femeninas o amaneradas. Como ejemplo esta la serie de abanicos de Miriam Shapiro, donde utiliza diseños japoneses para decorar un objeto típicamente femenino. Ella misma nombro a otras de sus piezas Femages en referencia al collage cubista remplazando las primeras cuatro letras de la palabra collage por tres letras que aluden a un término que identifica a la mujer (FEM); y en lugar de objetos como el cigarro y recortes del periódico del mundo de los hombres, ella bordó y cosió botones de remplazo, estandarizó la práctica del hilo y enhebró lentejuelas en seda para construir un ambiente femenino. Creó un puente entre el arte fino y las artesanías por asimilar el trabajo de la mujer en estilos modernos. Para las feministas, el arte hecho por ellas representaba un nuevo comenzar; una segunda parte en la historia de la cultura occidental para completar la larga parte uno, de la historia masculina. La meta del feminismo es cambiar la naturaleza del arte, transformar la cultura de forma permanente, introduciendo la hasta entonces ignorada perspectiva femenina. En el nuevo orden que se implantaría habría mayor equilibrio entre el arte y cultura de los géneros, habría una verdadera universalidad que representara las experiencias y sueños tanto de hombres como de mujeres. Muchos críticos e historiadores ven el arte feminista como una corriente vanguardista más, que fue antecedida y predecida por otros movimientos artísticos. Las feministas creen que su propuesta es un sistema de valores nuevo, una estrategia revolucionaria; una forma de vida que, como el Dada o el Surrealismo, cambió todos los estilos y movimientos artísticos desde su aparición, se planteó que lo revolucionario del arte feminista son sus contenidos y no sus formas. Después de 30 años sabemos que no todo el arte que hacen las mujeres es feminista, ni siquiera el que hacen las propias feministas.
Mientras tanto la muerte de la pintura fue una hipótesis simplista muy en boga de los años 60´s y principios de los 70´s, hoy en día se sigue anunciando a pesar de todo lo que a pasado en la historia del arte. Sin embargo, no se puede negar que muchos de los acontecimientos más espectaculares en el arte desde esa época se han producido fuera del campo de la pintura y la pintura de ese tiempo no fue precisamente popular. Esto tendría sus consecuencias, no obstante, incluso, en el apogeo de los severos monumentos escultóricos minimalistas, del land art y de los mitos individualistas, los tumultuosos elogios de los supuestamente medios innovadores como la fotografía, el cine, el video, la tv; del periodo del body art, happening, fluxus y de los ingenuos intentos por salir de un circulo vicioso propiciado en estudios, galerías y museos; incluso en los años en que las actitudes se volvieron formas, la pintura se siguió aplicando a la tela.

El Situacionismo
Francisco Arturo Cruz Calixto
rikyporrista@hotmail.com

Los puntos más importantes en mi apreciación son estos que a continuación mencionaré.
Como bien dice el nombre del movimiento ´´Situacionismo´´ que lleva como objetivo principal la creación de situaciones, este grupo se formó en Italia el 28 de julio de 19 y quizá el representante más importante fue Guy Debord filosofo, escritor y cineasta francés.
Guy Debord escribió un libro llamado´´ la teoría de la derive´´ y a la derive la define como: viaje onírico (onírico quiere decir de los sueños) es decir salirse de la rutina, hacer cosas fuera de contexto a lo que está acostumbrado en si una ciudad como sociedad, salirse de lo lógico.
La deriva, es algo interesante porque puede cambiar el sentido de toda una vida si nos vamos al extremismo solo por pensar de esa manera, lo he visto en películas donde muchas tramas van con ese tema y en la vida real también pero no tan extremo y sin siquiera saber que son parte de un movimiento artístico lo hace tal vez sin ni un sentido pero igual se interpreta de esta manera, la deriva a mi entender no es algo bueno o malo es simplemente experimentar una travesía no convencional.
Otros artistas de este movimiento y muy importantes por sus grandes ideas de ciudades utópicas fue Constant Anton Nieuwenhuys y uno de los fundadores del grupo Cobra, este artista tambien pertenecio al grupo del situacionismo, su desmpeño era la pintura y la arquitectura entro otros pero como fue avanzando mas el tiempo se ocupo de la arquitectura y realizó un proyecto de una ciudad a la cual llam la Nueva Babilonia, que más que una ciudad Anton la consideraba una nueva cultura pero siendo una ciudad utopica nunca pudo realizarse.
Al observar las creaciones de Anton Nieuwenhuys y su manera de pensar al querer crear este tipo de ciudadades y me quedó pensando y si lo hubiese logrado, que no fuera utópico y si real,como sería la forma de vivir en esta etapa contemporánea, es interesante echar la mente a la imaginación, es algo grandioso, ¿cómo sería el arte y la forma de vivir?, me pregunto. Es algo sorprendente pensar en todo esto.
Otro artista con grandes observaciones fue Asjern Jorn quien quien dijo ´´ que la naturaleza del arte no es imitar las formas externas de la naturaleza si no crear un arte natural´´.
Tal vez mi capacidad de entendimiento no logra captar del todo lo que Jorn quiso decir con esa gran observación pero se me hace una contradicción a lo que dijo Platón: que el arte era una copia de la naturaleza es decir: Una flor bonita, por ejemplo, es una copia o imitación de las ideas universales de flor y belleza. La flor física es una reproducción de la realidad, es decir, de las ideas. Un cuadro de la flor es, por lo tanto, una reproducción secundaria de la realidad.
Esto también significa que el artista es una reproducción de segundo orden del conocimiento y, en realidad, la crítica frecuente de Platón hacia los artistas era que carecían de un conocimiento verdadero de lo que estaban haciendo. La creación artística, observó Platón, parecía tener sus raíces en una inspirada locura.(monografías.com).
Y lo que Jorn quiso decir sigo sin comprenderlo, como crear un arte natural cuando en verdad es una copia de la naturaleza como lo dijo platón y en mi punto de vista tal vez si sea una copia de la naturaleza pero de igual manera si el paisaje natural es bello provoca reacciones en el ser que lo observe y por experiencia propia también al ver un cuadro o cualquier tipo de arte creado de buena manera provoca reacciones similares si no es que mas fuertes que una copia, que finalmente creo que no lo es.
Otro punto importante de este movimiento es la Psicogeografía es otro concepto en la que se pretende entender los efectos y las formas del ambiente geográfico y el comportamiento de las personas.
Trazar mapas sobre mapas ya existentes es algo no tan recurrente pero sí muy interesante, pensar en lo que podría pasar, de seguro cosas nuevas con las que nunca habían interactuado personas que llevaban una rutina por años, cosas que ni les pasaban por la mente, tal vez si sus barrios y trayectorias fueran de clase media alta, y al trazar estos mapas sobre mapas tuvieran que cambiar su rumbo sobre clase baja, la expresión de sus caras serian muy buenas tomas fotográficas, y como la Psicogeografía va acompañada de la deriva se torna más interesante. Imaginemos un vagabundo invitado por una señora millonaria que entiende y comprende este movimiento artístico y le gusta ser parte de la deriva, imaginemos que todos la comprendiéramos pero todo bajo un objetivo de buena caridad, interesante aunque la deriva no sería tanto la trayectoria que cambie uno si no con lo que le espera al entrar o salir de este concepto.
Como en todos los movimientos artísticos cada uno de ellos trata de llevar el arte más allá de lo que fue el anterior, en este caso el Situacionismo quiere salirse de las galerías incluso de olvidar la pintura, la escultura y todas sus disciplinas.
En mi entender este movimiento trata de que el soporte sean la ciudad y las pinceladas la sociedad que habitan la misma.
Este movimiento junto con todos los demás que existen queda en claro que romper con las disciplinas del arte es difíciles ya que es como un ciclo como lo escuche en clase por decir ,antes del Situacionismo ya había tantos movimientos que poco a poco iban rompiendo con la pintura escultura hasta que apareció el Situacionismo y quito por completo la pintura dentro de su concepto ya que su movimiento trataba más con las cosas emocionales y después de ese movimiento se volvió a la toma de la pintura y vuelve a suceder lo mismo en esta época contemporánea donde importa más el concepto que una buena pintura, esto quiere decir que aunque mi pintura sea una barbaridad, si traigo un buen concepto este será aceptado, en lo personal prefiero que las ideas y conceptos sean para cambiar o hacer movimientos que cambien radicalmente una sociedad y que no los lleve una pintura o una escultura que no valga la pena y que solo por la conceptuosidad sea buena.
Quizá mi razón de entendimiento sea un poco corta en estos temas, todavía, ya que sinceramente no le he dedicado mucho tiempo a los movimientos pasados y tampoco a los contemporáneos, por eso tal vez no tenga una idea muy visible de lo que puedo reflexionar acerca de los mismos, y por que decidí hacer un ensayo o si a esto se le pueda llamar ensayo acerca de esta tema, es porque simplemente la idea a lo desconocido, a las cosas nuevas, a los cambios drásticos no contemplados en una persona me resultan emocionantes, tratar de cambiar a una ciudad a un gobierno con forme a una idea utópica de una gran urbe, en una ciudad ideal aunque pareciera difícil, pienso que si puede hacerse realidad pero todavía no llegamos a un punto de verdadera armonía y son pocos los que tienen ese armonía pero como en las sociedades gana la mayoría la minoría no tiene nada que hacer, pero por algo de debe de empezar.

El legado del grupo Fluxus
Ingrid Woller Ibarra
iwolleri@gmail.com

En los últimos anos y cada vez más frecuente, visitamos galerías, exposiciones o cualquier espacio en donde se exhiba arte y pareciera que al estar ahí, no entendiéramos nada. El mundo del arte se ha convertido en todo y en nada. Numerosas piezas que pasan desapercibidas, otras que atraen nuestra atención pero cada vez son menos en las que pudiéramos entender un mensaje, es como si el arte contemporáneo fuera sólo para unos cuantos, para unos cuantos que dicen poder darle lectura a lo que están viendo. Pero lo que hoy sabemos y algo de lo que estamos conscientes, es que libremente podemos transitar en una galería y la diversidad de obras con las que nos vamos a encontrar es infinita y esto no ha sido siempre así.
El arte contemporáneo ha llegado a un punto en donde todo es permisible, no existe ley ni regla que diga que lo que tu expones no se pueda hacer, o no se permita exponer. Cada día los seres humanos estamos adquiriendo una mente mas allá de lo que se diría abierta. Tenemos un pensamiento racional y objetual entre lo que hacemos, lo que vemos, lo que sentimos y lo que queremos que los demás experimenten. Por ejemplo, el ver transitar a una persona desnuda en la calle, aventarle espermatozoides desde un frasco a las personas, tener una menstruación enfrente de un público, todo esto y más siguen siendo de los actos más polémicos y burdos en una sociedad cosmopolita en el S.XXI, pero que sería de estos actos en el mundo del arte hace 50 anos.
En los anos 60’s se desató (y lo digo así por el impacto que ocasionó en las personas) un grupo de artistas llamado Fluxus, que en su origen no eran conocidos con artistas, sólo como un grupo de personas que perseguían ciertos intereses. El término acuñado por George Maciunas en 1962, nombre proveniente del latín flux que significa flujo y tiene relación con la libertad, era el nombre perfecto para todas las actividades en las que se involucraban. Actos provocadores, salidos de los límites de la realidad, la mayoría de ellos espontáneos y sin argumento.
Maciunas escibe: "Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático".
Un arte provocador por una combinación de acciones que ocurren como un ritual simple o en un contexto ritualizado. Las acciones de las cuales estamos hablando son, siempre de manera diferente, violar los valores y estándares cotidianos. Ellos quieren provocar al sistema a manera de juego, como algo divertido. La alegría es parte fundamental los impulsos hacen cambios estructurales en el sistema. Podemos encontrar, sin embargo, un fuerte compromiso social y político en algunos de los artistas pertenecientes a este grupo.
Hay una fusión entre artes escénicas y artes visuales, dejando atrás cualquier intento de perfección, todo está preparado para “ver que sale”. Algunos de los actos tenían fines políticos, propagandísticos o sociales y otros simplemente por el placer de hacerlo y de llamar la atención. Los artistas podían usar algún vestuario o ropa de civil. El propósito era hacer algo nuevo, lo nunca antes visto, y novedoso pero sobre todo contagiar al espectador de energía. Los artistas o las personas involucradas no intentaban producir una pieza de arte sino una experiencia artística, capaz de experimentar con nuevos lenguajes, tenían una estrategia del contagio social y con esto reacciones en cadena. Ver video 1.
Usualmente hay una audiencia y luego por lo general no queda mucho del trabajo de las obras de arte o como en el caso de Joseph Beuys, otro de sus integrantes, cualquier herramienta o utensilio que le pudiera servir en la realización o elaboración de su pieza pasan a ser parte de la obra, lo cual me parece bastante ridículo ya que si el principio de este grupo no era el medio sino el mensaje vemos aquí una contradicción que obviamente podríamos culpar al mercado del arte que es lo que le da valor a estas piezas, pero no es posible que no les sea suficiente las acciones del artistas, el registro del performance y adopten los utensilios para ponerles precio. Ver video 2.
George Brecht explica: "En Fluxus no se ha dado nunca ni siquiera la menor tentativa de alcanzar un acuerdo respecto a fines o métodos; simplemente se han aliado personas individuales, que tenían en común algo innombrable, para publicar y presentar sus trabajos. Quizá algo en común es su sentimiento, que los límites del arte están fijados mucho más allá de lo que habitualmente parece, para lo que el arte y los límites establecidos desde hace tiempo, ya no sirven de mucho".
John Cage, fue uno de sus principales integrantes y él decía que no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. Es así como la música, el teatro, danza y el happening se unen en algo que revolucionaria para siempre la manera de ver al arte.
Se destacó en la música, y con los medios menos usados logró sonidos que en conjunto hacían una canción. Desde sonidos con agua, flores, vapor, aventando cosas, golpeando muebles, con electrodomésticos como licuadoras o cualquier aparato que generara un sonido o con el que pudiera hacer un sonido, los mezclaba y hacia melodías nunca antes escuchadas. En su mayoría creadas imprevistamente con un público del que no le importaba si se reían o burlaban de él. Ver video 3.
Según Filiou, Fluxus es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine".
Esta manifestación tiene ramificaciones en Alemania, con Vostell, Nam June Paik, Beuys, Dieter Roth; en Francia, con Be Vautier, Le Mont Young, Filiou; en Italia, con Marchetti; Estados Unidos, con Dick Higgins, Robert Watts, Cage e George Brecht, así como en Japón, Holanda, Canadá y España. La primera manifestación colectiva, “Fluxus Internationale Festspiele“, tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.
Tomas Schmit reconoce: "no había dinero que ganar, ni gloria que cosechar, el resto de la escena del arte nos ignoraba, la prensa, en el mejor de los casos, nos sacaba maliciosamente en las páginas a color entre el becerro de cinco piernas y la boda del príncipe".
Con esta cita se piensa en cómo este grupo de artistas se deja llevar por sus intereses, los une un ideal que aunque parezca no estar establecido, está presente entre sus integrantes, se mantienen ante los desafíos sociales y los de la autoridad y aunque pareciera que en su momento pasaron desapercibidos por no estar al nivel de lo considerado arte, hoy lo es. Hoy es un grupo que es reconocido con cada uno de sus integrantes y es prueba de un pasado en el que el legado que encuentro es esa disposición para atreverse a hacer lo impermisible, lo inimaginable. Este grupo abrió esas puertas y esos tabúes a los que la sociedad estaba cerrada y ahora 50 años después son los que permiten una libertad en la producción, en las artes escénicas y artes visuales.
"Lo más importante de Fluxus es que nadie sabe lo que es. Cuando menos, debe producir algo que los expertos no entienden. Yo veo Fluxus allí donde yo también puedo entrar", dice Robert Watts.
Pero que pasa hoy en donde todos estos actos ya son aceptados por un mayor número de personas, que ha pasado con el reto de los artistas por provocar, por causar controversia entre los espectadores en un mundo en donde el caos es el pan de cada día, en donde nunca estamos de acuerdo con nuestro gobernantes, con las escuelas, con los amigos, con nuestra familia, con la religión, hay una inconformidad hacia el sistema en general y siempre esperando a que los cambios sucedan allá afuera, pero nosotros como artistas considero que tenemos esa llave, un poder que pareciera que en ninguna otra profesión se tiene para hacer estos cambios, para proponer, para crear.
Hay muchas maneras de incentivar a las personas a ver su realidad, a no conformarse con lo que se nos dice o con lo que se nos impone y esta puede ser una de ellas. Hacer actos fuera de lo cotidiano es la única manera de explorar otros medios que nos hagan sentir bien, de encontrar un mundo en donde verdaderamente se respeten las propuestas de otros. Debemos aprovechar esta época, esta etapa de arte y pensar que fines podemos perseguir con este tipo de actos.
V1. http://www.youtube.com/watch?v=yVYd1Z1Ckmg Grupo Fluxus.
V2. http://www.youtube.com/watch?v=lD5Fj2QTtpI&feature=related Joseph Beuyz rasurando.
V3. http://www.youtube.com/watch?v=3MHwn4mHE1U&feature=related John Cage, canción.
http://www.youtube.com/watch?v=BspaJjhHeJo&feature=related Joseph Beuys con su fieltro
http://www.youtube.com/watch?v=P4ZkR1X6s7E&feature=related Liebre muerta
http://www.youtube.com/watch?v=LQcfc-MlGFk&feature=fvw Una exposición.
http://www.youtube.com/watch?v=k_k453_FSWE&feature=related Joseph Beuyz, sin moverse.
http://www.youtube.com/watch?v=NLOWy3ys8Ag&feature=related John Cage
http://www.youtube.com/watch?v=mGrhL49-YQw&feature=related Canción con utensilios de cocina.

Historia del Arte IV // Profr. Roberto Rosique
Noviembre 30, 2010.

Historia del Arte IV
Mtro.: Roberto Rosique
Tijuana, Baja California, diciembre-2010

DEL APROPIACIONISMO DE LA IMAGEN A LOS DERECHOS DE AUTOR

PAULINA MENDEZ GARCILAZO
mandalalunar@gmail.com

Apropiacionismo, de la imagen a los derechos de autor.
Sin duda el crítico de arte Douglas Crimp tuvo que basarse en un concepto para generar la primera exposición apropiacionista titulada ''Pictures'', esta palabra en el idioma inglés denota imágenes ya sean pintadas, fotografiadas o dibujadas; una imagen realista descrita o bien una imagen de memoria visual, lo que lo lleva a generar un nuevo movimiento, la hazaña de ir contra los movimientos minimalistas y conceptualistas, proponiendo la importancia que tiene la imagen, el hecho de retomar una imagen para recontextualizar la lectura que el espectador tenía de ella. “La muerte del autor”, fue una frase que durante la historia del arte aparece como forma de desvirtuar al autor de su obra, esta misma frase se retoma con el movimiento para poder apropiarse de imágenes que otros autores ya habían generado, emerge una crítica que realizan a los museos y galerías, hacen una repetición de imágenes, redefinen el lenguaje visual. La imagen ya no necesariamente tenía que poseer un concepto o ser pensada por el artista.
La imagen siempre ha tenido diferentes relaciones; en algunos momentos sirve para contar historias, en otros; como una forma para el estudio de la antropología social. La manera en la que el artista las produce es diversa, a partir de la aparición de la cámara fotográfica, las representaciones de objetos, paisajes y realidades visuales cambiaron, la cámara captaba todo lo físico posible, por lo que el arte en general tuvo una gran ruptura de lo tradicional originando nuevas formas y propuestas visuales. En los años ochenta, la publicidad invadía las grandes urbes; el arte se relacionaba con la producción de anuncios, el cine, revistas y televisoras, eran las industrias que difundían constantemente estas imágenes. Los espectadores Vivian continuamente rodeados de anuncios que gestaban acciones como el machismo y el sexo; imágenes que eran populares, que lo único que proponían era la venta del producto que promovían. Imágenes con un interés comercial, que invadían visiones y pensamientos. Con este argumento surgen artistas como Sherry Levine, Roberto Longo, Jack Goldstein, Cindy Sherman entre otros, que al sentirse invadidos de imágenes comienzan a cuestionar ¿qué tan valido era el valor de pertenencia?, empiezan a idear formas de representación pictórica, como los cuadros proyectados con diferentes imágenes ya existentes, la fotografía surge como medio principal de apropiación, lo que ellos proponían era usar las mismas técnicas, colores, inclusive formas, pero dotar una nueva lectura o interpretación de la obra, ya que el contexto social y político de cada época cambia constantemente. Así obtenemos obras como las de Sherry Levine que se dedicó a refotografiar fotografías de artistas conocidos de los años 30´s y 40´s, o Robert Longo que decide tomar los negativos de películas comerciales para hacer rotoscopias de estas imágenes, estas imágenes por ser conocidas ya por un público que tenía noción que otros artistas ya habían trabajado con el tema o la imagen comienzan a confundirse, entre si la obra es un plagio o simplemente una copia. El plagio según la ´´ Real Academia de la Lengua Española´´ acción y efecto de plagiar, (copiar obras ajenas), copia consiste en una obra de arte que reproduce fielmente un original, Imitación de una obra ajena, con la pretensión de que parezca original, estas definiciones probablemente se parecen, las dos nos dejan claro que tiene que ver con obras ajenas al artista que las presenta.
Los derechos de autor, mejor conocido como el copyright en Estados Unidos tienen un registro que data desde 1790, en donde encontramos que el arte no contaba con ninguna protección de este género, en 1980 ya existía el derecho de autoría o copyright dotando al artista, empresa o campaña publicitaria apta para cobrar por el uso de un contenido expreso mas no por la idea, es así como este movimiento nuevamente se justificará para seguir aportando imágenes recontextualizadas.
Este movimiento tiene críticas negativas, pues la mayoría de la gente llega a pensar que solamente es copiar imágenes para venderlas, tener fama o no producir ideas originales y que el artista no realiza ningún esfuerzo, lo cierto es que este movimiento a pesar de las críticas, siempre mantuvo la firmeza de creer que al recontextualizar las imágenes que invadían el campo visual, pertenecían a cualquier persona que las observara por que esta le adaptaba su idea.
Actualmente no podemos negar que esta forma de concebir apropiarse de imágenes que otros artistas ya habían impulsado es bastante cínico, pero marca una pauta de producción de nuevas ideas que a través de este movimiento generó el uso de imágenes libremente, ya con el fin de producir obra de arte y no con el interés comercial que pueda tener, es cierto que el desencanto que produce este movimiento por lo fácil que resulta el copiar imágenes ya vistas es grande porque genera un pensamiento de comercialidad únicamente, es el mismo desencanto que nos puede generar el Ready- made duchampiano y el arte objeto, pero sin estas nuevas formas de expresión, en estos momentos no conoceríamos la libertad de la creación con lo que ahora se tiene, con la aparición de la Internet, el arte comienza a expandirse rápidamente, las imágenes que podemos observar son demasiadas, la autoría o copyright es mas penado, aunque no necesariamente totalmente protegido, pero aún así los artistas actuales siguen ejerciendo la forma de apropiarse de imágenes para su producción, no ya con el mismo concepto, pero sí bajando imágenes como referencia para alguna pintura o escultura, creando diseños u obra digital con imágenes de compañías publicitarias para generar una crítica a las mismas marcas, o simplemente recontextualizando imágenes. Al final la misma pregunta que lleva la generación de este escrito sigue surgiendo. ¿Quién es el dueño de una imagen?, el que la compra, el que la genera o el que la observa y queda perpetuada en su memoria para siempre.

GRAFFITI
Mariana Fragoso
mariana_9022@hotmail.com


El término graffiti fue usado por primera vez en este sentido por los arqueólogos para designar las escrituras informales en tumbas y monumentos antiguos. Hoy, al igual que entonces, graffiti se refiere a una amplia variedad de temas tratados en un tono satírico. En la segunda mitad del siglo XX el término se ha aplicado a numerosos actos, a veces considerados vandálicos, sobre la apariencia de las propiedades, mediante pintura y otros medios gráficos.
El graffiti originalmente surgió en los Estados Unidos a finales de los sesentas , específicamente en Nueva Nork, el joven pionero de este movimiento artístico fue Demetrius apodado “taki ”, quien empezó escribiendo su apodo junto a su numero de calle 183 en todas las superficies posibles de su vecindario sin intensión de sobresalir o de influenciar algo, sólo lo hacia, según explica, como algo “instintivo”. Sin embargo, brinco a la fama poco tiempo después, y se convirtió en una gran influencia muchos jóvenes que de inmediato empezaron a hacer lo mismo en sus vecindarios .
Al principio escribir su nombre era lo importante, después fue transformándose poco a poco por la competencia. Poner diferentes diseños de letras, hacerlas con sobras con brillos, con símbolos, de varios colores, en fin, a cada estilo de letra se le asigna un nombre, y por lo mismo que la competencia se hacia cada vez mas grande es cuando fueron incorporando imágenes, como superhéroes o personajes de dibujos animados, músicos famosos, imágenes creadas, etc.
El grafiti también llamado “el otro arte de escribir”, es confundido por la mayoría de las personas por cualquier tipo de palabras escritas en un muro, que son ofensivas, esas que no tienen ningún valor artístico co9mo lo tiene, el trabajo de elaboración que hay detrás, la evolución grafica que a tenido durante tantos años el graffiti.
Originalmente el grafiti tiene un sentido territorial, de oposición a las reglas, a darse a conocer, de darse a respetar, también es visto como la forma mas directa de hacer que volteé alguien a ver una pared que solo tiene un color solido impregnado.

A pesar de que el grafiti parece algo sencillo, algo que para hacerlo no necesitas saber nada simplemente, hacer por hacer, tiende a confundir a las personas, porque no es lo mismo hacer pintadas en una pared, a grafitiar, por que el grafiti tiene sus códigos, tiene su razón de ser, su esencia. Para llegar a ser un buen grafitero, reconocido y para que realmente dejes tu marca, tienes que seguir las políticas del grafiti, no son reglas por que un acto de vandalismo no puede tener reglas por eso son códigos. Pero para ser bueno se tienen que seguir los códigos, algunos ejemplos pueden ser, el nombre con el que firmas tiene que ser elegido con detenimiento, tiene que sonar bien, se tiene que escribir fácil, no usar nombres repetidos o términos callejeros, no pintar encima de una superficie ya pintada, respetar los antecedentes, respetar la historia, etc. Y siempre si se pinta encima de una pieza, tiene que ser mucho mejor, que realmente valga la pena.
La competencia es parte esencial del grafiti, es por lo que sigue adelante, es lo que lo mantiene en pie, el proceso de mejorar, de evolucionar, ir por mas, superar a los demás, pero viéndolo siempre en forma natural, no narcisista, como la sobrevivencia del mas fuerte. Como lo es en todo, necesitas ir para adelante proponer cosas nuevas, mejorar las ya existentes, para que así puedas sobresalir y dejar realmente una huella en esta vida de que exististe.
El graffiti es arte puro, es el lenguaje del ignorado, su función mas directa es la expresión libre en todo lo que te rodea, el arte instintivo, el arte ilegal, el arte temporal, ese que se hace y se destruye espontáneamente, el arte callejero, el arte que une, el arte multicultural, el arte colorido, el arte territorial, el arte confuso, el arte veloz, el arte urbano, el arte de rayar.

Historia del Arte IV
Mtro.: Roberto Rosique
Tijuana, Baja California, diciembvre-2010

Apropiación
SILVIA ESTHER ORTIZ VALADEZ.
esther_sk8@hotmail.com


Este movimiento surge en 1977 como una propuesta desmitificadora. Su intención puede ir de la ironía al homenaje.
Algunos de los artistas que abarcan este movimiento son Troy Brauntuch, Robert Longo, Sherrie Lenvine y Cindy Sherman. Su propósito era poner en escena, antes que la representación misma, los procesos a través de los cuales esta obtiene su codificación social.
Quisieron hacer patente de qué forma los usos establecidos y que pasan por naturales, en realidad son el resultado de un trabajo en el que ha triunfado una cierta política de la representación.

En lo que a mi respecta, este movimiento es como una burla o bien una ironía. Tal vez al igual que en estos tiempos actuales, los apropiacionistas pensaron que ya no había nada nuevo por hacer, que ya todo había sido visto o inventado y es entonces que comienzan a indagar en otras perspectivas del arte y es cuando deciden tomar algo de lo que ya estaba (apropiarse) para bajo esto crear un concepto que giraría todo.

Me parece que esto o es artístico, a menos no en lo técnico, ya que sólo llegan, copian y lo presentan, me pongo en el lugar de los artistas, a quienes usurparon sus piezas y al igual que ellos también me molestaría que ¨X¨ persona llegara, tomara una foto de mi foto, la presentara y de paso le fuera mejor de lo que me fue a mi como creadora original de la pieza.

Sin embargo, tengo la contraparte de mi negación a este movimiento, como mencione; técnicamente para mí no es artístico, por muy bien logrado que este, pero si hablamos de la idea, es genial, como empezó esta idea en su cabeza y como llegó a dejar una gran marca en el arte, es una idea muy atrevida, que rompe completamente con la forma de llevar acabo una pieza o de proponerla. Que sobrepasa los límites, es decir, no sólo toma un fragmento al que podría cambiarle la atmósfera, añadirle otro elemento, etc., sino que toma la pieza completa y la presenta como tal, eso es justamente lo atrevido. Y lo mejor es que el argumento que los artistas apropiacionistas hacían era tan bueno y bien fundamentado que no les podían hacer nada.

Herber Read, en su diccionario del arte y los artistas, define la apropiación como la repetición, copia o incorporación directa de una imagen por parte de otro artista que la representa en un contexto diferente, de manera que altera por completo su significado y cuestiona las nociones de originalidad y autenticidad.

Quizá de este periodo el trabajo que mas llama mi atención es el de Serrie levine, ella reproduce algunas obras “clásicas” de la fotografía “pura” de los años 30 en EEUU, exactamente iguales y se las adjudica como propias, intentando señalar dos problemas: por un lado, el desbalance entre el anonimato de los personajes retratados por el fotógrafo original -Walker Evans-,y el hecho de que la misma operación (fotografiar) se juzga de modo diferente cuando se hace sobre la realidad directa, que cuando se hace sobre una reproducción de una realidad previa, registrada a nombre -como propiedad- de otro.

La diferencia entre la propuesta de Levine y el simple plagio es que ella elige una obra muy conocida públicamente y su “creación” consiste en hacerle preguntas a través de un acto tan simple como fotografiarla, no pretende atribuirse el contenido original para sí, sino que busca cuestionar el punto en el cual ciertos objetos y/o personas están sobrevalorados según nuestra noción de autor.



Realmente el peso de este movimiento de apropiación es muy grande, tan grande que hasta la fecha sigue usándose y francamente creo que se usara siempre, talvez no el sentido de apropiarse tal cual de una obra, sino que el hecho de tomar un pequeño fragmento de algo ya es una apropiación por si sola.

Viendo la apropiación desde una perspectiva un poco diferente he llegado a la conclusión de que a pesar de no aprobar la apropiación, casi toda obra de arte lo es, Es decir, partes de un referente en ocasiones, tomas algún fragmento de algo que viste y te gusto, usas una técnica que ya alguien hizo y patento y así es como caemos en la apropiación, aunque en diferentes niveles, es decir, podemos distinguir entre una obra que es totalmente una apropiación y otra que tal vez lo sea sólo en una parte.

Transvanguardia italiana
Roberto Carlos Paredes Hernández
black_cat2009@hotmail.com

Es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue empleado en 1979 por el italiano Achille Bonito Oliva, para un grupo de pintores italianos.
El italiano Achille Bonito Oliva nació en los años de los ochenta, en oposición al arte povera, movimiento de novedad hasta entonces en Italia. La transvanguardia pensaba en el regreso al gusto y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un conjunto de artistas: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis.
Los transvanguardistas se caracterizaban por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Concurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con expresividad cromática. Otra de sus características es que el artista es libre para viajar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Hacen obras normalmente figurativas, con referencias o pedazos de obras del pasado.
Su principal influencia es el Manierismo, también como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos. El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Es una tendencia parecida al neo expresionismo, la nueva imagen, el graffiti, el bad painting o la pattern & decoration.
La obra de estos artistas se caracteriza por el protagonismo que tiene el color en las composiciones, tratado en muchas ocasiones con enorme sensualidad, así como por un aire de romántica nostalgia del pasado, inspirándose sobremanera en el rico legado cultural italiano. Un interés especial por los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte con un marcado y consciente eclecticismo, serán factores característicos de los artistas de la Transvanguardia, alejándose claramente del arte conceptual, que había caracterizado la producción de los artistas de la generación anterior, y del arte povera. En las obras de Sandro Chia, las imágenes parecen flotar en el tiempo y en el espacio; con Enzo Cucchi renace el papel de artista visionario a la manera de los paisajes de Emil Nolde; como un Vincent van Gogh o un Egon Schiele, Francesco Clemente presenta unos autorretratos psicológicos donde la figura del artista se nos revela como un héroe solitario e incomprendido, así como escenas cargadas de erotismo; con Mimmo Paladino las figuras humanas, los objetos y los animales se muestran de manera arcaica, arqueológica; Nicola de María juega con espacios y colores con mucha frescura y con la libertad con que lo haría un niño. Yo creo como si de un todo vale se tratara, la Transvanguardia Italiana muestra toda una variedad de expresiones de donde cada artista puede tomar lo que desea para mejor expresarse. Asociaba la abstracción con los valores de experimentación y progreso la transvanguardia surge como la única vanguardia posible, a la vez como la única tendencia capaz de recuperar las raíces del territorio cultural del artista y proyectar las ideas del pasado en el presente

LAND ART
José Luis Resendiz Leon
catrin15_48@hotmail.com

Lo que aprendí del land art es un movimiento artístico que se basaba en hacer arte en la tierra, intervenciones en montañas. Básicamente habla de hacer obras de artes sobre la tierra. Se pueden hacer cualquier tipo de land art ya sea de algo sencillo, una intervención de rocas, arena, agua, montanas, también se puede hacer land art con cosas materiales de la casa.
La Isla de Dubái:
Una las islas que yo veo muy interesantes y que tiene un land art muy bien hecho es la isla de Dubái ubicada en Emiratos Árabes. Es una isla que por su forma de isla en forma de palmas es un land art y un centro turístico porque tiene hoteles, sus hermosas playas, etc. Lo que caracteriza esta isla y la hace especial es que tiene debajo de la isla otras pequeñas islas que forman toda la tierra, los continentes y los países, han puesto ya el proyecto de hacer otras islas en formas de palmeras en Dubái, han quitado grandes cantidades de arena y crear más lugares turísticos y centros comerciales, la desventaja es que esta isla puede llagar en algún futuro a inundarse por las grandes de agua que hay en la superficie de la isla.

Los Geoglifos en Nazca Perú:
Otro land art del que puedo hablar son los Geoglifos que están en la ciudad de Nazca Perú (Ciudad del imperio inca) estos dibujos dibujados desde tierra tienen una característica interesante, porque según cuenta la historia de los pueblos incas decían que desde tierra no son nada, pero desde el cielo son símbolos, símbolos que solos los dioses pueden ver.

Los círculos en los cultivos:
Yo siempre he tenido esta duda al igual que ustedes, que quien hizo los dibujos de círculos en los cultivos, estos círculos son muy interesantes, muy bien hechos y polémicos porque se han creado historias sobre estos cultivos de que fueron seres fuera de este mundo quienes los dibujaron, otros dicen que las mismas personas los dibujaron, yo opino la teoría de que fueron las personas, porque los seres espaciales los invento Jaime Mausan para ganar mucho dinero aunque si puede haber probabilidades de que existen seres fuera d
La silueta en la montaña de la Playa Requesón o Bahía Concepción en Mulege Baja California Sur:
Se puede decir que yo he ido a muchas partes de la republica mexicana y el lugar que mas me gusto y por mi gusto por el mar, el lugar además de San Felipe Baja California es, Mulege Baja California Sur, lugar turístico donde hay muchas playas, Playa Coyote, Santispac, Playa Escondida y otras que he visitado, pero la que más me gusto es la Playa Requesón o Bahía Concepción, además de un lugar para acampar y disfrutar la variedad, algo la hace especial y es porque la montaña que está entre en medio de la playa tiene una silueta o una pintura rupestre que tiene forma de fuego y a la derecha tiene una forma de pez, es un land art muy bien trabajado ya que empezó a dibujarse en 1997 y lo terminaron en mismo ano, cada vez que lo veo, pienso que este boceto o pintura rupestre debe perdurar por mucho.




Las piedras de Stonehenge en Londres Inglaterra:
Otro que puedo decir que es un land art, son las piedras que están en Stonehenge Londres. Muchos geógrafos, astrólogos, astrónomos, científicos y los que se dedican a estudiar rocas se preguntan quienes crearon estas grandes y pesadas rocas, y porque se mantienen en pie y no se degradan. Muchos investigadores aseguran que en la época de la pan gea y la edad de piedra los homo erectus formaron están grandes piedras y las intervinieron de manera de que quedaran circulares y bien alineaditas, pero mi pregunta es esta ¿Cómo una piedras grandes que ya tienen más cinco mil millones de años siguen de pie y no se cae? Creo que la repuesta viene de que están muy bien puestas porque tienen arriba un círculo que hace que las sostenga y nunca se caen y de tantos años que tiene se ve degradada pero no, se ve bien aunque si tiene piedras que se ya se cayeron, pero la estructura sigue en pie y no se ha caído, este lugar lo para hacer sus rituales.
CONCLUSION:
El arte es algo super importante porque nos ayuda a hacer más fuerte nuestra imaginación y lo que me enseño este curso de historia del arte IV es que me fije en el arte antiguo con el de hoy y leer mas artistas contemporáneos y visuales ya que esto me va ayudar a desarrollar esa parte de mi cerebro que todavía no capto bien pero si logro llegar a pensar con madurez, este tema lo elegí como ensayo porque me gusta hacer manualidades con el medio ambiente y con quienes lo habitan, gracias por todo maestro Rosique, me ayudo en mucho y en mis dudas.

Body art o arte corporal
Miguel Ali Gómez Gutiérrez
krizalid_89k@hotmail.com

El body art es un movimiento artístico el cual consiste en usar el cuerpo humano como la obra de arte o el medio de realizarla, de alguna manera es una forma de expresarse que deberás a llevado al límite del comportamiento humano, creo que mediante él, muchos de los artistas volvían realidad muchos de sus ideas más morbosas, aunque muchos tenían ideas -creo yo- bastante creativas, este al igual que movimientos pasados, fue abriendo paso a la aceptación de un concepto como una obra de arte, el hacer desaparecer el objeto y que el cuerpo se convierta en parte de la obra me parece un muy buen punto de partida, además que al utilizar un medio nuevo de soporte como es el cuerpo humano se crearon formas nuevas de representación, desde utilizar el cuerpo para pintar superficies enorme, o el mismo cuerpo como una obra de arte, muchas veces la exploración de sus ideas podía llegar a dañarse su propio cuerpo, experimentos entre cuerpo y mente, e incluso de comportamiento humano, hasta de su vida personal que creo es donde muchas veces salen las mejores ideas y no de tratar de encontrar un tema interesante para los demás y que no tiene relación con uno mismo.
Algunos quizá -creo- se fueron incluso a la burla o a lo ridículo en lo que consideraban todo una obra de arte desde globos con aire, latas con excremento, firmar el cuerpo y así ser considerado una obra, incluso la creación de una base en la que quien se pusiera sobre ella sería la obra, aunque suenan un poco extravagantes creo que de eso trata este movimiento, el poder llevar a cabo esa clase de acciones e ir contra lo establecido, creo que le agrega muchísimo valor a la obra, la forma de pensar de estas personas sobresalía de la de muchos más a los cuales que con tan sólo decir unas palabras podía convencerlos de lo que fuera.
Esto del arte corporal ha sido un movimiento duradero y aún se continúa hasta nuestros días, quizá no le llamen arte corporal o body art, pero ha pasado a ser lo que llamamos happenings o su derivado, el performance, cuyo objeto principal es el cuerpo del artista, quizá eso del performance también es llevado hasta los limites como la mutilación del cuerpo o el suicidio
Muchas personas realizan performance pero en realidad nunca eh visto alguno que me llame la atención, necesitan pensar mucho más sus trabajos antes de presentarlos, pulirlos. Me he dado cuenta que cuando van empezando con esto lo confunden con el desnudo o con alguna clase de actuación, o quizá buscan con demasiada fuerza hacerte entender lo que quieren decir, o tal vez no lo hacen l suficientemente interesantes para hacer pensar a las personas, no creo haber visto alguna clase de arte corporal, happening o performance, tan bueno como los de los grandes artistas quizá es mucho pedir pero creo que si planean realizar este tipo de arte deberían esforzarse mucho más.
Creo que el arte corporal aún tiene terrenos sin explorar, las posibilidades son muy variadas pero al igual que cualquier forma de hacer arte, se necesita de pensarlo bastante, los trabajos con un sustento intelectual llegan más lejos incluso si no se comunica la información, porque llega a cautivar a los espectadores de muchas y diferentes maneras.
Nunca había pensado en realizar arte corporal, pero me parece un movimiento tan interesante que hasta me han dado ganas de intentarlo, pero no quisiera hacer sólo el ridículo frente a la gente, preferiría tardar un tiempo planificándolo y juntando recursos para escatimar los gastos para que el resultado sea lo que busco y deberás hacer pensar a la gente o liberarme de las cosas que traiga dentro.
Puede ser que más que hablar de un tema sea una manera de purificarse a uno mismo y de liberar los demonios que uno traiga dentro, cualquier cosa que hagas podría justificarse con que es arte o puedes decir cualquier clase de tema, pero sabemos que siempre dentro de toda obra de arte existe ese algo interno de cada uno, lo visceral, algo nuevo de nosotros mismos que no conocíamos y que solo cosas como el arte pueden llegar a mostrarnos. Inclusive creo que podría usarse como alguna clase de terapia en grupo, la gente podría dejar atrás todos sus problemas, tensiones y preocupaciones.
Quizá una de las cosas que atraen a los artistas a realizarlo sería esta misma sensación de libertad que llegan a sentir al estar frente a un público y poder ser ellos mismos sin tener que aparentar, sin tener que ser recatados o seguir las reglas impuestas por la sociedad, quizá sientan la necesidad de desinhibirse frente a la gente o mostrar lo que sienten y piensan y no encuentran una mejor manera de hacerlo.
Además la forma en que uno puede dar a conocer sus idea y sentimientos es más cercana a uno y a los participantes, incluso los espectadores pueden llegar a formar parte de la obra y sentirse identificado con nuestra forma de pensar, incluso llegar a tener un impacto tal en ellos como para hacerlos tener su propia idea acerca de lo que uno habla, que para mí es lo importante de una obra de arte, que las personas tengan su propia idea de lo que trata la obra no importa si es totalmente diferente a lo que el artista quiso decir, lo importante es el impacto causado en el espectador.
Podría ser difícil que las personas que no tienen un estudio o conocimientos artísticos entiendan de que trata o cual es la función, podrían asta pensar en que es ridículo, pero muchas veces me e topado con gente que logra encontrar belleza en las cosas más simples, pero eso depende de cada uno y sus experiencias.
Probablemente existan cosas como la mutilación del cuerpo que son llevadas a los limites y por lo tanto muy controversiales, pero depende de cada quien y lo abierto que sean sus mentes, solo se dé un caso que llego al extremo del body art que sería el cometer un suicidio, pienso que deberás llego al extremo, pero después de que alguien realizo ese acto en particular, y cualquiera quisiera intentarlo no podría tener nada de relevante pues ya se llevo a cabo y el impacto de eso ya fue hecho, aunque quizá un suicidio masivo con un buen concepto podría pasar a la historia.
Sea como sea el body art es una forma de arte que todos los artistas experimentan en algún punto de su carrera, quizá no directamente o dándole esa denominación, pero la realización de actividades en la vida cotidiana, al momento de usarse el cuerpo, adquirir una experiencia y por lo tanto un aprendizaje, digo yo es lo que busca el arte corporal, la adquisición de experiencias, entonces podría considerarse que la vida misma es un gran performance que tenemos que hacer divertido y que valga la pena mientras dure porque todos ya conocemos el final.

Ensayo
Materia: Historia IV
Grupo: 241
Maestro: Roberto Rosique

Una reflexión sobre arte contemporáneo desde el punto de vista de una estudiante de Artes Plásticas.

Ma. Eugenia Rubio Acosta
merarubio1@hotmail.com

¿Qué es arte contemporáneo?, una pregunta fácil de contestar y tan difícil de explicar. Arte según la Real Academia Española (RAE) en dos de sus definiciones dice lo siguiente, primero: Arte es la virtud, disposición y habilidad para hacer algo y en su segunda definición dice: manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüístico o sonoros. Y para la definición de contemporáneo dice lo siguiente: primera definición, existente en el mismo tiempo que otra persona o cosa y la segunda definición dice, perteneciente o relativo al tiempo o época en que se vive.
¿Por qué recurro a la definición formal de ambas palabras? porque aunque algunos historiadores y críticos de arte coinciden más o menos en tiempos y definiciones, es más fácil de explicar que de entender.
Entonces oficialmente entendemos como arte contemporáneo todo aquello que un individuo percibe y representa de forma plástica, lingüística o sonora del mundo en el que vive. Arte contemporáneo es pues lo actual, pero la definición va mas allá de lo que nos dice la RAE que nos da una explicación sobre el contenido de sus investigaciones, nos dice que la lenguas están en constante cambio y que los diccionarios nunca están terminados que son una obra que se esfuerza en registrar la evolución del lenguaje. Algo parecido sucede con el arte contemporáneo, es un arte en constante cambio por muchas razones pero la principal es que esta hecho por humanos y supeditada a subjetividades tanto del artista como de los observadores y personajes que rodean al mundo del arte como los curadores, museógrafos y críticos del arte. Y son estos personajes los que en su mayoría coinciden en poner fechas a la historia del arte y deducen y aseguran que en la actualidad cuando se habla de arte contemporáneo se está hablando de lo que se hizo durante los últimos treinta años antes de que terminara el s. XX hasta nuestros días, pero cuales son las razones para hablar de que se ha terminado con el periodo de la modernidad.
Robert C. Morgan, En ¨Del arte a la idea. Ensayos sobre el arte conceptual¨ por ejemplo habla de cómo se da y cuando comienza el conceptualismo, para Morgan el movimiento conceptualista es el movimiento que rompe con el modernismo y da comienzo al posmodernismo y dice también que el conceptualismo está ligado al fenómeno que se da por la aparición de la era informática la cual rompe con la era industrial para entrar a la era posindustrial. Es indiscutible que los hombres y mujeres que vivieron a principios del s. XX piensan y actúan de forma muy diferente a los que vimos extinguirse el siglo XX y estamos viviendo en la actualidad. Quienes se dedican a hacer historia se basan en hechos más o menos similares para englobar un periodo y cuando el hombre propicia y genera un suceso que cambia el modo de pensar de la humanidad es cuando se habla de otro periodo sin empezar, es como vivir lo mismo pero a partir de, ¿será posible que en la actualidad estemos viviendo a la manera de?, y por lo tanto también en el arte se esté produciendo a la manera de y ¿quizá se esté evolucionando de forma muy lenta contrario a lo que percibimos con la era de la informática?, Y ¿ que aún no se haya encontrado el momento para decir que ya estamos en el arte contemporáneo?.
Al terminar la segunda guerra mundial un nuevo líder se erige como el país más poderoso del mundo y si bien la cultura occidental no ha perdido supremacía si el continente europeo, Estados Unidos es a partir de entonces el más poderoso y quiere serlo en todos los ámbitos, más de un historiador coincide en que la historia del arte se hace y se discute en Estados Unidos entonces puede un país ser juez y parte en lo que se refiere a decidir cuándo es que se ha terminado una era.
Hay quien en la actualidad hablan de que si son los acontecimientos que propicia el ser humano los que dictan el termino de un periodo, entonces en Estados Unidos se dice que el ataque terrorista que derrumbo las torres gemelas es un parteaguas en la forma de pensar, entonces estaríamos hablando de otro periodo o sólo un acontecimiento más en la historia de la humanidad actual, ¿cómo sabemos que causa que los seres humanos piensen y actúen diferente?, serán las guerras o el hartazgo de una sociedad cansada de sus dirigentes, porque a pesar de todo han sido la sociedades quienes terminan presionando para que una guerra termine.
Podríamos decir que el arte actual es arte útil que se hace pensando en la supervivencia del planeta y en contra de su destrucción y que es eso lo que lo hace diferente, pero ya Joseph Beuys lo planteaba mucho antes de que se hablara de arte contemporáneo, que ahora se experimenta con diferentes materiales y se piensa en terminar con el culto al objeto como en el arte conceptual, también ya se izo antes con Duchamp por ejemplo, ¿será acaso que el arte contemporáneo empezó realmente con Duchamp y no a finales de los sesenta?
En la actualidad da la impresión que en el arte todo se vale, que todos podemos ser subversivos y que todos tenemos el derecho y la obligación de plantear algo nuevo, pero en verdad somos los primeros seres humanos en la historia de la humanidad que nos sentimos así, por ejemplo ¿como se sentiría Gutenberg cuando pensó en la imprenta?, ¿acaso podría ser que fuera un sujeto pasivo o quizá era alguien tan subversivo como cualquier otro de la actualidad?.
Por otro lado ¿que nos impide llamar al arte que producimos en la actualidad simple y llanamente arte contemporáneo?, nada porque se cumple con el requisitos que establece las reglas de la lengua escrita, si lo que hago lo estoy haciendo desde mi perspectiva actual, alimentando mi capacidad creativa de lo que veo y vivo en la actualidad, puedo asegurar entonces que lo que propongo es contemporáneo porque lo estoy pensando y proponiendo desde mi tiempo. Pero realmente es desde mi tiempo, (y digo tiempo porque abarca un poco más que presente) como podría saber cuando realmente empieza mi tiempo y a partir de cuándo se consideraría que cambia y por supuesto cuando termina el tiempo de alguien. Porque en todo caso somos parte de las generaciones pasadas, ¿que lleva a alguien a revelarse y querer ser diferente?, será posible que sea cuando se decide crecer mentalmente, ¿cuando dejamos de aceptar los datos y hacemos preguntas?
Al parecer el tiempo es relativo y no somos nosotros los que decidimos en qué momento vivimos y que etiquetas debemos ponerle al momento actual, en cuanto concierne a la mente creativa considero desde mi perspectiva que mas que preocuparnos por el tiempo en el que estamos es mejor ocuparnos de quiénes somos y que es lo que queremos proponer y como defender nuestras posturas, y por supuesto para eso hay que estar enterados de todo lo que ya se hizo y se está haciendo como parte de nuestra cultura general, como estudiantes de Artes Plásticas tenemos la obligación de enterarnos de la Historia del Arte, y es a quienes se dedican a la investigación a quienes debemos observar con inteligencia y leer en sus resultados según el contexto en que lo digan y desde donde lo dicen.
El problema para un estudiante de Artes Plásticas en la actualidad es que constantemente nos hacemos la pregunta y ahora que sigue que me toca proponer si todo ya se hizo, desde mi punto de vista no veo porque no retomar algo que ya se hizo si después de todo es parte de nuestra historia, y el que lo hizo antes tampoco descubrió el hilo negro, el problema podría ser la falta de humildad para aceptar que reproducimos lo que hemos vistos simplemente por que nos identificamos con la misma problemática o porque ignorábamos que ya se hubiera hecho antes, la ventaja para los estudiantes de Artes Plásticas es que si bien estamos en una institución formal en donde se estudia la técnica lo que podría dar como resultado que la producción de un futuro artista este muy bien hecha en cuanto a la técnica pero muy poco propositiva en cuanto a la expresión artística, pero también existe la posibilidad de que haya instituciones en las que maestros de todas las edades sean parte de la preparación de un futuro artista y que el tiempo que dure nuestra preparación sea un compendio de vivencias pasadas, y que a través de sus experiencias nos hagan reflexionar seriamente sobre que queremos hacer y decir en nuestro tiempo contemporáneo, y por supuesto otro de los beneficios con los que contamos es que el riesgo de hacer algo que ya se izo es mínimo, sobre todo si nos sometemos constantemente a la crítica constructiva de los maestros porque la edad y la época son relativos, algún día habrá quien juzgue cuando es que empezó y termino nuestro tiempo y seguramente le pondrán un nombre que nada tiene que ver con la palabra contemporáneo.



Bibliografía
_Morgan, Robert C.( 2003) Del arte a la idea. Ensayos sobre arte conceptual Akal, Madrid

Pattern painting.

HISTORIA DEL ARTE CUATRO
Maestro: Roberto Rosique

Pattern painting.
Mayuko Zuniga
mayuko_zuniga@hotmail.com

Movimiento setentero que me alude un poco al movimiento modernista (Art Nouveau), el Pattern Paunting retoma el arte de una forma algo decorativista-ornamental tirando más hacia el consumo; si bien cuenta con aires-toques feministas, al exaltar-usar formas-figuras de enseñanza-arraigo en la vida-crecimiento de la mujer, como son la creación de colchas, bordados, flores, manualidades, etc.
Lo mezcla y refuerza con influencias medio orientales (islámicas, árabes, bizantinas) y orientales (japonesas, chinas), nacionales, extranjeras (cerámica mexicana), etc.; dando un resultado tipo patrones-formas, aun reconocibles, pero que juntas y saturando en la mayoría casi o todo el espacio nos da un cierto mareo visual con un toque de interés, pero no tan placentero. Recordándome al Barroco y Rococó, mas si lo retomáramos con medios-figuras de nuestros tiempos.
Sus inicios, como muchos otros, fueron en lugares fuera del la mirada artística mundial; en este caso fue en California, pero fue en el momento en que sus trabajos los llevaron a exponer en una de las urbes del arte, NY.; que sus obras empezaron a sobresalir y ser aceptadas mas y mas, entrando de nuevo un auge por un hilo decorativo del patrón, las formas florales, la naturaleza, los arabescos y más.
Debo aclarar mi desagrado parcial hacia este movimiento (ya que el modernista me agrada un poco más); pero eso no quita que su uso en diferentes medios (como la elaboración de papeles) no sea poco valorado desde mi punto de vista.
Esta obviamente en contra del minimalismo, siendo si bien su extremo; me pregunto qué tan harto estaba el mercado y críticos de un arte sobrio como para aceptar un arte si no muy comercial, no tan propositivo u original como otros pueden o pudieron serlo.
No se me quita el sabor de boca o la idea, en unos casos de que es un arte de señoras mayores, que se juntan a elaborar sus cosillas de arte, criticando más directamente de trabajo de Miriam Schapiro; cuyos trabajos, son un caos y me remiten a veces a una falta de habilidad técnica en cuanto a las figuras representadas, mas no de ingenio de composición o de imaginación para la colocación en collages de los materiales, en ocasiones creando no tan malas mezclas.
Todo esto contrasta fuertemente con la propuesta dada por Robert Zakanitch, el cual se inclina más por el patrón que por el collage, lo cual me es mucho más agradable. La repetición de una forma-figura sobre el plano, el juego de color y textura, etc.
Sus murales con una técnica que parece rápida, llenando el espacio como si fuera un papel de paredes gigantesco, ambientando algo alegremente el lugar y al mismo tiempo hacernos sentir más o menos pequeños.
Otros artistas que también utilizan el patrón, de una forma sucia podría decirse, por ser hecho a mano, es Cynthia Carlson, y Jesse Lambert. Este ultimo llama y quema mucho la atención al utilizar tan fuertes colores y contrastes. Dando aires de action painting por lo peludas de las líneas y su posible trazo rápido.
Pero si de patrones hablamos Valerie Javdon se lleva el premio de la “perfección”, sus diseños, me dan más noción de diseño que de arte (no sin aclarar que considero el diseño como un tipo de arte, no de las bellas artes pero si arte como tal), rectos y repetitivos llevan la mirada a un caleidoscopio fijo (pero sin colores vivos).
Retomando algo de la comercialización de este arte, encontré su utilización en una obra arquitectónica, si bien como apoyo a su decoración aparece citado este artista Joyce Koloff; amenizando las paredes con la repetición de mosaicos coloridos, que me dan un aire gaudinesco.
Se puede decir que el arte del mosaico encaja perfectamente con el hecho de poder repetir la misma figura cuantas veces y composiciones se desee, pero la forma en que lo utilizo me recuerda mucho la forma en que los edificios de esa década decoraron sus paredes principales.
El pattern painting fue, desde mi punto de vista, aceptado por la falta de reconocimiento (porque creo en la existencia) de otro movimiento, con mejor propuesta para romper con el sobrio minimalismo. Pero también creo en el círculo que dibuja el arte a lo largo de su historia, retomando o volviendo a ciertos puntos o ideas, que no llegan de nuevo tan puras como las originales en su tiempo, pero dan clara visión de su pasado origen.

“Arte povera”

UNIVERSIDAD AUTONOMAS DE BAJA CALIFORNIA

Historia del arte IV

“Arte povera”
lydia mireya guerrero heredia
lydia_mireya@hotmail.com


El arte povera, conocido también como arte pobre fue una corriente que se basaba en la utilización de materiales pobres tales como trapos, maderas, tierra, yeso, etc. Ya no era necesario que el artista usara sus pinceles, lienzos, oleos sino ahora lo que hacía era utilizar objetos de desecho sin valor artístico y así con eso hacer su obra. Se dice que los materiales eran ajenos a denominaciones bellas ya que se trataba de conseguir lo mismo pero con objetos grotescos y, con materiales fuera de lo tradicional.

Se trata de un arte objetual que aparece como consecuencia directa del arte minimal. Están estrechamente ligados pero hay una diferencia de conceptos, ya que el minimal posee una geometría muy estricta y el arte povera rechaza esa frialdad profundizando en la energía que desprenden los materiales (1).
El arte minimalista utiliza materiales duros, rígidos mientras que el povera rechaza las jerarquías de técnicas y materiales. Mientras una trata de expresar la materia por si misma, el otro utiliza formas poco expresivas, pero, ambas tendencias invitan al espectador a recorrer las obras. El arte povera se expresa por si sola.
Esta tendencia fue dada a finales de los sesentas con la intención de provocar una reflexión entre el objeto y su forma con la manipulación que le daban. Uno de los principiantes representantes fue Mario Merz que hizo varios proyectos de instalaciones en el espacio donde utiliza elementos biológicos con la intención de transmitir un mensaje.

En mi punto de vista esta tendencia se me hace fascinante porque utilizan elementos fuera de lo común, intentan algo diferente, agarran lo que encuentran en la naturaleza y de ahí parten para hacer las obras. Cuando leo un artículo sobre esto me recuerda mucho a la bioarquitectura ya que ambas utilizan materiales que la naturaleza nos proporciona.
La bioarquitectura hace construcciones con estos materiales como paja, arcilla, vidrios y es verdaderamente increíble ver como la gente se preocupa y hace algo por el medio ambiente.

Estoy de acuerdo en que se puede hacer arte con todo tipo de materiales ya sea extraído de la naturaleza o no y así transformar y poder transmitir algo a los espectadores. Es una corriente verdaderamente bella, tal vez los trabajos pueden ser simples pero, son con conceptos amplios. Aquí los artistas no intervienen casi los materiales y como mencioné la obra interactúa con el público. Es un arte que parte de la naturaleza.


Referencias
http://artescontemporaneos.com/arte-povera/ (1)

Apropiacionismo

Apropiacionismo
Por Ivonne Ayala
blackblood_90@hotmail.com

En la llamada postmodernidad surgieron nuevas tendencias, que en algunos casos fueron contradictorias entre sí y otras que compartían algo en común. Lo que tenían en común era más que nada el querer superar esos límites impuestos por la modernidad. Una de estas tendencias fue el Apropiacionismo que de alguna forma iba en contra del minimalismo y el arte conceptual, buscaba el retorno de la pintura y sacar provecho del poder narrativo que tiene la imagen.

El Apropiacionismo surge en los años ochenta en Estados Unidos y tiene sus orígenes en una exposición llama “Pictures” en la cual el crítico Douglas Crimp encargado de dicha exposición, invitó a participar a artistas que no trabajaban con imágenes originales sino que se apropiaban de otras ya existentes dándole así un significado propio diferente al original.

Creo que para muchas personas el Apropiacionismo lo toman como sinónimo de plagio o de copia y esto hace que se le valore menos que a otras tendencias, pero aquí el artista toma una imagen y como mencionaba anteriormente le da un significado diferente, un sello propio que está en cada obra realizada. Con esto podemos descartar la copia ya que es obvio que la apropiación va a ser distinta a la original, si no lo es físicamente lo será conceptualmente. Se considera como un nuevo original ubicado en otro contexto y en parte es lo que hace atractivo al Apropiacionismo, el tomar obras de otras épocas, espacios, etc. y unirlas todas en un mismo contexto.

El arte es creación y el hombre ah tenido la necesidad de reinventarse de crear algo nuevo, eso es lo que se ah visto durante la historia. El artista apropiacionista es lo que hace, crea, tal vez no al cien por ciento, pero crea una nueva interpretación, varias maneras de crear, de ver, crea un nuevo sentido a lo ya existente, sin esa capacidad creativa y creadora entonces si estaríamos hablando de una copia o un plagio.

La problemática entre si se considera plagio o no va a seguir existiendo y suponiendo que la apropiación si se considere totalmente como plagio, esta será mucho más rica que cualquier copia vil.

El material utilizado por el artista no es para darle forma sino para verla, éste analiza y luego crea, se enriquece con la obra y la obra con él, le deja su esencia y para el artista seguirá siendo una forma de expresión.

El arte siempre va a estar expuesto a la reproducción, igual que muchas personas en algún momento de nuestra vida hemos copiado o tomado algo y lo hacemos nuestro en el sentido de intervenirlo al poner parte de nosotros en él y lo seguimos haciendo. Así que no podemos decir algo totalmente negativo respecto al Apropiacionismo, por que de alguna forma tal vez inconscientemente hemos formado parte de él y sé que aun se sigue viendo como una copia sin querer ver más allá de lo que es y de todo lo que hay detrás, y si se respeta si no se quiere ver.

Al principio también tenía la idea de que el Apropiacionismo eran copias intervenidas y sin mucho sentido, pero al exponer sobre este tema en clase al informarme más al respecto, descubrí otros aspectos interesantes. Conocí trabajos de artistas representantes de este movimiento como Robert Longo que me gusto mucho su serie llamada “Men in the cities” en la cual toma figuras del cine y las representa como si fueran acribilladas y más que nada lo que me agrado de esto fue la descontextualización, la reinterpretación y la invitación al espectador a formularse preguntas.

Los artistas de este moviendo tenían en común la apropiación pero tenían ideas y propuestas distintas y si me gusta o no el Apropiacionismo no lo puedo generalizar ya que hay artistas de mi gusto como Robert Longo y Sherrie Levine que me agrado el que se pusiera en un papel de chica mala y el hacer notar que estaba hecho por una mujer pero por el contrario no me gusto la idea de apropiarse totalmente de la imagen de la obra original.


Me resulta irónica la idea de que el Apropiacionismo buscaba retomar la pintura pero de alguna forma termino con la utilización de la fotografía tanto como apoyo para la pintura como su utilización en sí, pero al fin de cuentas lo que importaba era las imágenes.

Minimal Art

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
ESCUELA DE ARTES
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE

Minimal Art
por Delgado Barraza Nelly Lucia

rinoaneko@hotmail.com

Richard Wollheim (critico británico) uso el término minimal por primera vez en 1965 para describir la reducción radical racionalista con la nueva tendencia del arte.
Se define como la simplicidad, la abstracción total, el orden, el perfeccionamiento de las figuras geométricas, el uso literal de los materiales, sencillez, precisión en los acabados, desmaterialización dentro de diversos campos de la cultura como escultura, pintura, arquitectura y música reduciendo cada una a estados mínimos y de complejidad.
Los materiales se mantienen, esto quiere decir que se respeta la superficie, la propiedad de cada uno para llegar a la totalidad de la obra.
Nace en la década de los años 60, en Estados Unidos, desarrollándose en Nueva York y durante los 70’s surgió la pintura minimalista; Una pintura abstracta como oposición de las formas pictóricas del expresionismo abstracto y reaccionando contra el pop art.
El estilo minimalista:
Formas rectangulares y cúbicas, repetición, materiales industriales pero ante todo predomina el color. En la decoración, priman las líneas rectas, la ausencia de ornamentos y florituras, los muebles sencillos y funcionales, la disposición ordenada y los acabados finos.
Cada detalle también era aplicado hacia la escultura, la arquitectura y la música para poder ser llamado minimalista.
En la música fue influenciado por el compositor John Cage, cuando el término minimalista se aplica debe tener las siguientes características:
Repetición de frases
Énfasis en una armonía.
Para un arte que no quería ser nada, termino siendo de todo. Influyendo fuertemente a la decoración de interior, creando espacios con el mínimo de elementos en su alrededor, lo elemental a través de la mínima expresión.
La frase “More is Less” (Mas es menos) fue el lema de esta corriente para reducir cada elemento a lo esencial, de lo sobrante.

El minimalismo es un movimiento fundamentalmente funcional y simple, sin embargo su enfoque principal no es el funcionalismo como tampoco lo es la estética de un espacio, sino más bien la combinación total y perfecta de ambos aspectos.
Utiliza el material en su forma más natural o simple, manteniendo siempre la monocromía, siendo el blanco indiscutible.
El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra.

Algunos exponentes:
Robert Morris
Sol LeWitt
Robert Mangold
Robert Ryman

Ready made y el siglo XXI

Ready made y el siglo XXI
Omar Echanove
omar_jet@hotmail.com
Ready made y el siglo XXI
Marcel Duchamp inspiró a muchos con sus percepciones del arte y sus propuestas. Impacta por ser un artista que le fue indiferente su oficio, que terminó sus días jugando ajedrez, pero sigue vivo con la semilla que sembró en todo aquel que le siguió en la producción de obras de arte y en la estética, propuestas que sorprenderá hasta el día de hoy.
Marcel Duchamp nació en 1887 que viene de una familia de clase media alta francesa, de 7 hermanos, de los cuales cuatro fueron artistas, Gastón, Gustav, Marcel y Suzanne. Cuando cumple diecisiete años ingresa a Good Art Academy en Paris.
Marcel llegará a tener influencias de Cezanne, del Fauvismo, Cubismo y Simbolismo, pero para el año 1912 cambia su forma de pintar, a una técnica de captar el movimiento para llegar a la abstracción, a finales de ese año deja casi por completo la pintura. Duchamp comienza a buscar otras maneras para explorar con los límites de la mente y dejar de complacer solamente a la vista. En sus siguientes obras Marcel jugará con ideas de lo que para él es el arte, obras que jugaban con la suerte, como fue la obra de Canned chance, donde experimentaba con una cuerda de un metro de longitud la estiraba y la dejaba caer en un canvas rectangular y dejando que se moviera al azar con su gravedad y así comenzó navegar aguas sin trazar con la idea, con el concepto.
Más tarde llegará a concebir una nueva idea, que comenzó como un pasatiempo y se convertiría en una idea grandiosa para muchos y para otros una basura, el READY MADE
El Ready made es la idea de jugar con lo que es y no es arte, lo que inicio un gran debate que sigue a nuestros tiempos. El ready made es una idea que en sí comenzó antes de que se le concibiera como tal, la primer obra fue en 1913 con una rueda de bicicleta empotrada en un taburete que simplemente era una distracción diaria, más tarde se le ocurriría llamarlo ready made. Otra de sus obras, la más emblemática es la fuente compuesta de un urinario volteado, que le puso la fecha y un seudónimo, otra más es una pala para la nieve, que le grabaría el escrito In advance of the broken arm.
El ready made puede caracterizarse por su falta de gusto, materiales sencillos, objetos cotidianos, desechables, y por ser neutros. Para Marcel Duchamp el gusto es algo que se hace por costumbre, algo que se hace después de muchas repeticiones, esa acción crea el gusto, y para él, tenía que tener una falta de buen o mal gusto, estas propuestas no pueden ser clasificadas como antiarte, más bien como una intersección entre el arte y el no arte, en sus límites.
Duchamp quería causar en el espectador que su mente llegara a otras lecturas de un objeto hecho en serie. A Duchamp le preocupaba el abuso de esta nueva forma de crear arte, y para solucionarlo solo hizo unos pocos cada año, Duchamp dijo en un informe al museo de arte moderno de Nueva York en 1961: Comprendí por esa época que, para el espectador más aun que para el artista, el arte es una droga de hábito y quise proteger mis ready mades contra una contaminación de tal género.
Lo que tiene un ready made es que no es único, es una pieza en serie, esto es del mismo modo que un tubo de pintura es manufacturado y ya hecho, se pudiera decir que todas las telas del mundo son ready mades (Marcel Duchamp) .
Marcel Duchamp, como afectaron sus ideas el siglo actual
Duchamp influyo de manera importante en el siglo XX ya que propuso una forma diferente de ver el arte y sembró una semilla que se irá desarrollando a través del modernismo, el post modernismo a la actualidad, es otra propuesta que hizo del ready made, su crítica de la pintura retinal, la pintura idea y la importancia del contexto en la formación de la experiencia estética. La crítica de Duchamp invade la estética, y ésta disciplina se creó para comprender, percibir y apreciación de las ideas del arte y terminaría lazándola con el arte y su historia.
El modernismo inició en el siglo XVIII junto con la creación del museo y la elaboración del concepto arte y estética, aquí el cubismo propondría muchas visiones de la modernidad, la contradictoria del dadaísmo en el concepto de arte, este movimiento es adoptado por los jóvenes artistas por su insatisfacción sociopolítica, era el movimiento antiarte.
La incorporación a Duchamp en el dadaísmo, con su propuesta de cero gusto con el ready made, pone a relucir la falta de conciencia en la concepción del objeto de arte como una pieza singular de la privatización del mismo arte, cuando debía ser una pieza del proceso del esfuerzo intelectual, sería una crítica a las instituciones en general del arte, en torno a la obra misma del arte. Duchamp puso en evidencia el mercantilismo del arte y como objeto de consumo.
La idea de arte es lo que se denomina arte de Marcel Duchampo, abre las posibilidades para crear arte y esto se puede ver en varias corrientes como el pop con Andy Warhol y su caja de detergente Brillo que fue una pieza que fue hecha en serie. A igual que el minimalismo, son propuestas contradictorias del arte pop, pero sus piezas también son en series, como lo fue el land art que usa el mismo proceso de elaboración, que es usar piezas ya existentes para crear otra como es el Spiral Jetty que fue hecha con piedras, sales y minerales, que terminaban exhibiendo una serie de piedras y documentación en los museo, el arte povera usa una forma de ensamble de materiales orgánicos y de la basura para hacer sus propuestas, como fue un montón de ropa apilada con una estatua dando la espalda al público, estas son algunas de las muchas propuestas a lo largo de esta idea que nació en Nueva Cork, que incluso el apropiacionismo hace lo mismo, cuando exhibe en las galerías sus piezas de objetos de consumo.
Conclusión
La idea de arte ha ido cambiando a través de la historia. En un principio sólo era un recurso más del ser humano para llenar su vida de belleza, que incluso nos dejaba perplejos, pero gracias a esta preocupación de expresarnos y preguntarnos, que es arte? que me produce? nos motivó a estudiarla más a fondo y llegar a crear un concepto de arte y como se enlaza con la belleza y el observador. Como raza en evolución, siempre existen los que pueden ver más allá del horizonte y cuestionan todo, gracias a las ideas de estos tenemos un sin fin de posibilidades. El ser humano es capaz de todo, si lo puede concebir en su mente. Duchamp propuso una nueva forma de ver hacer arte, que sigue inspirando a muchos a proponer nuevas ideas y a motivar la producción de conceptos.