lunes, 15 de junio de 2009

Earth Art – Land Art (algunos comentarios)


Land art project 1985 by Lucien den Arend in Lelystad/The Netherlands

Earth Art – Land Art

(algunos comentarios)

Yeira Cecilia Ramos Araiza (y_cecy89@hotmail.com)

El land art puede ser comprendido como una protesta en contra de la percibida artificialidad y a la comercialización del arte de finales de los años sesentas en América. Los artistas rechazaban la idea de los museos como el lugar donde se lleva a cabo la actividad artística y a causa de esto propusieron hacer proyectos monumentales en paisajes alejados de lo comercial del arte, probaban que no sólo en los museos se lograba llevar a cabo un ambiente artístico.

Este movimiento artístico fue inspirado por el arte minimal y por el arte conceptual.

El land art interviene sobre el territorio, cambia la forma en la que ves el paisaje, desde su medición, orientación, hasta la señalización. Se creó una corriente dentro del land art que utilizaba grandes dimensiones para expresarse entre estos se encuentran Michael Heizer, Dennis Oppeinheim, Walter de Maria o Christo, y también había una más intimista como Richard Long o Hamish Fulton.

Las obras creadas por artistas del land art generaron intensos debates en torno a la naturaleza del arte y sus mecanismos de difusión y comercialización gracias a que los artistas no sólo abandonaban las rutinas del taller para crear la obra si no que intervenían directamente sobre el paisaje (gracias a esto creo que también abrió nuevos caminos que llevaron al apropiacionismo) y la obra sólo duraba y podía ser percibida por el observador por medios como la fotografía, videos, televisión o descripciones del trabajo (bocetos).

Un artista que fue de gran importancia para el land art ya que ayudo a la gestación y consolidación de este fue Robert Smithson, con sus escritos en Artforum.

“El cuerpo entero es atraído hacia el sedimento cerebral en el que las partículas y los fragmentos aparecen bajo formas de conciencia sólida. Un mundo decolorado y fracturado rodea al artista. Organizar esta maraña de corrosión en estructuras, subdivisiones y conjuntos es un proceso estético que apenas se ha vislumbrado. Observa una palabra cualquiera durante algún tiempo y versa que se abre en una serie de fragmentación no ofrece una solución formal fácil. Las certezas del discurso didáctico se sienten atraídas dentro de un discurso poético” R. Smithson.

En este escrito por Robert Smithson el compara los accidentes que se producen en la naturaleza con las fallas de la naturaleza humana, cree que la naturaleza y los seres humanos se relacionan en aspectos buenos y también en sus fallas.

Los artistas del land art manipulan y hacen transformaciones sobre el paisaje, utilizan grandes dimensiones y lo que se exhibe en galerías son documentos como fotografías, videos o descripciones de la obra.

Este método de presentar su obra hace cuestionarme si realmente querían lograr separarse de lo superficial y comercial de la forma como se presentaba el arte en esos tiempos y se sigue considerando importante, lo cual era presentar las obras en museos. Porque según entiendo estos artistas querían dejar atrás eso de los museos y llevarlo a otro nivel, pero acabaron comercializándose al llevar la documentación de su obra a los museos como las fotografías y videos, en realidad cayeron en una contradicción y se dejaron llevar por la fama, o puede que hayan empezado con ese concepto pero se fue transformando y en realidad al final creyeran que los museos no eran tan comerciales como se tenían pensado.

Me pareció interesante este tema del land art por lo que proponían que a final de cuentas creo que no lograron. Ellos creían en que el arte estaba comercializándose mucho y yo creo que esa parte sigue vigente, y los museos siguen teniendo mucha importancia tratándose de decidir que es arte y no, y como se comercializa dentro de estos espacios. Creo que dentro de este movimiento tenían ideas apropiacionistas, ya que buscaban cambiar o darle una nueva connotación a algo que ya estaba en la naturaleza, utilizaban los paisajes y les daban otro sentido, o también era una forma de que la gente les diera importancia y vieran mas allá de sus fronteras, creo que fue muy controversial por lo mismo que creían y creó nuevas formas de ver las cosas para las personas en general y las relacionadas al arte.

sábado, 6 de junio de 2009

Sobre apropiacionismo y creatividad


Sherrie Levine After Walker Evans, 1981; photograph; gelatin silver print, 9 3/8 in. x 7 1/2 in. (23.81 cm x 19.05 cm); Collection SFMOMA, Accessions Committee Fund: gift of Evelyn and Walter Haas, Jr., Mr. and Mrs. Donald Fisher, Mrs. George Roberts, and Helen and Charles Schwab; © Sherrie Levine

Historia del arte IV

Grupo: 242

Maestro: Roberto Rosique

Sobre apropiacionismo y creatividad

Por Alicia Esmeralda Rubio Villegas

Considero que si bien el movimiento apropiacionista tuvo un principio, un fundamento, un leit motiv conceptual por ejemplo el de su principal de exponente Sherry Levine quien con su trabajo cuestionaba las clases sociales, la identidad, los usos políticos de la imagen, los usos naturales y las maneras en como el contexto afecta el percibir de las obras (sean fotografías, pinturas, dibujos, etc.) lo que nos dejó como sociedad que toma de todo lo más fácil, fue el cómodo plagio de imagen, el uso accesible del copy paste, los copyright y a mí me dejó con cuestionamientos que a continuación abordaré.

Apropiarse de algo implica tomar posesión de esto además el movimiento apropiacionista se refería a “tomar prestado” elementos de este algo para la creación de algo nuevo, o como lo hizo Levine para retar la manera en cómo se perciben las cosas y como cambiar de acuerdo al tiempo y espacio en que son presentados. La pintura empezó a ser entendida ya no como un proceso de representación sino de presentación. Es decir se estaban presentando las cosas y es aquí donde entra el papel de Levine, por que eso es gran parte de lo que hace, más que apropiarse presenta de nuevo estas piezas.

En 1979 Levine re-fotografió las fotografías de Walter Evans, con la propuesta de que se podía re-fotografiar una imagen y crear algo nuevo en el proceso, ahora pienso que si era una critica modernista la noción de la originalidad, no estoy segura si logra convencer, en lo personal no creo que la reproducción se convierte en la autentica experiencia.

¿Entonces que diríamos del arte de Grecia? ¿Que resulta tan genial o es tan genial como la reproducción fotográfica de éste? Cuando se le pregunto a Levine cuál era la diferencia entre la fotografía y la reproducción de esta, contestó que la reproducción es en una manera dos fotografías, una fotografía encima de otra fotografía, que es una manera de crear una metáfora en lugar de poner las imágenes de cada una a lado.

Ciertamente la fotografía es uno de los medios de registro más “eficaz” y además es un registro como dice Levine, donde siempre tenemos múltiples lecturas posibles, según el contexto en el que se insertan.

Con su trabajo Levine sugiere que “el significado de creatividad y del arte es simplemente la inflexión del artista en el trabajo en lugar de algún golpe galvanizado de creatividad.”

Estoy de acuerdo con ella en que la creatividad es una reflexión del artista y no ocurre como algo mágico o de la nada, espontáneo, sin embargo no se si su noción de originalidad me convence, me hace cuestionar ¿que tan importante es o fue que se tomara la fotografía de la fotografía? Pero entiendo este movimiento como parte del creciente postmodernismo que se vivía, es comprensible que surgiera, era un etapa donde a mi parecer todo quería ser más, pero muchos no fueron más que proyectos fallidos. Y es que a partir de este periodo el término también se refiere o se le ha dado el uso de hacer referencia al trabajo de otros artistas, sin alterar necesariamente al original. Y entonces el “fotografiar otra obra” dio pie a que nacieron los famosos copyrights o derechos reservados.

“La obra de arte ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres. Los alumnos han hecho copias como ejercicio artístico, los maestros las hacen para difundir las obras, y finalmente copian también terceros ansiosos de ganancias. Frente a todo ello, la reproducción técnica de la obra de arte es algo nuevo que se impone en la historia intermitentemente, a empellones muy distantes unos de otros, pero con intensidad creciente”

Extracto de El arte en la era de la reproducción mecánica, Walter Benjamin (1936).

Sino con imágenes apropiadas directamente de otras imágenes que reflejaban el mundo circundante con el que consecuentemente, mantenían un intenso diálogo de significaciones.

Esto nos lleva a cuestionar sobre si lo que es real es el objeto, el pedazo de papel que contiene una imagen y la “verdad” de estas fotografías dependen de tantas variantes, pero que finalmente todo sería cuestionable. Porque al final la lectura que yo haga de lo representado en ese pedazo de papel dependerá de mi información, de mi cultura, sensibilidad y de la relación o cercanía que uno pueda tener con lo fotografiado.

Y Levine tenía razón en que al final el precio de un objeto no es lo importante sino su instalación como arte, lo que se legitima no son los objetos sino las instituciones tradicionales que se maquilla como modernas o posmodernas

Pero también le agregaría que el ser creativo debe tener intención, esta intención es la que nos puede llevar a transformaciones de voluntad y del pensamiento, no es algo que yo simplemente crea, sino que está fundamentando en libros, que la creatividad y los procesos creativos son históricos y la historia no los ha repartido unánime ni democráticamente a lo largo del tiempo.

Puedo concluir diciendo que nadie debería pretender la originalidad absoluta de su obra, y como artista entiendo que es provechoso gozar los elementos con los que otros construyen su obra, y tomarlos como puntos de partida para el trabajo propio. Mi recomendación (a mi misma) a los demás sería, de manera natural dar el reconocimiento explicito de las obras o los autores que han sido influencias determinantes para el propio desarrollo, de esta manera podrá uno avanzar y entonces si quizás crear algo distinto.

Alicia E Rubio Villegas

jueves, 4 de junio de 2009

El Process Art (algunos comentarios


Lynda Benglis. Quartered Meteor, 1969.

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA

ESCUELA DE ARTES

LICENCIATURA EN ARTES PLASTICAS

04 DE JUNIO DEL 2009

Maestro: Roberto Rosique

El Process Art

(algunos comentarios)

Por Laura Alicia García Barrera.(laala.g@hotmail.com)

Una vez que el movimiento minimalista tuvo su descenso, tuvieron cabida dos movimientos vertientes, la abstracción excéntrica y la anti-forma o process art.

Esta última surge en el año 1968 cuando los artistas analizaban su estado psicológico o anímico y le daban un valor más alto al proceso que a la obra terminada como tal, este proceso fue destacado de alguna manera dramática.

Y estos artistas en su mayoría son precursores también del movimiento minimal y abstracción excéntrica.

Al decir que el proceso tenia mayor importancia, deja paso a todos los aspectos que intervienen en el proceso productivo de una obra, es por eso que este movimiento es de mi agrado al no saber a ciencia cierta, los artistas del resultado que podría tener y la indeterminación de la obra. Un ejemplo sería Linda Benglis con Quartered Meteor, que al verter el plomo sobre el piso, se interesaba por hacer énfasis en el proceso y claro el resultado, una pieza a mi parecer muy bien resuelta, que pudo variar y ser totalmente diferente de cómo la conocemos por lo que el proceso resulta primordial.

Me gusta este movimiento por que lo percibo como una manera de darle esencia a los objetos (de arte) que al ser efímeras reconocemos que su proceso fue lo que la hizo una obra u objeto de arte.

Bruce Nauman a pesar de su desarrollo en varias corrientes consecutivas, también fue uno de los grandes en el Process art. En su obra de One hundred fish fountain, destacaba como el agua iba llenando un cuarto de cristal grueso y justamente era lo que nosotros como espectadores podíamos apreciar.

En algunos casos los artistas preferían no utilizar materiales costosos de los que el arte muchas veces se sustenta, abandonando conceptos hasta ahora indispensables para la obra de arte como el de durabilidad, estabilidad etc., que más tarde se relacionaría con el arte pobre y el arte conceptual, así, como con el minimalismo en un principio. Las relaciones que encuentro con el minimalismo es que adopta rotundamente el “menos es mas”, aunque en el Process art reina la probabilidad y el azar logran; en si son objetos sencillos pero con un gran peso y personalidad cada una de estas obras.

Por otro lado, el carácter que me remite rotundamente con el Process art hacia el arte povera, es que este último se sustentaba en el empleo de materiales baratos o reciclados, que ya unidos en forma consiente, crean obras exquisitas y a gran escala; esta perfecta mezcla son valores que vencuentro en común.

Creo que el Process arte, surge como una búsqueda totalmente diferente de arte, encontrada muy a tiempo y que los exponentes de esta corriente supieron utilizar de una manera adecuada. Quizás, sea una cuestión sólo de gustos ya que a muchos estudiosos del arte en la actualidad y justamente en la década de los 60’s a los 70’s criticaron de lleno todos estos movimientos que no promovían un arte “verdadero” con todas las características que el arte supone debía tener, pero desde mi punto de vista, son corrientes igualmente válidas que han marcado una pauta y como estudiante de artes, me ofrecen un amplio marco de posibilidades para explorar estas experiencias y más.