martes, 31 de mayo de 2011

accionismo vienes

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE


ACCIONISMO VIENES
Estefania Garcia Arroyo luu_rh_99@hotmail.com

En el siguiente escrito se hace mención de una corriente artística bastante peculiar de la década de los 60’s: el accionismo vienés, que por la forma tan suigeneris de realizar acciones fue perseguido y rechazado, incluso hoy en día sigue siendo generador de discusiones.
Fue un polémico movimiento que tuvo lugar en Viena y Austria aproximadamente entre 1965 y 1970, que para muchas personas recae en lo morboso y desagradable. Se podría decir que entre los movimientos de arte corporal como el body art, performance y el happening, este es el que lleva las acciones corporales más al extremo.
Sus propuestas son controversiales, blasfemas, violentas y salvajes, lanzando duras críticas en contra de una sociedad rígida, moralista y conservadora, de la política y la religión de la misma, buscaban la destrucción como una forma de liberación. Se podría decir que el accionismo vienes es, según Piedad Solans: “una lucha convulsiva del artista moderno por romper esa identidad construida en el espejo de una realidad que aprisiona lo subjetivo, buscando nuevas zonas de libertad en la destrucción de los límites”.
Si nos situamos en el contexto de estos artistas, podemos darnos cuenta que en este período de la historia, los jóvenes hacen manifestaciones en contra del régimen establecido, se crea lo llamado “contracultura”, que eran personas que buscaban vivir en armonía y paz con las personas a su alrededor; esto también tuvo sus consecuencias en el terreno del arte, donde se retoman algunas ideas de corrientes anteriores y se recontextualizan, dando lugar a la desaparición (al menos en ese momento) de la pintura tradicional, a la que el soporte le es cambiado por el cuerpo mismo, empezando con el movimiento Fluxus, que retoma algunas ideas dadaístas y totalmente innovadoras, en lo que es EUA y parte de Europa.
Entre los principales artistas se encuentran Gunter Brus, Otto Muehl, HermannNitsch y Rudolf Schwarzkogler, que fueron inclusive perseguidos por las autoridades por lo blasfemo de sus acciones.
Gunter Brus fue una importante figura de este movimiento, realizando acciones sumamente violentas, entre las que se incluían la autoflagelación, pasó seis meses en prisión por una acción en la que se masturbaba mientras cantaba el himno nacional de Austria, por lo que tuvo que huir a Alemania. Actualmente se dedica a la producción gráfica.
En los registros fotográficos de Rudolf Schwarzkogler, los temas tratados eran acerca de la mutilación y el dolor, en muchos de ellos había simulaciones de castración, por lo que muchos creyeron que se había amputado el pene. Este artista muere al caer de la ventana del cuarto piso de su casa, muchos dicen que fue su última acción, aunque hay varias especulaciones acerca de este hecho.
Otto Muehl quería formar una sociedad utópica de libre relación, en la que los miembros debían de tener relaciones sexuales en grupos, iniciar a los menores de edad en las mismas, y no se toleraba ninguna queja. Acabó en la cárcel y salió hace algunos años, recibiendo duras críticas por parte de sus ex seguidores y una gran aclamación por parte de algunas otras personas. Sus trabajos son actualmente pictóricos.
HermannNitsch trabajaba con el elemento ritual; desarrolló un proyecto llamado OrgenMysterienTheater, en el que se grababan videos de orgías y sacrificios animales, lo que le valió severas críticas de asociaciones ecologistas. Actualmente trabaja editando CD con sus trabajos y escribiendo diversas publicaciones.
Todos los artistas del movimiento, al disolverse el mismo, se dedicaron a hacer diferentes cosas, algunas con poca relación con el accionismo, pero lo que es seguro es que dejaron una muy personal huella en la historia, que hasta la fecha es motivo de polémicas y rechazo por parte de algunas personas.
En lo personal creo que este movimiento ha sido tratado de una manera injusta por parte de quienes lo rechazan apenas lo ven, porque solo están viendo la superficie de la acción, no se ponen a razonar el trasfondo de toda esta violencia, que creo que todos tenemos escondida dentro.
Creo también que si se exageró en la forma burda de representar todas estas acciones fue por la represión tan fuerte que había en este lugar, tal vez la gente estaba tan acostumbrada a la violencia que de alguna manera estos artistas tenían que hacerse oír. La gente conoce la violencia, de alguna manera la disfruta, pero todo lo que se relacione con conductas un poco más animales es visto como tabú, y es marginado y oculto, pero estos artistas le lanzaron a los espectadores una gran piedra, la de la situación vivida, aunque es normal que las personas al ver todo tan gráfico se cierren o se asusten. Como último punto, sería necesario ver las cosas desde un punto de vista más analítico, para que no se vuelva a repetir el rechazo que sufrió en un principio este movimiento, y tener la mente abierta a nuevas propuestas.

BIBLIOGRAFIA
· Solans, Piedad (…) Accionismo Vienes, citado el día 30 de mayo de 2011 desde:
http://www.liceus.com/cgi-bin/ac/pu/ACCIONISMO%20VIEN%C3%89S.pdf
· (2006) Accionismo Vienes, citado el día 30 de mayo de 2011 desde:
http://es.wikipedia.org/wiki/Accionismo_vien%C3%A9s

· Ortega, Carlos (2001) Veda abierta a los exterminados, de Gunter Brus, citado el día 30 de mayo de 2011 desde:
http://www.letraslibres.com/index.php?art=7167

LAND ART. ARTE EN CONEXION CON A TIERRA

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE
Universidad Autónoma de Baja California
Escuela de Artes – Plásticas – Tijuana
LAND ART
Armenta Acosta Trixie.
Historia del arte IV
Profr. Roberto Rosique
29 de mayo 2011


Land Art
---arte en conexión con la Tierra---


El último siglo del ámbito artístico provocó la amplia extensión de los medios para expresarse artísticamente, dando lugar al Land Art, o arte de la tierra. Este arte sin duda, no se aleja de la reflexión que todas las corrientes y estilos han cumplido, el aspecto de cambiar o dejar en un punto de reflexión a los espectadores sobre la existencia humana o del mundo visible e invisible. Por supuesto influye aquí la inquietud humana sobre su relación con la naturaleza, y el land art, hace su parte.
El Land Art es un arte que consta de obras que se elaboran en el medio natural, a través de, por lo menos en un principio, materiales naturales, por el contrario, completamente contrastantes procurando ser inofensivos al medio ambiente. Básicamente, el punto principal del Land art es intervenir la superficie de la Tierra artísticamente, incluyendo estructuras de grandes tamaños, para quedarse visible a comparación de los amplios terrenos que se utilizan.
La mayoría de estas intervenciones a la naturaleza, se hacen en lugares alejados a la ciudad, para que sea un espacio libre de intervenciones posteriores humanas a lo máximo posible, como en las orillas de un río, en un lago, en mares incluso, o desiertos, por mencionar algunos.
Por las mismas condiciones estas obras regularmente duran poco tiempo, al ser producto del lento consumo de la misma naturaleza.
Basándose en la arquitectura antigua o en sitios sagrados como “Stonehenge”, las enormes piedras colosales apiladas en las tierras de Amesbury, Inglaterra, se interviene la naturaleza con un sentido artístico. Con un mínimo de elementos expresivos, figuras básicas como círculos, líneas, triángulos y cuadrados, el artista trasmite sus reflexiones sobre la relación del ser humano con la naturaleza, mostrando al espectador la inmensidad de ésta, a través de obras efímeras, que son destruidas por el paso del tiempo, la lluvia o la erosión del terreno.
El Land art comienza en los años setentas, principalmente en Norteamérica y Europa, donde los artistas buscan algo más que intervenir museos y galerías, después del minimalismo, donde en algunos casos se fue saliendo de los museos pero a pequeña escala, la obra no era de tal tamaño ni estaba tan alejado de la intervención humana, pudiendo estar en la calle, jardines, lugares urbanos, donde el espectador no se esforzaba tanto para encontrarlo o para poder apreciarlo.
El Land art se iba más allá, se iba a las lejanías de la ciudad para encontrar lugares puros o vírgenes de la naturaleza, volviéndose poco a poco más fuerte la unión del artista-naturaleza, cada vez más cercana, más de lo que se había logrado anteriormente, y más de lo que se ha logrado hasta la fecha. Las obras se iban a tamaños monumentales, para que embonara perfectamente el tamaño de la obra y el tamaño del soporte que es la naturaleza. De manera contraria, la obra no se apreciaría si fuera de dos metros por dos metros, en un soporte de kilómetros.
El soporte natural que utilizaban era cualquier tipo de ambiente natural, de ésta forma no se tenía que tener un fondo decorativo, siendo la naturaleza ambiente suficiente para llenar a cualquier hora y en cualquier condición, el aspecto estético de la obra. Éste ambiente puede ser la ribera de un lago, montañas, grandes plantíos, etc. Se puede mencionar a varios artistas importantes como Robert Smithson, Michael Heizer, Nils Udo, Richard Long, que utilizaban materiales naturales; Christo, Jeanne-Claude, Walter de María, Susumu Shingu, que utilizaban materiales que por ser artificiales, contrastaban en el medio; Robert Morris, Douglas Hollis, Eberhard Eckerle, Nancy Holt, que utilizaban las fuerzas directas del universo como el uso de los solsticios para sus obras de arte.
El espectador se tenía que esforzar un poco más tomando largos viajes para llegar al lugar de la obra, pero quienes lo hacían eran pocos; gran parte del público no lograba conocer la obra en persona, la conocía solamente con el registro fotográfico o fílmico, mapas, bocetos o partes de la misma obra como pequeñas rocas, y en algunos casos transmitidos por televisión, limitando así el contorno comercial al ser éstas las únicas formas en que los compradores o coleccionistas privados podían adquirirlas, o incluso no adquirirlas materialmente, sino adquirir la experiencia de haber conocido la obra en persona y posiblemente haber interactuado con ella, antes del deterioro si se incluye en su aspecto orgánico, o en el mero solsticio, por ejemplo, como en los casos de el Land art que se involucra con las fuerzas de los planetas y otros satélites. Sin embargo, el aspecto positivo de éste límite, es la exclusividad e incluso demostrando el verdadero interés de los compradores y no solamente comprar por comprar como un fetiche.
Aún así, resulta contradictorio el alejamiento de la obra de los museos y galerías, cuando vuelven después de la expedición a mostrarlas en museos y galerías para la venta de los mismos; si bien hay necesidad o participación del artista con los coleccionistas o vendedores, es incongruente el intento del alejamiento, cuando estando en ese punto lo incongruente sería venderlos en las calles porque entonces el Land art sería visto como arte callejero, vandalismo, atacantes de la madre Tierra o cosas del estilo, por no estar en una galería con los personajes de la alta sociedad vendiendo grandes obras conectadas con la naturaleza. Viéndolo de éste punto, de una manera positiva y no contradictoria, el Land art es una corriente que amplió en toda su extensión, hasta la fecha, al arte, porque siguen en las galerías, exposiciones y museos, además de estar interviniendo grandes espacios de la naturaleza fuera de la ciudad, ampliando el arte al mundo entero y no nada más a las ciudades.

Todo esto incluyendo que el artista, con el fin de no perjudicar al medio ambiente, realiza antes de su intervención, el ambiente, flora y fauna del mismo, para no perjudicar a ninguna especie en el proceso o con los materiales que se va a utilizar, principalmente por las condiciones en las que están muchas zonas en la actualidad con especies endémicas y en peligro de extinción, sea flora o fauna.

A manera de conclusión, el Land art es bastante afín a mí, por el hecho de sentirse conectados con la naturaleza. Siento que todas las personas aunque no realizaran ‘obras’ con regularidad, deberían de tener un aspecto en estar conectados con la naturaleza, así como los artistas precursores del Land art, es algo demasiado personal e inefable. Al realizar obras de este tipo, a pequeña o gran escala, es como si se tuviera una conversación con el ambiente donde se va a trabajar, primero para encontrar el lugar perfecto que casi habla diciéndole al artista “este espacio está habilitado e ideal para que lo intervengas”, obteniendo como producto final una perfecta unión artista-naturaleza como una fusión perfecta y casi indistinguible de la diferencia, haciéndose una sola como si fuera la naturaleza cooperativa con el artista, pareciendo incluso que la naturaleza le brinda las cosas al artista o se las da a un acceso fácil para que éste las utilice, totalmente compatibles produciendo algo realmente armonioso. Esta conversación e interacción artista-naturaleza, me recuerda a la infancia, cuando al cortar una flor una vez me dijeron que si le había pedido permiso, se me hizo una pregunta bastante extraña pero lo intenté en ese momento y es al igual que un fruto de un árbol, cuando el fruto todavía no está listo para su consumo, no se le brinda a las personas a menos que usen la fuerza, pero cuando ya está en su punto, pareciera que el árbol te lo regala.

Por otra parte, la afinidad que tengo con el Land art es por la manera orgánica de realizarlo, al no ser perjudicial para el medio, teniendo obviamente sus excepciones porque algunos artistas utilizan materiales como acero Inoxidable que estorbarán en el medio para toda la vida; pero al utilizar materiales que el mismo ambiente te proporciona, es absolutamente armonioso.

Fuentes y apoyo bibliográfico.-

Rodríguez, Itzel - http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_landart/1.htm - 28 de mayo 2011
http://blogecoista.blogspot.com/2009/06/land-art_07.html - 29 de mayo 2011

sábado, 28 de mayo de 2011

INGRID HERNANDEZ. FOTOGRAFA

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
MATERIA:
ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE
NOMBRE:
MENDOZA SANTOS GRACIELA
SALON:
261
INVESTIGACION:
INGRID HERNANDEZ
INGRID HERNANDEZ

Por: MENDOZA SANTOS GRACIELA. graciela.mendoza.santos@gmail.com

Lo que abordaremos en esta investigación es acerca de una artista y socióloga de nombre Ingrid Hernández presentaré un poco de su vida y de su trayectoria, así como una breve explicación de sus obras y reflexiones acerca de sus proyectos.
Ingrid Hernández, nació en el año de 1974, en la ciudad de Tijuana B.C. comenzó sus primeros estudios de fotografía mientras asistía a la preparatoria, después estudia la carrera de Sociología en la UABC y una Maestría en Administración Integral del Ambiente en el Colegio de la Frontera Norte.
En el año 2003 decidió abandonar la academia para dedicarse de tiempo completo a tomar fotografías en asentamientos irregulares de la ciudad de Tijuana. Ha expuesto su trabajo fotográfico en exhibiciones nacionales e internacionales, específicamente en Estados Unidos, México y Europa. Ha formado parte del cuerpo académico de la Escuela de Artes de la UABC y de la Escuela Superior de Artes Visuales, donde ha impartido clases de Antropología visual y el Seminario de Teoría y Lenguaje Fotográfico, con diez años de experiencia en la docencia ha sido maestra, investigadora y tallerista en instituciones educativas y asociaciones independientes en México y Bogotá. Entre sus becas y distinciones destacan el premio de adquisición de la Bienal Universitaria de Arte Contemporáneo (UABC, 2007), Jóvenes Creadores (FONCA, 2008-2009) entre otras.

El trabajo de Ingrid Hernández me pareció muy interesante ya que capta con el lente de su cámara ambientes (des)conocidos alejados de la realidad cotidiana, donde considera los espacios públicos como propios y privados, es como si escucháramos las conversaciones de los desconocidos, es adentrarse a lo inexplorado y después se convierta en conocido.
Me llama la atención que a través de sus fotografías presente trabajos de su ciudad, que haga ver la realidad desde otros rumbos incognitos, que haga ver lo que no se ve a simple vista, que es ignorado por la gente misma, por nosotros y que tal vez no nos damos cuenta de esa realidad que está a nuestro alrededor . Nos presenta una visión de la realidad desde puntos diferentes.
Ingrid Hernández presenta espacios domésticos, en el lugar más intimo del ser humano, en donde se proyectan nuestras creencias, deseos y expectativas.
Ingrid tuvo varias colaboraciones documentales importantes. Una de ellas trata sobre hombres que viven en un centro de rehabilitación; al mismo tiempo en el que estaba colaborando en esa producción, Ingrid ya había comenzado un proyecto de fotografía sobre el tema de la vivienda en los asentamiento irregulares de Tijuana, aquellas zonas habitadas en terrenos que no pertenecen a sus habitantes, los cuales en su mayoría construyen sus humildes casas con materiales de reuso o de desecho, como piezas de madera, lamina y plástico. Para desarrollar este proyecto partió de una metodología basada en técnicas de investigación social, conjugando elementos bibliográficos, entrevistas, observaciones y fotografías. En los que cada proyecto se inicia por recorridos a la ciudad para ubicar asentamientos que posteriormente visita durante largos periodos de tiempo. Para lo cual hace una búsqueda de lugares de la ciudad que no se ven con regularidad. Llama la atención esta parte de su proceso de trabajo ya que se compromete de tal manera que estudia a fondo el modo de vida de cada hogar y que con esto logra una clara idea de lo que va a mostrar al espectador.
Me parece curioso que en sus trabajos no retrate el elemento humano y que considere importante mostrar la configuración de los espacios y los usos de los objetos desde las propias estructuras y paisajes y de los espacios dentro de la vivienda.
Así mismo me llama la atención la composición de sus imágenes que presenta y que busque que cada elemento dentro de la fotografía muestre lo humano, que le dé un sentido particular a todo lo que conforma su obra, que sea como un punto de partida para la narrativa del objeto, que le de vida propia, que sea única y que nos denote gestos de carácter intimo.
Me impresiona que retrate espacios y objetos y que a través de ellos nos cuente una historia emocional, que nos muestre imágenes en las que uno como espectador sea como el personaje principal, que con nuestra experiencia construyamos historias y que nos apropiemos de ella
Ingrid Hernández adopta una posición vanguardista y analiza el uso de los espacios y de los objetos dentro de dichas viviendas, además refleja la forma de vivir de las personas y exterioriza sus deseos, nos muestra instalaciones urbanas sobre todo las relaciones de la gente con los espacios y los objetos ya que una simple construcción se vuelve parte de nosotros y que nos caracteriza.
Estas fotografías reflejan viviendas que han sido autoconstruidas por sus habitantes siguiendo la representación de los objetos, los acomodos y arreglos que organizan y definen el hogar.
Creo que esta artista trata de representar manifestaciones de carácter íntimo. Busca destacar lo particular, lo propio e individual presente en la forma de utilizar un objeto, disponiéndolo en un hábitat donde la da sentido dentro del espacio de acuerdo a los caprichos y manías de la condición humana, que va más allá de lo simple utilitario.
Son fotografías que cuentan una historia a través de los objetos y materiales que se encuentran en un hogar, hogares construidos por habitantes y como resultado podemos observar como su situación económica y humana.
Es una muestra de cómo la gente construye sus casas de acuerdo a la forma en que estaban acostumbrados a vivir en su lugar de origen y de cómo, lo adaptan a las condiciones de esa nueva ciudad.
Lo que me gusta de estas fotografías es que puedes ver la humanidad de otro modo, aun cuando no esté presente en las imágenes, nos muestra su espacio a manera de paisajes hablándonos de una forma de vivir, tal vez, modesta y que a la vez, nos hace comprender la relación que tenemos con los objetos y el espacio.

Referencias de Internet
http://www.ingridhernandez.com.mx/
http://ingridhernandez.com.mx/blog/?m=200904
http://www.conaculta.gob.mx/tierra/images_cont/publicaciones/especiales/Irregular.htm

Transvanguardia ¿de verdad un regreso?

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE

Transvanguardia
¿de verdad un regreso?

Juana Inés Ramos Muñiz. juisa_7@hotmail.com
Este movimiento se caracterizó por el volver a lo tradicional en la pintura pero sin establecer algún estilo propio, ya que sólo fueron utilizando estilos o movimientos anteriores. Surgió para erradicar el arte povera y todos los movimientos anteriores, donde ya no se establecía el uso de la pintura. Fue un renacer a lo tradicional, volver a los orígenes de los grandes maestros y demostrar cuál es la importancia de la pintura en el arte. ¨Si el artista solo copiase la naturaleza, el mejor artista seria el espejo.¨ en realzar los movimientos renacentistas, barrocos, sin dejar de mencionar el manierismo.
Establecer cómo esta vanguardia tiene repercusiones en la historia del arte, cómo se desarrolló, quienes fueron sus exponentes y donde surgió, cuáles fueron los motivos que impulsaron a regresar a lo antiguo, a lo que varios artistas querían dejar atrás y su oposición a enfocarse con otros elementos para desarrollar una obra de arte.
La transvanguardia italiana, es un movimiento artístico de la post-modernidad. El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva y aplicado en una serie de pintores italianos.
Nació en los años ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia . La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura, después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a artistas como Sandro Chia, Enzo Cuchi, Francesco Clemente, Nicola de Maria y Mimmo Paladino y Jannis Kounellis, entre otros
Los artistas transvanguardistas se caracterizaban por un eclecticismo subjetivo, porque vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Recurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran expresividad cromática. Otra de sus características es el nomadismo, el artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Realizan obras generalmente figurativas, con referencias iconográficas.
Su principal influencia viene del manierismo, así como del renacimiento y el barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado una mezcla indiscriminada de temas y estilos (¨pastiche¨) el artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Es una tendencia parecida al neo-expresionismo, la nueva imagen, el grafitti, el bad painting o al pattern & decoration.
En sí la transvanguardia italiana es un nuevo movimiento, porque al tomar referencias de otros artistas y al hacerlas suyas, son originales y volver a usar los pinceles es algo que se puede confundir con volver a lo mismo, pero desde el concepto que el espectador y la critica lo vea, es cómo vamos a responder si es algo novedoso o algo que ya estaba establecido. El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.¨ Duchamp Marcel.

Referencias:
Giancarlo,P.( 1992) the italian trasnvanguardia / Mailand