historiadelartecuatro

El simulacionismo

2011-11-30T09:15:00.000-08:00

El simulacionismo
Martha Paulette Palomino González

El simulacionismo o post-apropiacionismo surgió en los años ochentas como oposición al neo-expresionismo al que consideraba una tendencia de creación no imaginativa. Tomo algunos principios del apropiacionismo, y creo una teoría basada en el pensamiento posestructuralista francés.

Guasch(2000) “R. Barthes intento descubrir la estructura interna de las representaciones de la realidad, realidad que la sociedad capitalista había remplazado por símbolos o apariencias”. De Jean Baudrillard (cita por Guasch 2000) “quien concibe la sociedad posindustrial, del capitalismo del consumo masivo, como un espectáculo fantasmagórico en el que el valor del cambio de un objeto ya no obedece a cuestiones de orden económico, sino a criterios de moda y de prestigio vinculados al lenguaje de la publicidad. En esa sociedad degenerada por la proliferación el objeto no es valorado por sus cualidades intrínsecas o por sus significados, sino por sus apariencias.”

Esta tendencia lejos de buscar nuevas maneras de crear arte su producción de baso en la simulación, esta simulación era principalmente de productos populares que se producían en masas, por esto mismo, su propuesta se me hace un tanto contradictoria, por que hace una critica al consumismo que se esta viviendo, pero al mismo tiempo lo alentá dando a sus objetos de arte los atributos que lleva una producto de consumo (mercancía) reiterando su punto al momento de que el consumidor paga por su objeto.

Heartney (cita por Guasch, 2000) “Los simulacionistas se valen de la simulación como un medio de distanciamiento filosófico del viejo estilo en arte, distanciamiento, a través del mundo de los productos de consumo, de la mercancía y del comercio del arte. En tanto que no únicamente simulan o imitan las apariencias de los objetos, si no que intentan reproducir el poder de seducción que el objeto de consumo ejerce sobre el publico, los trabajos de los simulacionistas de sitúan en la frontera entre el arte y comercio”

La critica fue muy fuerte contra este movimiento, como lo fue con muchos otros en sus inicios, para los críticos el movimiento era liderado por artistas arribistas, hipócritas y solo buscaban la promoción de carreras huecas cuyo objetivo era el dinero rápido, y tal vez era verdad para algunos artistas como Jeff Koons el comercializar su imagen y el éxito de su trabajo era lo mas importante, incluso afirmo estar en busca de la fama.

“Es cierto que ha habido muchos artistas que han convertido su propia vida en objeto de arte, pero ninguno hasta ahora había hecho de ella, hasta ese punto, un asunto casi estrictamente publico, una cuestión rigurosamente mercantil, es decir de pura y simple publicidad.” (Jarques, 2002)

A pesar de estas criticas el movimiento tubo mucho éxito, la galería que los acogió dijo en una declaración que fue por mucho la exposición que había recaudado mas beneficios monetarios. Algunos textos hablan incluso del abandono de la integridad del artista, “El abierto ataque al formalismo por parte del grupo de los años setenta puede haber ejercido una influencia involuntaria en el abandono de la integridad artística en favor de la imagen comercial dentro de un nuevo constructor teórico llamado simulacionismo” (Morgan, 2003)

Esta tendencia tuvo dos vertientes una eran los artistas neo-objetuales que se basaron en la producción de objetos tridimensionales, los cuales principalmente eran copias de objetos de consumo populares y los trasladan a las salas de arte, o como intervención en espacios públicos. Esta propuesta fue la que causo escándalo, por que estaba el conflicto de si era un plagio o no, ya que algunas veces se tomaban los objetos de consumo tal cual y se exponían.

La otra vertiente son los neo-abstractos o neo-ge los cuales basan su producción en pinturas con temas geométricos principalmente, incluso, tal vez, se podría hablar de una simulación del pattern painting, pero no recibieron la aprobación de los críticos que solo los veían como moda para beneficio del mercado.

Para concluir, el simulacionismo se me hace una tendencia con un planteamiento muy fuerte y bien respaldado, acertaron en la critica al consumismo por medio de su integración al mercado y la creación de productos de consumo, y a pesar de que por esto fueron acusados de oportunista y de tener problemas con las leyes de patente, su punto de vista y su propuesta me parece muy valida y solida.

Referencias
Guasch, Ana María (2000). “El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural”. Alianza Editorial; Madrid, España.
Morgan, Robert C. (2003). “Del arte a la idea. Ensayos sobre arte conceptual”. Akal; Madrid, España

2011-11-28T11:22:00.001-08:00

¿Cuál plagio?
Elizabeth Mendoza V.
El apropiacionismo surge en los años ochenta ubicándose dentro de las vanguardias como un movimiento que retorna a la imagen debido a su potencial narrativo, reinterpretando el sentido original de una imagen ajena. Es a partir de la exposición “Pictures” realizada en Artists Space en Nueva York donde el sentido del movimiento va tomando forma, consolidándose un par de años más tarde.
“La apropiación consiste en tomar una obra de arte para producirla nuevamente manteniendo tanto sus motivos como la técnica empleada. El resultado de esta acción es una obra exactamente igual (visualmente) a la primera, pero realizada por otro artista” ¹
Los artistas apropiacionistas no buscaban representar, sino presentar. La deconstrucción de imágenes y conceptos es quizá el primer paso en el proceso de los apropiacionistas.
La idea preconcebida de originalidad da un giro, por consiguiente el concepto de plagio se pierde. “El cambio de rótulo “plagio” por “apropiación” forma parte del argumento propuesto por los artistas apropiacionistas quienes aludían que sus obras no eran mera copia sino un nuevo original recontextualizado y resignificado” ²
El artista es consciente de la libertad con la que cuenta para expresarse, utilizando cualquier medio o método según su discurso. No hay verdades absolutas y las premisas para crear son inagotables y nunca podrán ser las mismas.
¹’² MATEWEKI, Natalia, «Arte y nuevas tecnologías. ¿Plagio o apropiación?». Tercer SimposioPrácticas decomunicación emergente en la cultura digital,en: URL: www.liminar.com.ar/simposio/pdf/matewecki.pdf
“El apropiacionismo posibilitó la reflexión acerca de las nociones de la verdad, la copia, lo único y el autor”.³
El apropiacionismo prácticamente plantea que cualquier cosa que se haga, así se repita cien veces, va a ser única y original. ¿Podría cierta materia ser dos cosas o más al mismo tiempo? Tratando de explicar sí por original entendemos, novedad, autenticidad y unicidad. Un objeto no va a ser igual al otro aunque contengan lo mismo formalmente. Tampoco podría ser lo mismo si fuese hecho por otra persona, o en otro lugar.
Entre los principales artistas apropiacionistas, destacan Sherrie Levine, Robert Longo, Richard Prince y Cindy Sherman.
Eran artistas que desde una actitud reflexiva y apropiativa habían abierto el arte a los media a partir de un proceso centrado en la crítica de la representación y en la concepción de imágenes a partir de otras. Buena parte de ellos se había formado en el California Institute of the Arts de los Ángeles (CalArts), institución dedicada a las artes visuales y del espectáculo, que propugnaba una enseñanza artística avalada por los discursos teóricos comprometidos en asuntos de género y pretendía educar al artista en tanto miembro socialmente activo. El CalArts no era, una institución monolítica. En aquellos años confluyeron en sus espacios enfoques tan diversos, como el arte feminista de Judy Chicago y Miriam Shapiro , el del happening–fluxus de Allan Kaprov y también el conceptual liderado por Michel Asher y John Baldessari, el cual gozó de gran predicamento entre los jóvenes generaciones de artistas–fotógrafos y de pintores.4

3 MATEWEKI, Natalia, «Arte y nuevas tecnologías. ¿Plagio o apropiación?». Tercer SimposioPrácticas decomunicación emergente en la cultura digital,en: URL: www.liminar.com.ar/simposio/pdf/matewecki.pdf
Sherrie Levine (Pennsylvania, 1947). Fotógrafa y artista conceptual, pertenece a la generación de artistas norteamericanos que durante los años ochenta se apropiaban de imágenes preexistentes para reinterpretarlas. Su interés en el proceso fotográfico y de reproducción le permitió estudiar los problemas relativos a la originalidad y a la obra única. Esta misma concepción la aplica en pinturas como esta, inspirada en la escuela minimalista, haciendo una parodia de ella. Las obras de Levine hacen referencia a la muerte del modernismo y sus ideales, tales como las nociones de originalidad artística y el carácter único del objeto de arte.
Robert Longo (Brooklyn, 1953). Pintor, escultor y artista de performances estadounidense. Pertenece al movimiento de la bad painting, quedando sus imágenes muy próximas a las de Baldessari. Desde un primer momento, pone gran interés para que sus obras lleguen a un amplio público: sus figuras, relieves y montajes tienen la particularidad de gozar de un alto grado de academicismo; obras muy bien acabadas en las que la pintura es utilizada como un ready made, simulando el arte de pintar la muerte de éste. Su trabajo se centra en cuestionar la cultura popular y los estereotipos que, de alguna manera, describen la alienación que vive el hombre en la compleja sociedad actual.
Richard Prince (Canal de Panamá, 1949) En 1973, después de aplicar el San Francisco Art Institute, sin éxito, se trasladó a Nueva York, donde se familiarizó con el arte conceptual. Trabajo en el edificio Time-Life como un preparador de recortes de revistas, se dio cuenta de las posibilidades de la publicidad las imágenes, todo lo que quedaría después de recortar artículos como

4 GUASCH, Anna Maria, El arte último del siglo XX del posminimalismo a lo multicultural, AlianzaForma, Madrid,2000–01, pp.341–342
un elemento de su arte.
Cindy Sherman (Nueva Jersey, 1954) Ha construido un nombre como uno de los fotógrafos más respetados del siglo XX. Aunque, la mayoría de sus fotografías son imágenes de ella misma, sin embargo, estas fotografías no son exactamente autorretratos. Por el contrario, Sherman se utiliza como un vehículo para el comentario con una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de estas fotografías ambiguas y eclécticas que Sherman ha desarrollado con un estilo de firma distinta. Sherman ha planteado cuestiones difíciles e importantes sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte.
Si bien, el apropiacionismo sigue siendo un tema a debatir por muchos. No todos están convencidos de su intención o simplemente no entienden el afán de apropiarse de cosas ya existentes. Pensaremos que es el mejor pretexto que los plagiarios podrán utilizar y pondríamos en tela de juicio al creador, si es dueño o no, incluso si es artista. Sin embargo, la pura idea de innovar la forma de crear, válida el movimiento tal como resultó en los otros movimientos vanguardistas del siglo, aunque, estos al final, terminaron convirtiéndose en bienes para el mercado.
La cuestión es, ¿Estaríamos de acuerdo si alguien se apropia de nuestras producciones? Apropiarse es fácil, y reinterpretar aún más.
Y si el apropiacionismo, prácticamente es tomar lo que esté en frente de nosotros y reinterpretarlo ¿No somos todos entonces apropiacionistas?

Páginas consultadas:

Tesis de maestría en Artes Visuales, ENAP, UNAM.
Por: Carlos Hernández-Marmolejo
http://es.scribd.com/doc/51685457/5/El-apropiacionismo-en-el-arte

http://rogallery.com/Prince_Richard/Prince_Richard-Biography.html

http://www.cindysherman.com/biography.shtml

http://re-

2011-11-28T11:10:00.000-08:00

APROPIACIONISMO

Maricruz Morales Plata

Dicen que “no ser original” no está de moda, y según no lo está en casi todos los ámbitos en los que los humanos nos desenvolvemos; mucho menos en el mundo del arte. Se supone que desde que el planeta tiene memoria de nuestra aparición en él, y nos fuimos inventando, adaptando y adoptando socialmente, fueron saliendo como por arte de magia o más bien por instinto la necesidad de distinguirnos de entre los demás, de hacer cosas diferentes para irnos formando una identidad única, como si fuera un sello de exclusividad para desigualarnos de la masa, así en cierta parte seguimos funcionando hasta miles de años después los hombres ‘evolucionados’, marcando con nuestra personalidad un esquema de ideas que no siempre resultan ser tan de uno mismo.

El sello de garantía de la originalidad resulta ser en algunos casos significativo, ya que es casi casi ‘por naturaleza’ y en el caso de los artistas creadores en cualquiera de sus disciplinas, en sus letras, imágenes, sonidos o colores siempre es importante para distinguirse de los demás ir a la vanguardia de las creaciones, inventando y reinventando técnica y obras que generen un impacto que trascienda socialmente, que nuestra idea (por guajira que sea) llegue al receptor tal y como queremos, nos reconozcan y sepan que eso es nuestro, pero ¿qué hay cuando esa creación pasa a manos de otro y le pinta un bigote o le cambia un color, cuando ‘la creación’ ha sido modificada y en la peor de las pesadillas para el autor, pasa a ser más famosa que la autentica?, ¿es derecho del artista reclamar y casi querer linchar al reinventor de su pieza?.
“La originalidad no tiene necesariamente que ver con hacer algo nuevo, sino con hacer algo propio.” (Fernández, M., 2009)

El Apropiacionismo comenzó como movimiento a principios de los años ochenta con un grupo de “artistas que desde una actitud reflexiva y apropiativa habían abierto el arte a los media a partir de un proceso centrado en la crítica de la representación y en la concepción de imágenes a partir de otras” (Guasch, A. M., 2000). Algunos de los artistas más reconocidos del movimiento fueron Sherrie Levine, Robert Longo, Richard Prince, Louise Lawler, entre otros. Posteriormente a todo el arte que se estaba produciendo a mediados del siglo XX el Apropiacionismo vino a retomar como protagonistas a la pintura y la imagen, quienes dentro de las disciplinas artísticas habían perdido fuerza desde la Antiforma.

Citando a Natalia Matewecki, la apropiación consiste en tomar una obra de arte para producirla nuevamente manteniendo tanto sus motivos como la técnica empleada. El resultado de esta acción es una obra exactamente igual (visualmente) a la primera, pero realizada por otro artista. El cambio de rótulo “plagio” por “apropiación” forma parte del argumento propuesto por los artistas apropiacionistas quienes aludían que sus obras no eran mera copia sino un nuevo original recontextualizado y resignificado. Por ello, la apropiación supone otro tipo de efecto estético, producido por el tipo de relación intertextual que mantiene una obra con la otra, y con otros textos, que posibilitan reflexionar sobre las nociones de verdad, copia, unicidad y autor.

Se llegó a utilizar el término de ‘plagio’ para referirse a la utilización de imágenes previamente elaboradas, sin embargo al presente se ha ido erradicando esa idea vieja y posesiva; ya que más bien, hoy en día conforme la modernización y practicidad de las técnicas, por ejemplo gráficas, suelen utilizarse imágenes que funcionan como referencia para la creación de una nueva pieza, siendo una acertada manera de facilitar o perfeccionar el trabajo.
A mi parecer, al momento en que uno como creador muestra alguna pieza públicamente, materialmente sigue siendo una pertenencia, pero ‘la idea’ consciente o inconcientemente va siendo adoptada por todos los que tengan contacto con ella, y en caso de que concientemente y con toda la intención sea reutilizada por alguien más, es una nimiedad que no debe preocupar al autor principal porque éste siempre va a tener la certeza de que él fue primero.

REFERENCIAS

-Bibliográficas-

Guasch, Ana María (2000). “El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural”. Alianza Editorial; Madrid, España.

-Electrónicas-
Fernández, Martín (2009). “¿Qué es la originalidad?”; InternalComms.
URL: http://internalcomms.com.ar/%C2%BFque-es-la-originalidad/

Matewecki, Natalia. “Arte y nuevas tecnologías. ¿Plagio o apropiación?”; Tercer Simposio Prácticas decomunicación emergente en la cultura digital.
URL: www.liminar.com.ar/simposio/pdf/matewecki.pdf

MINIMALISMO

2011-11-24T12:47:00.000-08:00

MINIMALISMO

Elisa Zapata

En su significado más simple se traduce a la reducción de cualquier cosa a su estado esencial.

Aparece como reacción al pop art, a los medios de comunicación de las masas, al consumismo de la apariencia, y con los cuales el minimalismo manejó conceptos que se consideraban opuestos al acuñar el término “menos es más” donde la simpleza de la forma es el objetivo de este movimiento.

Entre sus característica se encontraban: Reducir al máximo los elementos artísticos, es decir, los volúmenes y formas en escultura. Condensando sus reflexiones y principios artísticos en la menor cantidad de elementos posibles, reduciendo las figuras a líneas, colores planos, formas geométricas, etc. En escultura: formas semejantes a cubos, pirámides o esferas, organizadas en ángulos rectos, generalmente en series.

Tuvo influencias muy marcadas del constructivismo y sobre todo el planteamiento reductor de las últimas pinturas de campos de color de Ad Reinhardt. Este artista, durante los últimos seis años de su vida, realizó una serie de pinturas (conocidas como "pinturas negras" , todas del mismo formato (un metro cincuenta de superficie), que contenían una simple imagen en forma de cruz pintada en un tono muy oscuro apenas diferenciable del resto de la superficie del cuadro. Estas obras a primera vista parecían extensiones uniformes de pintura negra. Pero después de estar mirándolas durante un tiempo, el ojo se acomoda a las diferencias de tono y la imagen de la cruz se ve perfectamente.

Entre los artistas que se consideran representantes del movimiento están en el campo de la pintura, están: Jules Olitski (1922), Ellsworth Kelly (1923), Robert Ryman (1930), Agnes Martin (1912), Robert Mangold (1937), Joe Baer, Brice Marden (1938), Sol LeWitt (1928). Escultores: Sol LeWitt (1928), Dan Flavin (1933-1996), Donald Judd (1928-1994), Carl Andre (1935), entre otros.

“Todos los artistas minimalistas se interesaron generalmente por los elementos formales desde el punto de vista de la percepción. La mayoría de ellos se decantaron por las formas escultóricas, pero algunos también se aventuraron en la creación de una pintura constituida por elementos mínimos y superficies monocromáticas.” Tal ha sido la influencia del minimalismo que hasta el día de hoy se siguen aplicando los principios minimalistas en el diseño, por ejemplo, podemos pensar en IKEA, Apple, o en los anuncios donde se nos muestra un fondo con colores planos y/o neutros con escasos elementos.

En conclusión creo que el arte minimalista ha sido un conjunto de propuestas que gracias a su fácil digestión, a su estética de lo simple, ha sido bien aceptado e incluso ha perdurado “in” a lo largo de los años.

Razones por las cuales el minimalismo se convirtió en un estilo de vida, aunque en sus principios haya surgido como movimiento reaccionario terminó siendo adaptado para los medios de consumo. Y como en la mayoría de los movimientos artísticos si no es que todos, termina convirtiéndose en parte del sistema de la compra y la demanda de productos comerciales, “Lo simple vende”.

Referencias:

http://www.taringa.net/posts/arte/1095878/Arte-Minimalista.html Recuperado el 21 de Noviembre del 2011.

http://nosgustalosimple.blogspot.com Recuperado el 21 de Noviembre del 2011

http://www.arqhys.com/contenidos/minimalismo.html Recuperado el 21 de Noviembre del 2011.

APROPIACIONISMO

2011-11-24T12:46:00.000-08:00

APROPIACIONISMO

M.Rivera G.

En las siguientes líneas pretendo hacer una revisión del movimiento apropiacionista, principalmente de sus propuestas. Revisaré a sus principales representantes y que fue lo que aportaron y por qué de su importancia. Por último, analizaré si el apropiacionismo logró hacer lo que esperaba y si cumplió o no con sus objetivos.

En la postmodernidad han surgido movimientos que a simple vista podrían parecer contradictorios, pero que aún y en esa aparente contradicción compartían el deseo de transgredir las limitantes de movimientos anteriores, en este caso el acartonado peso que trajo consigo la modernidad, que irónicamente, en su inicio también buscaba romper con limitantes e ideas caducas respecto al arte.

La idea que probablemente nos viene a la cabeza cuando escuchamos apropiación, es la que nos remite a la copia, en este caso, en el discurso del arte. Quizás para otros signifique plagio, a algo que no es “original” y que no propone nada nuevo a simple vista, porque, después de todo es aprovecharse del trabajo de alguien más, sin aportar nada visualmente nuevo o “auténtico”.

Entonces cabría preguntarse, por qué un movimiento carente de “originalidad” y “autenticidad” es considerado importante. Para ello, habría que tener en cuenta que: “Aunque la obra sea la misma a una existente, al fin y al cabo, allí detrás tendríamos una subjetividad, una vida psíquica, una emocionalidad en trabajo… un autor”.[1]

Así es como surge a principios de los años ochentas el apropiacionismo, como respuesta al minimalismo y al conceptualismo, y el cual planteaba un retorno a la imagen, ya no se trataba de representar la realidad a través de la imagen, sino de re-contextualizarla, presentar en vez de representar.

Doulglas Crimp quien fue responsable de “pictures”, exposición en la cual invitó a artistas como Troy Brauntuch, Jack Goldstein, Sherrie Levine, Robert Longo y Philip Smith, entre otros. Estos artistas tenían un común denominador “eliminaban el significado primigenio de fotografías publicitarias, de tomas televisivas o cinematográficas e incluso de imágenes procedentes de la propia historia del arte para otorgarles uno absolutamente nuevo.” [2]. Y precisamente ese es el punto que hace de a estos artistas y a este movimiento relevante, el hecho de que no trabajaban con imágenes que pretendieran representar la “realidad” o fueran fruto de la imaginación, sino con imágenes donde un nuevo original sea recontextualizado, en este proceso de “rematerialización”, una reivindicación de las imágenes y la manera de percibirlas.

Es precisamente por esta razón que el apropiacionismo no se considera copia o plagio, ya que aquí el artista toma una imagen aparentemente igual o idéntica, dándole un significado diferente, mediante un proceso en el que dicho artista intervino: “la evidencia está en cada obra realizada. Con esto podemos descartar la copia ya que es obvio que la apropiación va a ser distinta a la original, si no lo es físicamente lo será conceptualmente.”[3]

“La obra de arte ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres. Los alumnos han hecho copias como ejercicio artístico, los maestros las hacen para difundir las obras, y finalmente copian también terceros ansiosos de ganancias. Frente a todo ello, la reproducción técnica de la obra de arte es algo nuevo que se impone en la historia intermitentemente, a empellones muy distantes unos de otros, pero con intensidad creciente” Sherry Levine (considerada principal exponente del apropiacionismo).[4]

Y quizás precisamente ese sea uno de los puntos que hacen importante a este movimiento, ya que nos invita a la reflexión, a cuestionar los supuestos, en este caso, el de la reproducción de imágenes y su supuesta “originalidad” y “autenticidad” cuando sabemos que surgieron a partir de algo ya hecho, aunque no se trate de una imagen partieron de un imaginario ya existente, donde la cámara ha sido el principio (“Dios”).

Las aportaciones de otros artistas en la línea apropiacionista como Troy Breuntuch destacA su trabajo del III Reich, retomando la figura de Hittler, donde la imágenes utilizadas estaban cargadas de un significado histórico y su aportación consistía precisamente en fragmentarlas a tal punto donde fuesen irreconocibles, alterando su significación, ya no se trataba del III Reich o Hittler, sino de imágenes descontextualizadas que ya no nos hablaban de un pasado histórico, cambiando completamente la manera en que son percibidas.

En Pictures, Jack Goldstein presentó The Jumped, en el que experimentaba con distintos grados de luz. Donde la importancia de la obra no reside en la temática que utiliza en sus imágenes, sino en su presentación/escenificación, dándole una vez más la vuelta a lo aparente, porque no se trata de lo que la imagen pueda significar por sí sola, sino en cómo va a ser interpretada por quien la visión de quien la mira.

“Nosotros conocemos la vida real tal como aparece representada en filmes y videos. Todos estamos implicados en un espectáculo de satisfacción que en último término acaba siendo alienante. Terminamos copiando cosas, pero finalmente a muchas de ellas, sin darnos cuenta le dejamos huella”[5]

Me parece interesante como cada uno de estos artistas tiene un discurso similar, más no igual, que transgrede la supuesta “realidad” , donde evidencian a la imagen como una ficción, una herramienta subversiva más que una verdad, de cómo la percepción tiene más de una configuración poniendo en evidencia que no todo es lo que parece a primera vista aún cuando las imágenes sean aparentemente idénticas, la importancia de la reflexión, de no quedarse con lo aparente sino ahondar y cuestionar constantemente, es precisamente el ejercicio de cuestionar, poner en duda, proponer, lo que me parece interesante de este movimiento en especifico.

Creo que su potencial subversivo es lo que hace a este movimiento tan controversial, e incluso amenazante ya que inevitablemente apunta a la reflexión sobre el arte hacia lo social y lo político, fibras sensibles al tiempo que amenazantes. Lo importante de la obra no es el acto de reproducir, ni lo que se ha copiado de ella sino lo que se ha agregado, es lo que la enriquece. El mensaje no es claro, sino que es tan claro que a primera vista, no se percibe.

[1] (http://www.creativoscolombianos.com/profiles/blogs/apropiacionismo-el-arte-de-la recuperado el 19 de Noviembre de 2011)

[2] http://historiadelartecuatro.blogspot.com/2009/05/apropiacionismo.html (Recuperado el 19 de Noviembre del 2011)

[3] http://historiadelartecuatro.blogspot.com/2010/06/apropiacionismo.html (Recuperado el 19 de Noviembre del 2011)

[4] http://www.creativoscolombianos.com/profiles/blogs/apropiacionismo-el-arte-de-la (Recuperado el 19 de noviembre del 2011)

[5] http://www.creativoscolombianos.com/profiles/blogs/apropiacionismo-el-arte-de-la (Recuperado el 19 de noviembre del 2011)

ACCIONISMO VIENÉS

2011-11-24T12:45:00.000-08:00

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE
Universidad Autónoma de Baja California
Escuela de Artes – Plásticas – Tijuana

ACCIONISMO VIENÉS

Por Anuar Soto Castro.

Hablar de la década de los 60’s es hablar de una etapa en la historia humana moderna de muchos cambios a nivel mundial, cambios en los gobiernos, en las sociedades, modas, música arte, fue una revolución muy importante ante casi todo lo establecido en todos los aspectos, siendo un poco más específicos dentro de la ideología de la desmaterialización del arte entra el Accionismo vienes (Wiener Aktionismus), este consistió en usar el cuerpo como lienzo, pero esto se hizo de una forma extrema y radical para la época y hasta la fecha las obras registradas del accionismo vienes causan polémicas por las crudeza explicitada de los actos.

Este movimiento se da principalmente para destruir al arte como tal, para evolucionar más allá de lo que ya se había hecho muchas veces antes, en este movimiento los objetos cotidianos se convertían en herramientas de trabajo sobre un nuevo lienzo un tanto sagrado para el pasado, que es el cuerpo y profanarlo de la manera que se hizo fue un paso revolucionario que puso a este grupo de artistas en el ojo del mundo, siendo su obra criticada con intensidad y poniendo en dudas los límites del arte.

“El Accionismo supuso un feroz ataque a la sociedad burguesa y especialmente a la Viena de postguerra, con todas sus secuelas monárquicas y militares, desde planteamientos psicológicos –el arte como terapia y liberación de las represiones sexuales, tanáticas y agresivas– y revolucionarias” (Merino)

Los artistas mas representativos y originarios de este movimiento son Otto Muehl, Günter Brus, Rudolf Schwarzkogler y Hermann Nitsch y estos realizaron obras de esta tendencia entre los el año de 1960 a 1971, este movimiento a lo largo de su existir fue responsable de constantes escándalos en la sociedad vienesa, los cuales llevaban a sus ejecutores a castigos ante la ley, tales como el encarcelamiento, el final de este movimiento se considera que llegó a su fin con la obra Kunts + Revolution (Arte + Revolución). Posteriormente el artista Gunter Bruss fue encarcelado por 6 meses, después logra escapar a Alemania.

“La destrucción como parte fundamental del arte” destrozar esa imagen formal, estática y repetida del arte y el concepto de arte.

Básicamente a través de llegar a los límites se pueden romper con tabúes impuestos por una sociedad y a través de actos grotescos, repulsivos y sanguinarios se puede evolucionar la forma de pensar más allá de lo que nos es impuesto, este arte llego a ser considerado un arte terapéutico. “El autocastigo del artista haría posible entrar en la dimensión de un arte terapéutico mediante la explicitación de las líneas inconscientes que habrían sido reprimidas por la cultura” (Merino)

Otro de las razones de ser de este grupo de artistas fue reaccionar en contra del expresionismo abstracto americano.

Los accionistas vieneses trataban de justificar sus actos provocativos, transgresores y fetichistas en las teorías psicoanalistas de S. Freud, C. Jung y W. Reich y en el trabajo de artistas austriacos como Egon Schiele y Oskar Kokoschka, En los rituales paganos y cristianos y en las fiestas populares y carnavalescas tanto como en el teatro futurista y dadaísta.

La obra del ya mencionado Hermann Nitsch son en su mayoría sobre religión y sexualidad, una de sus obras más famosas titulada Orgien Mysterien Theatre (Teatro de las Orgias y Los misterios) esta consistió en acciones rituales en las que se crucificaron corderos destripados, se manipularon sus entrañas, la sangre recogida en cubetas y se hizo exaltación de los órganos genitales, estos actos eran para ser entendidos como catarsis y regeneración, el mismo Hermann Nitsch y los demás participantes de esta obra vistieron hábitos religiosos, estos se bañaron en sangre y se revolcaron en las entrañas y excremento para patentizar las frustraciones de los humanos causadas por los tabús y las represiones sexuales.

Las obras de Gunter Bruss, otro personaje importante del accionismo vienes asocian cierto componentes de la imagen derivados del expresionismo abstracto y sobre todo el del informalismo con una gestualidad corporal de los comportamientos sexuales censurados del ser humano. Este artista se siente muy identificado con Otto Muehl otro personaje clave de este movimiento, en el año de 1966 estos formarán el Instituto para el Arte directo.

G. Bruss en 1970 llevó a cabo en Múnich una de sus acciones más provocativas titulada Zerreissprobe (prueba de resistencia) en la que la automutilación se justificaba en la reflexión de una cultura represora de los instintos humanos

Otto Muehl sus aportaciones a este movimiento estaban más intencionadas a las relaciones con connotaciones sexuales entre los cuerpos humanos en su mayoría femeninos y los materiales más diversos (Materialaktion [acción material]) y luego en la acción política enraizada en la historia y tradiciones de su país.

El más joven de los accionistas vieneses Rudolf Schwarzkogler, realizó sus acciones corporales con una voluntad simbólica alejada del componente catártico en las obras de sus compañeros. Para R. Schwarzkogler el arte era el purgatorio de los sentidos nunca practico herida alguna en su cuerpo, que tan sólo utilizaba como soporte de simulaciones de actos sexuales, agresiones físicas, procesos de auto castración y travestismo. Sus acciones fueron escasas y con muy poca audiencia, se tiene el registro de ellas a través de fotografías en blanco y negro.

Este movimiento fue una pequeña parte de un proceso aun mayor que llevaría a la desmaterialización del arte y el utilizar superficies más allá de las que se han utilizado siempre, este tipo de acciones revolucionarias y vanguardistas llevaron a los artistas a un punto de culminación en lo que lo importante del arte era la idea, el concepto. Así rompiendo con todos los parámetros de arte establecido por una sociedad represora de los sentimientos e instintos del ser humano.

Fuentes y apoyo bibliográfico.

http://es.wikipedia.org/wiki/Accionismo_vien%C3%A9s

http://msbunbury.bitacoras.com/accionismo%20vienes.htm

El Arte del Último Siglo XX.

Del posminimalismo a lo multicultural, Alianza Editorial.

Autor: Anna María Guasch

Año: 2000

“El Situacionismo: modelo de movimiento revolucionario”

2011-11-24T12:43:00.002-08:00

“El Situacionismo: modelo de movimiento revolucionario”

Paulina Gabriela Ramírez Navarro

El Situacionismo es una corriente de pensamiento crítico surgida en los años cincuenta del siglo XX. La idea esencial es la falsedad de la sociedad de consumo. Nuestra sociedad es un puro espectáculo, es decir, apariencia. Los situacionistas proponen rebelarse contra esta sociedad de la apariencia y rechazar sus valores establecidos que nos impiden vivir una vida auténtica. Es una lucha contra el consumismo y las seducciones engañosas de la vida motorizada y rutinaria. La Internacional Situacionista constituyó entre 1957 y 1972 un grupo de filósofos, arquitectos, pintores, críticos y activistas políticos que desde diversas perspectivas y técnicas, plantearon el interrogante sobre el papel del hombre y la cultura en la sociedad de consumo de postguerra. En todas partes se divulga todo lo que la I.S. ha dicho sobre arte, proletariado, urbanismo o espectáculo, todo menos lo esencial. Las ideologías individuales incorporan elementos de la teoría Situacionista separándolos de su totalidad, cuando en su conjunto reúnen efectivamente los fragmentos como una totalidad abstracta.

Situacionismo: Vocablo carente de sentido, forjado abusivamente por derivación de la raíz anterior. No hay situacionismo, lo que significaría una doctrina de interpretación de los hechos existentes. La noción de situacionismo ha sido concebida evidentemente por los antisituacionistas." (Publicado en el número 1 de "Internationale Situationniste", 1 de junio de 1958).

Influenciados por el Movimiento Letrista, el Movimiento Internacional por la Bauhaus Imaginista y el grupo CoBrA, proponen una conexión entre filosofía, arquitectura y cultura artística. . El Situacionismo tuvo una relación con el arte muy distintivo a comparación de muchos otros movimientos revolucionarios el que una obra tenga algo que ver con la crítica del espectáculo para mí es muy valioso y más de la forma que lo encaminaron cada uno de estos grupos; El hecho de utilizar poemas y palabras en los cuadros como lo hizo la pintura letrista llego a crear un arte único que no solo transmitía una imagen sino también una idea precisa y clara que era lo que para ese movimiento era esencial, se crea un arte mediante la poesía ya que las letras se contemplaban como una unidad básica como objeto central de contemplación estética, para después llegar a completar la obra con la pintura. Después le da seguimiento el Movimiento Internacional por la Bauhaus Imaginista y el grupo CoBrA que es importante mencionarlo porque es el momento esencial en el que empecé a ver una relación de los ideales de lo que será la I.S. ya que proponen la inexistencia de reglas y surgió como fruto del acuerdo de varios artistas; Además de transformar el arte ya que apuesta por un arte primitivo y/o un tanto medieval, también intenta difundir su pensamiento de cambio de la sociedad. De ahí se crea la Internacional Situacionista, este grupo además publicó libros, folletos y tuvo una revista con el mismo nombre. La edición original de uno los primeros libros de Debord, Memorias, estaba encuadernada con una cubierta de papel de lija de modo que destrozaba otros libros que se pusieran junto a él, también realizó una serie de películas. En ellas, a la manera de ensayos, intenta explicar la situación de alienación en que se encuentra el Hombre, en una sociedad donde su principal actividad es la de ser espectador, donde prácticamente su propia vida está mediatizada por un sistema que él llama “capitalismo espectacular”.

Guy Debord fue uno de los principales personajes en el situacionismo junto con Giuseppe Pinot-Gallizio cuyas pinturas industriales consistían en rollos de tela pintados con procedimientos mecánicos (máquinas de pintar) con los que su autor pretendía cubrir ciudades enteras, inventó una máquina para producir su pintura industrial. A partir de resinas de secado rápido, pistolas pulverizadoras y rollos de lienzo, el artista podía producir pinturas de ochenta metros de longitud que se decía cubrirían una ciudad entera.

Constant Nehuman, el desarrollo de la obra plástica de Constant se inicia en el Grupo Cobra sin embargo resulta más importante para mí su proyecto “Nuevo Babilonia”, es un laberinto dinámico en el cual los sectores cambian constantemente de forma y de atmósfera según las actividades que tienen lugar en él; Los situacionistas pretendían así construir ciudades apasionantes, creando ambientes nuevos para liberar el comportamiento pasivo de la gente y el aburrimiento en que están inmersos, querían tomar la UNESCO para erradicar el espectáculo de la cultura y la sociedad del espectáculo.

Nehuman decía que la tecnología estaba demasiado avanzada y que habría que utilizarla para que ella trabajara para nosotros y así las personas tener una vida libre así como crear una cultura abierta, de participación total, de diálogo, de interacción, en cuyo seno todo el mundo se convirtiese en artista, querían una poesía que fuese comunicación inmediata con lo real y en último término, buscaban la transformación del mundo a través de un nuevo realismo, aunque no siempre sabían cómo eliminar el orden establecido.

También se tenían otras formas de vivir cada día para ellos existía el juego, la deriva y el détournement todo esto a través de la creación de situaciones. Este tema es extenso y muy interesante y hace difícil abordar todos los detalles y aspectos impresionantes en la forma de pensar y trabajar de estos artistas (aunque ellos no se consideraban de esa forma, para mí son creadores). El problema era que sus ideas ambiguas no contaban con un peso específico en el cual se pueda amarrar las ideas; Cuando me atrevo a decir que tienen una totalidad abstracta es porque cada uno tenía su diferente forma de interpretar su ideología.

Un merito importantísimo es entender que fue uno de los pocos movimientos revolucionario tan grande, demandante y sobre todo tan apegado al arte que han surgido a través de la historia y que no solo repercutió en Francia sino que pasó a ser un movimiento de ejemplo global. El hecho de tener libros ilustrados sobre los pensamientos teóricos de la I.S. y aun así reproducirlas masivamente en la cuidad como forma de sello o esténcil en estos tiempos deja mucho a la admiración por todo lo que una idea pudo lograr. Pero creo que tuvo más que ver las circunstancias en las que se encontraba Francia y la creatividad y seguridad de las ideas de la I.S.

El Situacionismo se podría decir que es el robo de la iniciativa del movimiento revolucionario, la crítica de la vida cotidiana tomada por el poder. Una de las cosas que no puedo dejar de comentar es que gracias a este movimiento se establece el vínculo del arte en la vida cotidiana. Como lo he mencionado antes creo que su manera de pensar, crear, actuar, es impresionante pero de tal grandeza se quedaron cortos en su ideal. Era demasiado irreal, imaginario, demasiado radical para lo que estaba acostumbrado el pueblo fueron mas allá de lo que se conocía y por lo tanto se volvío irreal, imaginativo e ilusionista.

Referencias

Joan García del Muro i Solans *  En: S. Fernández Burillo – J. García del Muro Historia de la Filosofía, Lérida, 1998, cap. 33.I, pp. 397 ss. SITUACIONISMO. MAYO DEL 68. NOUVEAUX PHILOSOPHES. POSTMODERNIDAD

Reporte sobre la Construcción de Situaciones y sobre las Condiciones de Organización y Acción de Tendencia de la Situacionista Internacional (1957)

Guy Debord http://artecontempo.blogspot.com/2006/04/situacionismo.html

Roberto Rosique, Presentación El Situacionismo (1957-1972), Licenciatura del Artes Plásticas, Universidad Autónoma de Baja California.

Arte minimalista

2011-11-24T12:43:00.001-08:00

Arte minimalista

Brenda Sánchez

El termino minimal de utilizó por el filosofo británico Richard Wolheim en 1965. El cual fue dirigido a las obras de Ad Reinhardt y otros tantos como los “ready made” de Duchamp. El término también se utiliza en la música con Eduardo Sanguinetti.

Es un movimiento artístico que se desarrolla en el occidente en 1960, posterior a la segunda Guerra Mundial.

Se caracteriza por cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, y que no contenga elementos innecesarios, es la tendencia a reducir lo saturado, simplificar todo a lo mínimo. Surge en contraparte del expresionismo abstracto la acción painting, el color field, etc.

Algunas de sus características son: pocos elementos básicos y mínimos en la pieza, colores y forma geométricos, tejidos etc. Los artistas de este movimiento tienden a la abstracción, utilizan materiales industriales, se limitan en poner ornamentación en la pieza, tienen orden, tienden a utilizar la geometría en la pieza se puede decir que es un movimiento de reduccionismo y sencillez.

Algunos de sus pintores fueron: Mark Rothko, Agnes Martin, Robert Ryeman, Ad Reinhardt, Eduardo Sanguinetti y Robert Mangold.

En la escultura destacan: Donal Judd, Sol Lewtt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris.

Tiene influencias del constructivismo, movimiento que surge en Rusia, su principal precursor fue Tatlin decía que el artista tenía que cumplir con las necesidades de las demás personas (crear una sociedad socialista).

Es un movimiento que se despoja de todas la vanguardias anteriores en las cuales la imagen y la expresión del espectador al contemplarlas era lo importante y para el artista expresar sus emociones o sentimientos.

En este movimiento los artistas salen de lo cotidiano y tienden a expresar la idea en la pieza, consideran que ya no es importante la pieza si no la idea en sí misma.

Para expresar lo que el artista pensaba no era necesario entonces saturar con imágenes, colores, ornamentación etc.… y es esa la principal característica esta expresión artística.

Considero muy importante este movimiento por el simple hecho de despojarse de lo cotidiano, que nos muestra una forma diferente para expresarnos, darle sentido al hecho de no saturar el cuadro con una imagen llena de colores, de ideas, etc.

El minimalismo me llama la atención como una simple representación de una idea compleja.

Estoy de acuerdo con este movimiento porque es un forma de simplicidad y de argumentación para decir y expresar lo que quieres, es una manera más de salir de lo cotidiano y de mostrar a otras generaciones que lo pasado como el presente y lo que está por venir es igual de importante, en este caso las obras de arte a las que había estado acostumbrada me llevan a interesarme más por lo venidero y en este movimiento artístico se reflejan muchas características que lo destacan.

En otros movimientos artísticos como el impresionismo los artistas solían representar escenas de su vida, sus emociones, etc. pero sin dejar a un lado la imagen de la vida misma de las cosas existentes las que vemos todos los días, eran cuadros en los que al ver la escena te llevan al momento en que el artista lo pinto y en este caso no, te lleva a imaginar más de lo que puede decirte un simple cuadro o quizá un cuadro con un solo color, una figura geométrica en una extensa superficie etc. por eso este movimiento resulta interesante y te invita a reflexionar mas.

Accionismo de Viena

2011-11-24T12:41:00.000-08:00

Accionismo de Viena

Jazmín Urenda Alcalá

El Accionismo de Viena de desarrollo entre 1965 y 1970, centrado en la ciudad que lleva su nombre. Surgió Como una reacción en contra de la mercantilización. El objeto y cualquier Semejanza con lo acostumbrado al arte dejan de ser importante y rechazado.

Fue movimiento perseguido por su forma extremista y ofensiva para algunas Personas, destacándolo como morboso y desagradable. Abriendo camino a la expresión del artista utilizando nuevos lienzos que es el Cuerpo, con el objetivo de rechazar el mercado.

.Ya no Mas pinturas montadas en una galería, dejaron a un lado lo bonito, lo Agradable, su intención no es agradar, todo lo contrario. Comparte semejanzas y planteamientos con el fluxus, el body art y el performance Art, pero éste lleva sus acciones a un nivel más extremo. Los temas que aborda este movimiento van desde ir en contra de la iglesia y Dejarlo muy en claro, como también de política, duras críticas de una sociedad Rígida y conservadora.

Al destruir su cuerpo ven una forma de liberación que para los demás sería todo lo contrario, porque lastimar tu cuerpo, no es tan necesario para sentirte libre, pero solo así llamarían la atención de los demás y los tomarían en serio.

Ver que en verdad tratan de decir algo y hacer reflexionar a la gente, ya sea de forma atroz, lo que importa es que el espectador sienta el dolor, emoción, etc. que el artista trata de transmitir, no importa que su cuerpo salga lastimado. Esto podemos verlo con los diferentes artistas más destacados como, Gunter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, que algunos de ellos Fueron rechazados y perseguidos por la policía por sus actos violentos.

Gunter Brus, uno de los artistas que más sobresale de este movimiento, por sus obras sumamente violentas. Por el uso de objetos personales y de tortura como; alfileres, hojas de afeitar, una hacha, tijeras, tornillos, pinzas, etc. Mostrando una imagen heroica y de resistencia al dolor. Su acción más conocida y la que lo mando a seis meses en prisión es mientras se masturba y canta el himno nacional de Austria, por ese motivo tuvo que huir de Alemania. Su protagonismo lo conduce a las auto-mutilaciones, que lo convierten en héroe y mártir, guerrero que busca la libertad mediante el sacrificio y la auto aniquilación. Capaz de convertirse es una pintura o hasta una escultura viviente. Con el paso del tiempo sus acciones se van volviendo cada vez más radicales, hasta llegar hacer una prueba de resistencia. Gunter escribía en sus diarios; ‘‘mi cuerpo es la intención, mi cuerpo es el acontecimiento, mi cuerpo es el resultado’’. Su última acción fue Zerreisprobe en 1970, a partir de ese momento se dedicó al dibujo y a la escultura.

Rudolf Schwarzkogler, junto a Brus, el más radical del grupo. Sus temas a tratar Eran a cerca de la mutilación y el dolor. Una de sus acciones, está envuelto en vendas, sin poder moverse lo más mínimo, a su alrededor hay una botella, un telescopio y un pollo muerto, Rudolf se arrastra por el suelo y absorbe ese liquido por un tubo. Después lleva acabo otras acciones en las que se lesiona y mutila como medio de liberación de los tabúes relacionados con el cuerpo. Una de sus actos más famosos es cuando simula haberse cortado el pene en pedacitos fue tan real que la gente se lo creyó. Todo un mago de la ilusión porque nada era real. En sus escritos define la estética panorama como el núcleo de un nuevo arte: “Un arte de la capacidad regenerada por la experiencia”. Hay asimismo un deseo de buscar la verdad a través del arte: “El arte es el purgatorio de los sentidos”, “la estética Panorama es la obra de arte total (Gesamtkunstwerk) eficaz”, “la pintura como arte de curar”. Se dice que este artista muere aventándose al vacío desde ventana del cuarto piso de su casa, muchos dicen que esa fue su última acción, pero en si no se sabe si murió en verdad, o realmente lo hizo como acto de provocación.

Otto Muehl, el más polémico por haber estado en prisión seis años y medio por supuesto abuso sexual a menores. Quería convertir a la sociedad monótona en una Sociedad utópica de liberación racional, en la que los miembros eran obligados a tener relaciones sexuales en grupos, rechazaba la relación en pareja y la propiedad privada, descartaba el privilegio de enamorarse, los hijos eran separados por sus padres y los menores eran iniciados por los adultos en las prácticas sexuales. Todo un buffet de desastres, y podría decirse que repulsivo y Sobrehumano, porque saber y ver algo así no es algo común ni aceptado por la misma sociedad, por eso mismo recibió duras críticas. Pero no todas son criticas malas para Otto también tiene sus seguidores que lo aclaman. Afirma: “Porque vivo en un mundo técnicamente civilizado, a veces siento la necesidad de revolcarme en el barro como un cerdo”. Desarrolla numerosas acciones unas de ellas fueeron; Acción cordero, Pene y vaginación, Manopsychotic ballet, Leda y el cisne (en que el cuerpo de una mujer es cubierto de plumas, yema de huevo y pintura). En 1970 entra en una fase de vida comunal sustituyendo el arte por la vida misma, y finalmente regresa a la pintura.

Hermann Nitsch, se centraba más en performances ritualizados como el uso de sangre de animal. Desarrollo un proyecto llamado OrgenMysterienTheater, donde se grababan orgías y sacrificios animales. Que por este acto fue criticado severamente. Pero la acción más polémica de Nitsch es la concepción de María, que dura diez horas rodando y en la que utiliza iconografía católica mientras varias personas frotan visceras y sangre al cuerpo de una mujer. Tomando en cuenta al cuerpo humano como objetivo de mutilación.

Al investigar más sobre este movimiento de artistas, se deja en claro el porqué de los actos tan grotescos, pero al verlo sin tener las más remota idea de que nos quiere decir y porque esas acciones se llevan a cabo, es como solo ver y criticar un libro por su portada, en verdad este movimiento ha dejado un cambio radical en lo que es la expresión del arte, y no solo del arte si no cualquier tipo de expresión.

Es complicado mas no difícil darse cuenta que los artistas están conscientes de lo que hacen al usar objetos de tortura, usando su cuerpo como punto de partida, tratando de dar a entender realmente lo que quieren transmitir. Ya que la causa de rechazo es por la exageración en sus acciones morbosas y hasta cierto punto grotescas. Pero eso ya depende de cada uno, como miremos este arte, porque para unos eso no es arte, pero con tan solo querer expresarte de una forma diferente, atreverte hacer algo que va en contra de la sociedad, eso ya es arte.

Para mí ese tipo de movimiento es muy importante, porque no solo me deja un sabor amargo en la boca, porque amargo no quiere decir que sea feo ni que no me guste, si no que me da la fuerza de investigar y decir si ellos fueron capaces de estremecer, porque no salir y demostrar que yo también puedo hacerlo y mejor aún.

Historia del Arte IV, una semblanza.

2011-11-24T12:40:00.001-08:00

Historia del Arte IV, una semblanza.

Rocío Carmina Ramos León

A partir de las vanguardias, el arte entra en catarsis con el concepto de belleza clásico que se tenía y lo reinventa. Intentando definirlo, he entendido que este es cambiante, muta con el tiempo y se transforma. El artista intenta innovar y establecer nuevos conceptos y es así cómo se marca una pauta en lo que la estética del arte clásico definía como bello y lo que ahora en una ambigüedad, es bello gracias a la experimentación con materiales y a las ideas socioculturales.

El arte moderno, más allá de una imagen, una escultura, una instalación, se entrega a un proceso, a un concepto y a un manifiesto que plantea nuevas ideas, nuevos retos y ofrece la experimentación como parte esencial del crecimiento cómo artista.

El minimalismo llega a implementar una nueva manera de crear arte, sin intentar crear en si una pieza, sino un concepto que tenía que ser simplificado en los elementos y tener un patrón de repetición, era sencillo debido a que no era saturado, pero era complicado cuando intentabas definirlo. Así como el minimalismo nos lleva a experimentar con el concepto.

La abstracción excéntrica nos lleva a experimentar con los materiales, en donde el concepto importa, pero aquí lo innovador serán los materiales, la manera en utilizarlos y lo poco convencionales que resultaban; así mismo, el sentido que el artista les otorgara cierto sentido sexual, que lo liga al arte procesual debido a la libertad de materiales, de formas irregulares, saliéndose así de lo convencional pero sin soltar aún el sentido de las formas orgánicas que se venía dando desde la abstracción excéntrica, el detalle con el arte procesual es que, lo que importa, es el proceso y no tanto la obra final.

Después de la abstracción, el mundo del arte se ve sacudido de manera contundente por el accionismo vienes, este llega con un concepto totalmente diferente, y una manera de presentar la obra que sorprendía al espectador, se basaba en performance o happening pero lo interesante del accionismo, fue el uso del cuerpo como soporte y de los medios que se valió: sangre, excremento, orina, semen, y todo fluido corporal posible; creando una crítica social en dónde el artista se exponía a dichos fluidos que muchas veces eran de él mismo, lacerando su cuerpo con armas punzocortantes. El Body art confundido muchas veces con pintura en el cuerpo, los artistas de este movimiento lo llevaban más allá de sólo pintar el cuerpo, también lo laceraban para crear marcas permanentes, creaban una dinámica entre un proceso creativo con su cuerpo para obtener una pieza en la que podían intervenir toda clase de materiales, incluyendo pintura, operaciones quirúrgicas, etc.

De nuevo el artista en busca de diferentes maneras de crear obra, llega al Situacionismo, en dónde ahora el soporte regresa a ser muchas veces el tradicional pero en el situacionismo, como su nombre lo dice, planteaba situaciones creando crítica social de nuevo. La mayoría de estos movimientos se basan en este concepto, atacando la forma de vivir que la mayoría llevamos. El situacionismo critica la política, el consumo y al ser humano influenciado por la mercadotecnia y utiliza íconos de esta para mofarse de ellos.

El arte pobre y el land art, van de la mano en la síntesis y el contexto orgánico que estas tenían, el arte pobre se basaba en la utilización de materiales comunes como basura, cartón, tela, etc. A manera de reciclaje. Así mismo, el land art utilizaba como soporte la naturaleza, creando piezas efímeras y colores contrastantes con esta. Así llega el arte conceptual, en el cual la idea es la que importa y no el objeto de arte, modificando conceptos y haciendo del arte un medio para experimentar en el interior intelectual del artista. Cómo contrario al arte conceptual, llega el movimiento support and surface, en donde el concepto pasa a segundo plano y entonces es aquí en donde tenemos el objeto con más importancia, el propósito del artista no era llevar al espectador a encontrar en la obra formas figurativas, sino que simplemente contemplaran los otros aspectos de la pieza, en este caso las superficies, como literalmente se traduce el nombre de este movimiento “Soportes y superficies” era el detalle importante en este movimiento, ya que lo que lo diferenciaba de un expresionismo abstracto (Jackson Pollock y Mark Rothko) eran los soportes que estos utilizaban, intentaban salir de lo común, quitando el clásico bastidor y modificándolo o simplemente pintando sobre otras superficies, es ahí cuando reinventan la pintura, la re contextualizan y le dan ese sentido contemporáneo que la pintura hasta el momento no había podido rescatar.

Regresando a la pintura, es cuando llegan unas artistas comienzan a crear en base al feminismo y con la ayuda de patrones de decoración: El pattern painting se caracteriza por esto último, patrones repetitivos colores femeninos y sobre todo de ir en contra del minimalismo, querían crear todo, menos algo simplificado.

Comienza una guerra entre movimientos con el pattern painting, que nos lleva al neo expresionismo Alemán y Estadounidense que cronológicamente se da primero el Alemán, este iba en contra del arte conceptual y el minimalismo, pues el neoexpresionismo estaba lleno de agresión, de elementos saturados, de ideas o emociones en conflicto, pero no creía en una síntesis limpia y clara como el minimalismo y el arte conceptual habían plasmado. El arte neoexpresionista de Alemania, era burdo, era agresivo y sincero en cuanto a trazo; pero el arte norteamericano, dejó todo este desorden de color, y de técnica, para ordenar un poco más la imagen en la obra. Los artistas de la Transvanguardia Italiana iban también en contra, esta vez del arte povera o arte pobre y el arte conceptual, intentando regresarle al arte, el color y el dinamismo, sólo que la temática consistía en retomar la mitología, apropiarse de ella y recontextualizarla. Así mismo, llega el Apropiacionismo el cual en su discurso, plantea que está permitido tomar una imagen, un icono, un objeto ya existente y manipularlo a tu antojo, en cambio, como contra parte del Apropiacionismo y al mismo tiempo era algo así como su otra mitad, llega el post Apropiacionismo o Simulación, en el cual, el artista se apropiaba del contexto, de la idea, del discurso de alguien más, y lo manipulaba y re contextualizaba.

La producción artística, a pesar de dar la impresión de que siempre es lo mismo, el compromiso del artista está en innovar e intentar llevar a cabo una experiencia diferente. Hace poco miré en una película una frase que me llamó la atención, decía “El arte está lleno de cosas absolutamente inútiles, que son realmente necesarias” (El artista, 2008). Me dejó pensando, en todo eso que por años, se ha intentado cambiar por medio del arte, se ha convencido a la gente de necesitar cosas que en realidad no necesita, de todas esas veces que el artista ha criticado y a su vez ha abrazado eso a lo que critica; pero también me dejó pensando en cómo cada persona, de cada uno de estos movimientos, ha entregado su vida al arte, ha logrado cambiar aspectos en este y ha logrado trascender, por una u otra cosa, porque el artista nunca deja de crear, el artista nunca deja de imaginar y el artista nunca dejará de intentar cambiar las cosas que existen, para deshacerlas, volverlas a armar y así darles otro contexto.

Accionismo Vienes

2011-11-24T12:37:00.001-08:00

Accionismo Vienes

María Reyes Gaona

En 1960 Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler estos artistas estuvieron desarrollando diferentes formas de expresión, pero será en el performance, en el arte corporal en donde el soporte será su propio cuerpo lo que les distinguirá.

Los artistas mencionados no trabajaron como un grupo, cada quien hacia diferentes presentaciones por separado, al contrario de muchos de los movimientos vanguardistas del siglo XX, el accionismo vienés nunca tuvo una definición ni una guía referencial clara.

El accionismo vienés, es un arte de reflexión y de conocimiento, que mediante la rotura de todos los límites, la destrucción del cuerpo y por lo tanto de la humanidad, para enfrentarse al mundo, a la barbarie a la que era sometida la sociedad, en un mundo dominado por los poderes del Estado.

La sociedad no estaba preparada para este tipo de arte, y es por eso que es muy cuestionada, la sociedad se conformaba con retratos en un museo o galería, pero no querían aceptar ninguna crítica a la política, a las leyes e incluso a las religiones que rigen el mundo.

Es un arte de violencia es un arte descrito como “anárquico” es un Arte que tiene características estetas como lo grotesco, en los cuales el cuerpo sufría a diferentes condiciones físicas, que tenían un fin el cual era liberar al hombre. Ya sea mutilando alguna parte de su cuerpo, sacrificio de animales, masturbándose, llenándose de pintura, bañándose en sangre, haciendo orgias masivas, haciendo una crucifixión, vomitando, embarrando excremento este arte no tiene límite.

En el accionismo vienés, la influencia de Freud llevó a que la pulsión de las
fuerzas del inconsciente atravesara el sujeto utilizando el cuerpo como conducción física y camino de liberación. El cuerpo toma significación como idea artística y se transforma en un elemento subversivo que introduce nuevas energías en la expresión artística directa, inserta en la realidad, una forma de abolir la representación y salir del dominio de lo ilusorio para actuar en el ámbito de lo real. Günter Brus escribirá en sus diarios de 1960: “Mi cuerpo es la intención. Mi cuerpo es el acontecimiento. Mi cuerpo es el resultado”. Todo ello en un contexto de retorno a los valores del arte como experiencia inmediata que debe ser completada por el espectador y en el marco del surgimiento de los nuevos medios (fotografía, filmes y medios de comunicación).

El accionismo vienés hace patente esa lucha ideológica a través del cuerpo por romper la cadena de significantes instalados en ese sujeto. Un instrumento de ayuda para esa rebelión será la mirada regresiva a la Secesión vienesa y a su “pulsión de muerte”: la Viena de Klimt, Schiele y Kokoschka, de Freud y Wittgenstein. En esa rebelión del lenguaje les precedieron y acompañaron los poetas radicales del Wiener Gruppe (1954-1960).

A partir de la segunda mitad de los años 60 y de su participación en el DIAS (Destruction in Art Symposium) en Londres (1966) sus acciones fueron más radicales, menos íntimas y más públicas e impúdicas, inaugurando un arte de acción directa (Arte Directo), cuyo sentido se transforma en revolucionario, un ataque directo a los valores burgueses para su destrucción. Crean Zock (1967), (Zealous Organisation of Candied Knights), cuyas premisas conducen a una revolución total. Ya conocidos a nivel internacional, optan por un arte político y revolucionario, acorde con el nuevo paradigma ideológico que preparan el Mayo francés del 68, las revueltas estudiantiles en las universidades norteamericanas y los movimientos pacifistas, psicodélicos y comunales.

A pesar de que cada uno de estos artistas trabajaba sobre conceptos diferentes, compartían la misma visión estética y temática sobre el arte. Usaban el propio cuerpo como elemento central de sus obras, tal y como puede apreciarse en los títulos de una de las acciones de Brus, Cuerpo pintando, Mano pintando (1964), o en Degradación del cuerpo femenino, degradación de una Venus (1963) de Mühl y Nitsch. Este esfuerzo por transformar el cuerpo humano en superficie y producción de su propio arte, tiene sus raíces en el Body Art o en la Performance Art, movimientos que fueron llevados radicalmente hasta sus extremos por los accionistas vieneses. El significado de estas “acciones” unido al progresivo abandono de la pintura, teatro y escultura por parte de los accionistas, sirvió como definición subjetiva de la obra anti-artística.

Esta filosofía quedará reflejada en el “Manifiesto de la Acción Material” de Otto Mühl (1964), donde el autor escribe,

...de manera progresiva, la pintura se aleja cada vez más del uso de materiales tradicionales. El cuerpo humano, una simple tabla o una habitación pueden ahora servir perfectamente como superficies donde pintar. El tiempo es entonces agregado a la dimensión del cuerpo y el espacio.

La separación del artista del resto de la comunidad a la hora de su valoración ética y estética es una suerte de elitismo artificial. Muchos artistas e intelectuales modernos y contemporáneos han querido romper con las connotaciones clásicas de arte, con la idea de belleza o incluso de sublime, pero la verdad es que el artista sigue manteniendo ese aura como ser de una sensibilidad especial, que es capaz de enriquecer el desarrollo social porque logra, mediante su arte, poner de manifiesto las contradicciones del proceso histórico en el que nacieron y viven; consiguiéndolo ya que, además, tienen el talento para inventar lenguajes y formas de comunicación nuevos que les permiten ir más allá de los controles ideológicos y del peso de la cultura. En cierta forma son vistos, intencionalmente o no, como benefactores de la humanidad, supuesto similar del que disfrutaron los científicos hasta hace bien poco. Es normal, pues, que características como libertad, flexibilidad y espontaneidad sean no sólo deseables, sino necesariamente respetables en un artista. Pero este supuesto es un artificio y una construcción cultural, como tantas otras que ellos mismos critican.

Cuando el artista crea no sólo se presupone él inocente, sino que existe una presunción de inocencia desde la sociedad hacia el artista y hacia el arte. Hacia éste último porque, mientras no necesita legitimarse como tal desde hace muchas décadas, somos el resto los que debemos demostrar por qué no es arte. Mientras que al artista se le presupone inocente de intenciones, más allá de las propiamente artísticas, porque se le presupone consciente de su situación de actante en el mundo. En este sentido parecen estar más allá del bien y del mal, de tal manera que pueden abordar con su trabajo también lo moralmente inaceptable. Ésta libertad total sería, al perecer, lo que posibilitaría abrir zonas nuevas de pensamiento, visión, sensibilidad, etc. consiguiendo iluminar aquello que está en tinieblas. Así, el arte empuja los límites de lo establecido pero, con ello, los propios artistas trabajan al límite de lo socialmente permitido.

El accionismo vienés siempre ha generado debates polémicos en torno a los límites y a los abusos del arte. Actualmente, la mayoría de los que fueran representantes más destacados del movimiento trabajan de forma independiente en proyectos ajenos a la estética accionista, quedando sus obras como retrato de una de las épocas más radicales y extrañas de la historia del arte.

Con esta información previa acerca de este movimiento artístico tan polémico, cada persona tiene derecho de aportar su opinión, ya sea constructiva o destructivamente, el que decide es el espectador.

Este movimiento es Arte, porque cuenta con todas las cualidades para ser Arte, y lo avalo porque fue un cambio radical que marco la historia del arte, marcó nuevas tendencias y libero lo que se conocía como arte.

La sociedad estaba cerrada a solo aceptar una pintura cuadrada montada en un lienzo como Arte, y opino que muchas personas siguen pensando lo mismo en estas décadas.

Si las personas tuvieran la mente realmente abierta al arte, entenderían en qué consiste este movimiento o todos los demás movimientos de vanguardia.

Lamentablemente no todas las personas son capaces de entender la historia del arte, el arte de las vanguardias ni el arte contemporáneo, yo pienso que es porque a la sociedad le gusta lo fácil, lo que no se razona, lo que no se piensa, a la sociedad no le gusta pensar ni leer, quiere que todo esté al alcance de nuestras manos para no esforzarnos y eso nos está convirtiendo en una sociedad inútil.

El accionismo vienes es un movimiento muy importante y con educación previa es muy fácil de entender, no cualquiera se atrevería a hacer dichos actos, no cualquiera es capaz de exponer su cuerpo como un objeto de arte, admiro a todos los artistas de este movimiento que a pesar de que fueron perseguidos por la ley en su país, no cesaron de hacer este tipo de arte valiente, } pensado y tan profundo.

Creo que esto ayuda a mi formación artística, a defender lo que creo y a causar una reacción al espectador que sea inolvidable.

ARTE PROCESUAL

2011-06-02T10:23:00.000-07:00

Universidad Autónoma
De Baja California

Historia del arte IV
Prof. Roberto Rosique

Arte Procesual

Alumno: José Alfredo Sainz Castillo.joset132@hotmail.com

Mi ensayo hablara sobre el arte procesual, hare énfasis en 2 aspectos: el proceso de la obra y la obra ya finalizada. También mencionare datos importantes, como algunos de los artistas pertenecientes a este movimiento, fechas, obras, etcétera.

El arte procesual se origino en Estados Unidos y Europa casi al tiempo en que el minimalismo comenzaba a decaer, fue en 1968 cuando el artista Robert Morris publicó un artículo en el que se hablaban aspectos importantes de este nuevo movimiento y también lo defendía, algo que se mencionó en su articulo fue: “el uso de formas básicas como el rectángulo y materiales rígidos estaban totalmente demodé, en desuso, y planteaba materiales maleables en los que entrasen principios de la naturaleza como el peso y la gravedad para moldearlos” , así los daba a entender como una innovación por el uso de materiales que eran ajenos en el arte, o por lo menos nada convencionales, esos materiales fueron en su mayoría el fieltro, la cera y el látex (materiales que aun se siguen utilizando). Se puede relacionar el arte procesual con el dripping (goteaban), técnica creada por Jackson Pollock y también con el dadaísmo por la utilización del azar e improvisación. Fue una corriente artística en la que a diferencia de las demás, se considera también como obra el proceso mostrando el resultado solo como una prueba, aunque no sin menos importancia.
En 1968 por primera vez se expuso de forma importante con artistas pertenecientes a este movimiento en el museo, después de esta exposición se menciono lo siguiente sobre los materiales que utilizaban: “Usando estos elementos, crearon formas excéntricas en disposiciones erráticas o irregulares producidas por acciones como cortar, colgar y gotear, o procesos orgánicos como el crecimiento, la condensación, el congelamiento o la descomposición.” (Morris) y debido a los materiales y procesos muchas de las obras eran efímeras, creo que esto de alguna forma les daba vida porque solo existían en su verdadera forma por un tiempo limitado, entonces esto podría ser considerado como una muerte.

“Toda la sociedad artística neoyorquina aplaudió estas dos intervenciones artísticas y la antiforma se consolidó como una nueva forma artística dentro del postminimal.”

Creo que la gran aportación e innovación aparte de las técnicas y materiales utilizados en este movimiento, es el hecho de que se considere como obra el proceso de creación, esto incluye la obtención de objetos, la creación de la obra (ensamblaje o manipulación directa), búsqueda y relación de datos para la justificación, etcétera. Entonces, al ser así, pienso que la obra se extiende mas, porque hasta ese tiempo todo era ver la obra y ya, y con el arte procesual no se limitaba a eso, estaba también el hecho de saber la creación, la forma en que se daba a conocer el proceso fue convirtiendo las galerías en sus talleres y la exposición consistía en entrar a ver eso, el proceso. Considero esto un aspecto positivo porque pienso que el proceso de creación es igual de importante que la obra finalizada porque es ahí donde esta el acto (pensamiento y movimiento), la obra finalizada es solo la representación de ese acto, es un complemento o resultado, entonces tienen la misma importancia, no hay una que pueda existir sin la otra. Pero creo que de alguna forma también es negativo, porque cuando se ve una obra, existe un misterio al no saber que son los materiales, como se utilizaron y de que forma trabaja el artista, entonces al ya conocerlo todo, ese misterio ya no existe y ya no nos cuestionamos sobre esa parte, pero si el proceso es considerado también como obra es lógico y creo hasta obligatorio que se muestre, así se le esta dando también esa importancia que ellos le dan. A pesar de ese aspecto negativo que yo encuentro, me agrada bastante porque también considero el proceso de una obra como arte, creo que es ahí donde esta la esencia del artista.

Otro aspecto importante es la importancia que se le da al tener una relación con el material, por esto me refiero a sentirse bien con el al utilizarlo, a esto se le llama valor psíquico, así de esta forma se da a conocer un estado de ánimo en el artista al momento de crear y así la obra es mas sincera.
Entre los artistas más importantes del arte procesual se encuentran: Lynda Benglis, Chris Drury, Eva Hesse, Bruce Nauman, Christopher Le Tyrell, Robert Morris, Alan Scarritt, Tim Semple, Richard Serra, Keith Sonnier y Franz Erhard Walther, no todos pertenecieron siempre a este movimiento pero en algún momento trabajaron siguiendo esta tendencia.
El arte procesual esta bastante relacionado con el arte ambiental, no tanto en su temática pero si en su forma de trabajo y en los materiales, ambos son nobles con el ambiente, utilizan en gran parte materiales de la naturaleza, y debido a los materiales que utilizan, muchas de sus obras suelen ser efímeras.
Creo que muchas otras formas de arte podrían ser consideradas en parte como arte procesual, en especial las que son actos, como el performance o el happening, pienso esto porque en esto no se esta creando un producto final, se están mostrando acciones, eso es la obra.
En conclusión creo que el arte procesual fue un conjunto de grandes aportaciones, tomó como influencia elementos de movimientos anteriores para crear una nueva forma de arte. Creo que algo importante en el arte es la sinceridad y la sinceridad se encuentra en el acto, la obra finalizada solo lo representa, entonces al ver el proceso de creación, nos muestra esa sinceridad.
Referencias:

(http://artescontemporaneos.com/morris-y-la-antiforma-process-art/ revisado el día miércoles 1 de junio)
(http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_procesual revisado el día miércoles 1 de junio), (http://artescontemporaneos.com/morris-y-la-antiforma-process-art/ revisado el día miércoles 1 de junio).

apropiacionismo

2011-06-02T10:22:00.000-07:00

Universidad Autónoma de Baja California
Historia del arte cuatro
Mtro. Roberto Rosique
“Apropiacionismo”
Renée Toledo Bouvet. bouvet_21@hotmail.com

A finales de los años setenta y principios de los años 80, se dio en Nueva York una nueva corriente artística llamada: Apropiacionismo. Esta novedad estaba grandemente influenciada por el conceptualismo, pues la justificación de su obra tenía (en muchas ocasiones) mayor peso que la misma pieza, sin embargo, era de vital importancia sostener esta justificación con un producto, ya sea pintura, escultura, fotografía, video, performance, etc.

Antecedente
El nombre con el que se bautizó el movimiento, fue otorgado por el crítico Douglas Crimp, quien fue uno de los asistentes a la exposición “pictures”, donde este conocedor del arte, pudo darse cuenta de que lo que se estaba planteando por los artistas participantes en la presentación colectiva, parecía salirse del contexto artístico de la época, viéndose en la necesidad de catalogar de algún modo las obras.
Aunque más tarde, este mismo critico publicó en la revista “the photographic activiti of postmodernismo” que la fotografía era la única alternativa a la pintura en el marco de la postmodernidad-http://www.slideshare.net/skylat/el-apropiacionismo/pag.dos/01jun11, pues el sustentaba fuertemente su creencia de la presencia del recurso fotográfico como el sustituto a la pintura.
Se puede ver claramente en Douglas Crimp el rechazo personal hacia la pintura y, a consecuencia, también se oponía a los practicantes de esta, en especial a los neoconservadores, que solo seguían fomentando limites dentro del arte, mismos limites que el formalismo de las corrientes del pasado habían acabado con la posibilidad de muchos de coinvertirse titularmente ( esto considerando que ya eran productores de arte, mas no eran reconocidos como tales), sin tener el privilegio de gozar de los frutos de los que otros pudieron vivir, ya que era hasta su muerte cuando se martirizaba al difunto y adquiría la popularidad que los llevaba a la fama después de la muerte.

Junto con el apropiacionismo se dio un nuevo giro a la pintura, donde se le prestaba atención nuevamente, no por la técnica en sí, más bien por el potencial de esta, poniendo un nuevo énfasis en las imagen y el impacto que esta pueda crear o narrar.
Esta nueva visión del arte, abarcaba mucho espacio en el cual el productor podía explayarse, pues la apropiación puede mostrarse con varias caras. Como la técnica consiste en disponer de otras imágenes ya establecidas para plantearlas de forma diferente, se podía simplemente transportar dicha imagen a una técnica diferente. Un caso muy recurrente que ejemplifica lo anterior dicho, es la recreación del escenario creado en la pintura, con modelos y objetos que permitan el hacer un registro de la situación por medio de la fotografía; el resultado es el mismo, pero con materiales de trabajo muy alejados el uno del otro.
No nomas se ve esta reutilización en casos donde el referente fuese pintura, también se daba el pasar lo percibido de la realidad a lo manufacturado, o en otros casos, el tratar de generar la sensación producida al ver la obra de alguien más (como una forma de desahogo) y sacar este sentir por medio de lo gestual, cayendo en el performance.
Otro modo de apropiación es el de tomar un objeto tal cual, y cambiar el concepto de este, remitiéndonos inmediatamente a Duchamp (claro antecesor de esta corriente) como lo hacía Sherrie Levine, cuyo trabajo consistía en fotografiar la imagen de la obra de un artista masculino y exponer el resultado de esto en la galería como suyo por el hecho de tener una propuesta diferente y, a consecuencia, cambiando lo que la imagen presentada solía transmitir al espectador.
En el caso de la anterior mencionada, lo que buscaba demostrar, era el papel de la mujer dentro de la historia, en a cual no se le daba ningún tipo de reconocimiento, y solo era tomada en cuenta para reproducir o ayudar a producir lo que el hombre artista deseaba.
Otro de los grandes representantes del apropiacionismo es Troy Breuntuch, quien llevaba una serie de trabajos en los que utilizaba imágenes comunes dentro de la historia, al a verse vuelto tan populares por el impacto que causaba en el publico, (entre estas de Hitler), que transformaba con un método que producía una desfragmentación, dejándolas casi irreconocibles y de difícil lectura para el espectador.
Uno de los artistas que marcaron este género, y digno de mencionar, es Robert Longo que, con un procedimiento más original, sustraía partes de filmes en los que aparecían hombres acribilladlos y, tomando solamente de la escena al personaje, lo plasmaba a blanco y negro en el lienzo, transformando la recepción de la pintura, haciendo que la lectura lleve a pensar que el hombre pintado esta danzando, sin saber que en el contexto original este individuo estaba siendo asesinado a sangre fría.

Bibliografía
http://www.slideshare.net/skylat/el-apropiacionismo primero de junio del 2011
http://historiadelartecuatro.blogspot.com/2009/05/apropiacionismo.html primero de junio del 2011

LAND ART

2011-06-02T10:13:00.000-07:00

Historia del arte IV
Prof. Roberto Rosique

Land art
Alumna: Sheila Yaneth Franco Esquivel
Materia: Historia del arte IV
Grupo: 241

En el siguiente trabajo pretendo hacer un análisis sobre lo que fue el land art y qué proponía. Hablaré un poco sobre quiénes fueron sus principales exponentes y qué fue lo que hicieron. Por último, analizaré si el land art logró hacer lo que esperaba y cumplió con lo que pretendía.
Land art, que puede ser traducido como “arte de la tierra”, utilizaba la naturaleza como soporte, o usaba materiales naturales. Las obras son, por lo general, efímeras, pues son sometidas a la erosión, la lluvia y los procesos naturales de la tierra, por lo que, de muchas de ellas, sólo ha quedado el registro fotográfico. El principio fundamental del land art fue: “alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra.” (http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_landart/1.htm. Revisado el día Miércoles 1 de Junio de 2011)
Se desarrolló entre las décadas de los años sesenta y setenta, principalmente en Estados Unidos y Europa. El land art habla sobre la relación del hombre con la naturaleza, e interviene el espacio y el paisaje; las intervenciones más imponentes de este movimiento son conocidas como “earthwork”, lo que puede traducirse como excavaciones. El paisaje juega un papel cada vez más determinante en el trabajo artístico.
Los artistas de este movimiento buscaban alejarse de lo que venía siendo la comercialización del arte, y alejarse también de los espacios de exposición tradicionales, como lo son los museos y galerías, llegando, de esta forma, a los lugares abiertos, públicos y naturales. Las obras monumentales (earthwork) eran colocadas, por lo general, en lugares apartados ―como desiertos, una isla, campo abierto―, alejados de la vista del público.
Los trabajos de esta corriente interactúan con el medio ambiente de una manera directa, pues modifican el espacio. El paisaje, muchas veces, dicta qué hacer.
Estas obras, en algunas ocasiones, pueden ser consideradas como un cruce entre escultura y arquitectura: “El Land Art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico pero siempre bajo el imperativo artístico, con la naturaleza” (http://es.wikipedia.org/wiki/Land_Art. Revisado el día Miércoles 1 de Junio de 2011), pues al intervenir un espacio, lo convierten o modifican haciendo un mundo que requiere del análisis por parte del espectador para la comprensión de la obra. Además, el land art está también inspirado por la arquitectura antigua o los sitios sagrados del pasado, tales como Stonehenge.
Para que el artista pueda modificar el paisaje, es necesario que entienda y analice el lugar donde realizará su obra. Tiene que compenetrar con este, comprenderlo mucho más que el sólo observarlo. Con este movimiento, el artista deja su huella en la naturaleza y modifica el espacio al crear un nuevo paisaje.
Los materiales que se encuentran con mayor frecuencia son: madera, tierra, piedras, arena y roca. Los representantes de este movimiento usan el mínimo de recursos expresivos; usando pocos elementos logran reflexiones profundas sobre la relación que existe entre el ser humano y la naturaleza.
Los representantes más conocidos de este movimiento es la pareja formada por Christo y Jeanne-Claude. Son un matrimonio que realiza instalaciones de land art. Se caracterizan, principalmente, por envolver grandes espacios públicos utilizando tela. Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada "Running Fence", en la comuna francesa de Marin en 1973. “Los trabajos temporales, ambientales y de gran escala (tanto rurales como urbanos) tienen elementos provenientes de la pintura, escultura, arquitectura y planificación urbana.” (http://www.ritnit.com/2008/02/05/christo-y-jeanne-claude-1935/. Revisado el día Miércoles 1 de Junio de 2011)
Walter de Maria es un escultor estadounidense nacido en 1935. Los materiales utilizados para construir sus piezas son materiales metálicos pulidos, como conductores de energía, junto a complejas estructuras matemáticas. Dos de sus obras más importantes son: Vertical Earth Kilometer y Lightning Field; ambas obras realizadas en 1977, en el lugar y tienen una gran expresividad y carácter monumental.
James Turrel es un artista estadounidense nacido en Los Angeles en 1943. Este “artista de la luz”, ha creado algunas de las obras más famosas y conocidas del arte actual. Sus obras son, generalmente, espacios llenos de luz con un gran percepción de lo que se está viendo.
Dennis Oppenheim fue un artista estadounidense (Washington, 6 de septiembre de 1938 – Nueva York, 22 de enero de 2011) muy importante para el movimiento de land art. Fue uno de los pioneros en intervenir el paisaje para acercarlo a la medida del hombre.
Richard Long fue un artista británico nacido en 1945. Realizó esculturas geométricas simples, usando materiales naturales recogidos en sus paseos por el campo. Richard Long tiene sensibilidad y respeto por el territorio sobre el que trabaja, como todos (o casi todos) los artistas del land art. Lo que mejor define su trabajo es el acto de caminar. En su obra no hace instalaciones, ni produce grandes cambios en el paisaje, simplemente deja su huella.
Una de las intenciones del land art era la de alejarse de la comercialización del arte y de los espacios de exhibición. Sin embargo, esta idea parece un tanto utópica, pues es inevitable llegar a ese punto.
Si bien sus obras eran realizadas en espacios abiertos, el registro fotográfico era exhibido o vendido a los coleccionistas, así como los bocetos previos, o dibujos de sus obras. De esta forma, los artistas seguían dependiendo de la comercialización y de las galerías o museos, a pesar de desviar el arte hacia lugares nunca antes explorados.
Este movimiento fue muy importante para el mundo del arte pues fue la primera vez que los artistas se salieron de los espacios de exhibición para empezar a hacer arte en espacios abiertos. Su idea original fue buena, a mi parecer, sin embargo es difícil alejarse por completo de la comercialización, pues también (y por desgracia) necesitamos del dinero y del reconocimiento.

J.M.BASQUIAT

2011-06-01T14:14:00.000-07:00

JEAN – MICHAEL BASQUIAT
GUILLERMO ECHEVESTE. echeveste108@hotmail.com
HISTORIA DEL ARTE IV
PROF.ROBERTO ROSIQUE
MAYO 2011

SAMO (same old shit ), es justo la frase que describiría a este artista neoyorquino, frase que pintaba en graffiti en las paredes de Nueva York, como también refleja su estilo de vida y su obra, que es una muestra de su tiempo y del contexto: Nueva York, específicamente en Brooklyn en donde nació en 1960. Hijo de un contador haitiano y una diseñadora gráfica puertorriqueña, que se divorciaron y por tal motivo tuvieron que mudarse constantemente. Estudió en una escuela católica privada, posteriormente en una escuela pública y finalmente, a los 16 años, ingresó en la City-As-School, centro escolar para adolescentes superdotados, de donde lo expulsaron, por rebeldía, un año antes de graduarse. Creándole un estilo de vida en constantes cambios, vivió por algún periodo de tiempo en Puerto Rico, después regresó a Nueva York, en donde a los 17 años dejó su hogar a cambio de las calles.
En estos días se habla mucho del efímero arte callejero, el cual se ha sobre expuesto en los medios en los últimos años lanzando al mercado infinidad de nuevos artistas que por fin han encontrado el modo de ubicar su estética y conceptos en las sociedades consumistas del primer mundo, quedando muy pocos realmente comprometidos con la calle y con la esencia contestataria y guerrillera de usar las paredes como lienzo. Existen infinidad de galerías especializadas, creadores trabajando para las grandes firmas, incluyendo sus obras en ropa, objetos de colección, posters, tecnología, juguetes, viviendo el ideal de muchos de no sólo subsistir con el arte sino también hacer empresa.

Mantuvo un estilo de vida en las calles de aventura urbana, en contacto con las subculturas, las drogas, las pandillas de jóvenes inconformes con el sistema y escasos de oportunidades, quienes a través del el grafiti, se expresaban pintando en los vagones del metro, edificios abandonados y muros. Frecuentaba el Soho, barrio en donde las galerías de arte proliferaban y será ahí donde Basquiat de alguna manera tuvo contacto con el arte y por supuesto por influencia de su madre a través del diseño, los colores.
Cuando abandonó su casa y vivió en edificios abandonados, su medio de manutención fue creando camisetas y postales y vendiéndolas en las calles, el grafitti le dio la oportunidad de poder expresarse y desarrollar su particular estilo, catalogado dentro del Bad painting y el Neoexpresionismo. Logró exponer con artistas de la Transvanguardia italiana. Las pintas que solía crear estaban cargadas de poesía y pensamientos filosóficos, como de un toque satírico contra la sociedad y las religiones, que desde su visión controlaban las mentes de la humanidad y detenían el desarrollo del ser humano.
Los murales que pintaba llevaban inscripciones como las de *SAMO salva idiotas * ó *SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, La política de la nada y la falsa filosofía*. Fue en un reportaje en The Village Voice el primer indicio en que el mundo del arte se interesaba por él.
Pero fue en 1980, siendo aun un vagabundo, cuando empezó a dedicarse a la pintura, J.M Basquiat poseía cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino”.

En 1982 se inicia para Basquiat un verdadero camino hacia el éxito: se multiplican sus exposiciones individuales y colectivas. En 1982 es incluido en la exposición Transvanguardia: Italia/América con artistas neoexpresionistas de la talla de S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi. Ese mismo año participa en la exposición organizada por Diego Cortez, presentada en la Galería Marlborough de Nueva York, titulada The Pressure to Paint, junto con otros artistas como G. Baselitz, S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi, M. Disler, R. Fetting, K. Haring, y J. Schnabel, entre otros. Al año siguiente (1983) participa en la Bienal del Museo Whitney de Nueva York junto a los emergentes representantes del arte apropiacionista, los nuevos expresionistas, y otros graffitistas como K. Haring.

En 1986 Basquiat viaja a África y expone en Abidján (Costa de Marfil). En noviembre de ese mismo año realiza una gran exposición (más de 80 obras) en el Museo Kestner-Gesellschaft de Hannover, convirtiéndose, con 25 años, en el artista más joven que exhibe en ese museo. En 1988 se instalan exposiciones en París y Nueva York, y en abril de ese mismo año trata de abandonar sus adicciones y se retira a su casa de Hawái. Vuelve a Nueva York en junio, anunciando que se ha liberado de las adicciones, pero el 12 de agosto de 1988, a los 27 años, muere por sobredosis de heroína, convertido en el artista visual negro más exitoso en la historia del arte afroamericano.

Una de las grandes polémicas que envuelva a este artista, es que se cuestiona su calidad como *artista*. Al no haber pasado por una academia propiamente dicha, esto para algunos no lo hace válido, pero es justamente su arte y su obra la que hablan por él, es el artista posmoderno, desilusionado de las promesas de la modernidad y el *stablishment,* un chico negro y latino, adicto además, que deambula por las calles de la urbe mas polifacética del mundo de los años 70*s y 80*s. Es el reflejo de la decadencia de esa sociedad, artista talentoso, por fortuna es descubierto por las personas indicadas, para que el logre ser reconocido, contrario a otros que nunca podrían haber demostrado sus cualidades el fue capaz, manteniendo su personalidad, rebelde, anarquista y buscador de respuestas, que con el arte logró captar su visión, su realidad del mundo y sobre todo, de su tiempo. Supo reencontrar el arte de las calles con el gran mercado del arte de las elites.

Había una vez un Principito que tenía una preciosa corona. Un brujo malo y envidioso lo encerró en una torre, de donde no podía salir. El niño se encaramaba a lo alto de la torre y daba cabezazos contra los barrotes para que le oyeran y vinieran a liberarle. No le soltaron nunca y murió allí en la torre, pero el ruido que hacía con la corona y que abarcaba kilómetros y kilómetros era un sonido tan hermoso, que desde todos los lugares los hombres se paraban a escucharlo, tendiendo las manos hacia el viento o intentando recogerlo en sus brazos, tal era su belleza… J.M. Basquiat

Bibliografía..
Benedikt taschen (2010) Arte del siglo XX. Edit. Taschen España

INTERNET
www.masdearte.com
www.wikipedia.com

ABSTRACCION EXCENTRICA

2011-06-01T08:13:00.000-07:00

abstraccion excentrica

por kARLA Adrina SáNCHEZ DEL ríO. ylonendr@hotmail.com

Se abordara el movimiento post minimalista de la década de los 60´s mejor denominado como abstracción excéntrica, ya que a la par se derivaron del minimalismo diversas tendencias.
Los inicios de este nuevo movimiento se presentan en 1966 para ser mas exactos en una exposición comisariada por Lucy R. Lippard, en Nueva york, a la que llamó Exentric abstracción y de ahí se derivó el nombre de este movimiento, se le denominó así por el uso de materiales al que este recurre, al igual que la composición y las formas extrañas.
Comenzaremos por definir el minimalismo pues el movimiento a tratar se revela en contra de este y busca algo innovador y nuevo, el minimalismo : ´´es una corriente predominantemente conceptual y tiene como forma de expresión el orden y la repetición de estructuras simples, geométricas por lo general producidas en serie, y basadas en el módulo cúbico o prismático y sus posibles variaciones, centrando la atención en los aspectos donde se juega con la función y el espacio, en lo que a arquitectura y pintura se refiere, intentando condensar en escasos elementos sus reflexiones y principios artísticos.´´ (1)
En cambio la abstracción excéntrica se define como un movimiento experimental e inclusive con elementos del surrealismo pues escudriña en el subconsciente, refleja en las obras el interior del artista aun que esta no sea su intención, en el aspecto formal observamos que innovó con el uso de distintos materiales tales como la fibra de vidrio, látex, vinilos etc.
1. consultado en la red el día 30 de mayo del 2011 desde : http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/minimalismo.htm

arte conceptual

2011-06-01T08:10:00.000-07:00

Arte conceptual
América García Chavarría, amerikitalabonita@hotmail.com

Es un movimiento artístico el cual se originó a mediados de los sesenta, como reacción en contra del formalismo de las academias, aunque generalmente es frecuente encontrar y reconocer a ciertos personajes de la historia del arte como precursores inmediatos a Marcel Duchamp (1910-1920), Jonh Cage, Robert Rauschenberg, Jasper Jonhs, Yves Klein, Piero Manzoni, quienes mediante una serie de intercambios culturales debido al contexto en el que se desarrollaron entre Europa, Estados Unidos y Japón, compartieron intereses similares hacia lo efímero, lo inmaterial y desde luego aquello que era poco convencional lejos de los recursos formales.
El arte conceptual se fundamenta esencialmente en las ideas contenidas en una obra, ya no como el soporte de un objeto, sino, ellas mismas son el objeto, la obra de arte. Se considera que Marcel Duchamp dio a los artistas conceptuales la pauta a seguir acerca de las primeras obras basadas en conceptos y realizadas generalmente con objetos de dominio común.
La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Es pues, el arte conceptual una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales hacia los cuales el público esta ampliamente invitado a compartir con el artista.
Se posiciona a si mismo claramente contrario a la sociedad de consumo y a la burguesía, ya que no se considera que la obra sea de nadie, ya que no es en sí un producto tangible, es puramente la idea la que cuenta como obra. La realización de objetos es algo superficial, ya que todo se encuentra de antemano previsto en los planteamientos y decisiones del artista conceptual.
Sin embargo, habitualmente, dentro del arte conceptual son empleados algunos recursos visibles para representar en ellos o mediante ellos, dicha idea concebida originalmente. Si bien, se valen de métodos inusuales y diversos, de igual forma los materiales utilizados, entre los más comunes podemos encontrar a la fotografía, mapas, videos (video arte), animaciones, sonidos, grabaciones, iluminación cromática, actos en público (performance), variaciones en la naturaleza (land art), graffiti, arte interactivo, el arte Internet y un conjunto de elementos no convencionales.
Desde su aparición ha despertado controversia, caracterizado por el empleo de medios no tradicionales, su difícil comercialización y su carácter efímero; aunque con el paso de los años ha sido aceptándose poco a poco de una mejor manera y cobrado tanta validez en las escuelas, que se le han abierto espacios a estas manifestaciones artísticas.
Generalmente, al presentar este tipo de obra, se reduce todo a una serie de registros, documentaciones e instrucciones, que posibilitan la comunicación de la sociedad o espectador con el objeto utilizado.
Estos mismos recursos son utilizados frecuentemente para explicar los eventos sucedidos dentro o fuera de los museos, ya que por su carácter efímero esencialmente, no es posible preservar estas obras de alguna otra forma.
El arte conceptual tiene muchas lecturas y una infinidad de significados, por eso existen muchos artistas que han descrito su punto de vista en cuanto esta manifestación del arte entre ellos Sol Lewitt, quien plantea que en este tipo de arte, la idea es la parte más importante en un trabajo. La idea se convierte en la maquina que hace el arte.

REDUCCIONISMO

2011-06-01T08:06:00.000-07:00

REDUCCIONISMO
Mariel Abarca. mariiel_abarc@hotmail.com

El arte minimalista se manifiesta por primera vez en los Estados Unidos en la década de los sesenta. Y surgió como respuesta al Expresionismo Abstracto. El término “minimal” lo utilizó por primera vez el filósofo analítico británico Richard Wollheim en su ensayo de 1965 Minimal Art, donde calificaba como tal a las pinturas monocromáticas de Ad Reinhardt y a objetos de alto contenido intelectual pero de poco contenido de manufactura.
La frase “Menos es más” del arquitecto Mies van der Rohe, se tomo como precepto base para este movimiento. Ya que lo que buscaba este era reducir a lo esencial, librándolo de lo que para ellos sobraba en una obra.
Un antecedente que considero importante es el suprematismo de Malevich, ya que se trató de un arte sin función utilitaria y que utilizó formas puras. Estas entre otras, son precisamente características del minimalismo. En la mayoría de los trabajos de Malevich podemos encontrar únicamente figuras geométricas, tal como lo hicieron artistas minimalistas. Hay una pieza de Malevich en particular que por su superficie monocromática libre de texturas, me remite al minimalismo inmediatamente, es la de Cuadrado negro sobre fondo negro.
Creo que el minimalismo dejo muchas aportaciones importantes como la de liberarse del caballete y sobretodo de las bases en la escultura. Se ven instalaciones de gran tamaño y en materia prima industrial, debido a esto el artista deja de ser el productor de su obra y se vuelve en algo así como el productor de la idea y el diseño de esta.
Las instalaciones presentadas en galerías, al mostrarlas desmontadas, el espacio en el que estaban también iba a jugar un papel muy importante, tanto que el diseño de su obra tenía que ser pensando en el lugar donde iba a ser expuesto. El espacio complementaba la o las piezas. Y digo piezas porque fue en este movimiento también donde se dio inicio a la seriación. Sus piezas geométricas eran simples, monocromas y se repetían exactamente iguales cada una. Me pareció muy interesante el hecho de repetirlas porque anteriormente se habían hecho piezas únicas, y adquirían cierto valor, y esto hacia que el artista también se le elevara. Pero el que el artista solo fuera el diseñador de la obra y otro fuera el que la hiciera, había cierto alejamiento del artista con su obra y esto lo hacía más impersonal.
Un movimiento que veo contrario a este es la Bauhaus quien su propuesta era que la forma siguiera a la función. El minimalismo no le buscaba ninguna función a la forma.
Algunos artistas de este movimiento fueron Donald Judd, Carl Andre, Sol Lewitt; quien habla de la importancia de la idea, Dan Flavin; utilizo luces de neón, nunca antes utilizadas en galerías, donde simplemente las colgaba (seriación) en la pared o simplemente varias de colores en el piso, y Robert Morris en la pintura.

LAND ART

2011-06-01T08:02:00.000-07:00

Historia del Arte IV
Prof. Roberto Rosique
30 de mayo de 2011
Land Art
Daniel García Piñeiro. boejack@hotmail.com

En el siglo XX en la década de los setenta un grupo de artistas norteamericanos y europeos empezaron a trabajar con el medio ambiente y sus recursos naturales, es decir que utilizaban el paisaje en vivo como su lienzo o soporte. Es clasificada como una corriente artística contemporánea y se le denomino como Land Art (arte terrestre), ya que su propósito elemental de este arte es alterar el paisaje e interviniendo la tierra.
Por lo general el Land art es un arte efímero, nunca sobre vive al paso del tiempo y va desapareciendo lentamente por cuestiones climáticas, erosiones del terreno o rara vez el mismo artista decide deshacer la obra una vez de haberla registrado. Lamentablemente para el espectador este tipo de obra es imposible exhibirse en galerías o museos, puesto a que sus proporciones son monumentales y se encuentran en lugares difíciles de acceder; lugares fuera del alcance del espectador tales como montañas, desiertos, islas, ribera de algún lago, bosques, etc. De esta manera, y por decisión del artista, el Land arte evade la comercialización de las obras y queda totalmente independiente de museos o galerías, rechazando los espacios institucionales, cerrados o privados. El único medio para dar a conocer la obra es a través de registros fotográficos y fílmicos que estos si son expuestos en galerías y museos.
“Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.”( Wikipedia, 2011).
Pienso que se trata de un trabajo en colaboración mutua, el artista trabaja junto con el medio ambiente como el medio ambiente trabaja con el artista. El artista hace su obra y la construye alrededor del medio ambiente pensando en las posibilidades y beneficios que este le ofrece a su trabajo, pero también la obra del artista tiene que estar diseñada para interactuar con el medio ambiente ya que es un objetivo modificar ligeramente el paisaje.
El Land art usa mucho los factores de simplicidad, sus características en dibujo casi siempre son básicos como líneas rectas, círculos, zigzag, cuadrados, la cruz y hasta a veces laberintos, aunque lo que más se utiliza es el espiral. Por ejemplo, una de las obras que más destaca en esta corriente es “spiral Jetty” (1970) del artista Robert Smithson, que consiste precisamente de un gran espiral hecho de rocas, barro, cristales de sal en suspensión y rodeado de las aguas de la costa del Gran Lago Salado en el estado de Utah, Estados Unidos.
El artista Ingles Richard Long destaca por trabajar tanto en el medio ambiente como en lugares cerrados, y lo que hace es extraer materiales naturales y las lleva hasta el museo o galería donde presentara su obra y la instala ahí mismo.
Andy Goldsworthy, otro artista del Land art, tiene una técnica muy peculiar para trabajar. Jueaga mucho con los colores que los escenarios naturales le proporcionan, utiliza rocas, hojas de árboles, ramas, flores, frutos y los acomoda en el suelo en orden cromático a su color logrando un gran efecto visual, diseña figuras muy artísticas muy atractivas y coloridas. Su discurso de Goldsworthy habla de cómo la misma naturaleza invita al espectador a admirar su belleza artística
Uno de mis artistas preferidos en Land art y con mayor fama mundial es el artista Christo. En su trabajo, Christo junto con su esposa Jeanne-Claude, idean proyectos muy complejos de realizar, pero a la vez son ambiciosos y espectaculares. Para realizar uno de sus proyectos para por un proceso muy largo de reclutar cientos de voluntarios, convencer a ecologistas, obtener millones de dólares de financiamiento y conseguir complicados permisos por parte de autoridades locales, nacionales, propietarios, y además se asesora de expertos en flora y fauna para no afectar la naturaleza.
A pesar de trabajar en el campo de Land art, Christo trabaja en escenarios urbanos y naturales. Su trabajo se le reconoce por sus envolturas gigantes de edificios históricos como el Reichstag en Alemania, pero uno de mis favoritos son las islas rodeadas de miles de metros de tela rosa, en la Bahía Vizcaína de Miami. La inmensidad de su trabajo es muy impresionante, sus intervenciones en el paisaje son majestuosas y me agrada que crea la ilusión de infinito, como por ejemplo su obra de los “Paraguas” en Japón y California. Aun que sea yo un admirador de su trabajo, se me hace absurdo, innecesario, y un desperdicio de dinero invertido en sus proyectos, Christo cree que una buena parte del logro artístico de su obra es el gran esfuerzo comunitario que logra congregar.
En conclusión el Land art representa la relación entre el hombre y el medio ambiente, una relación que refleja el amor que le tiene el hombre a la naturaleza, pero a la vez esta relación refleja también los conflictos que existen entre ellos, al sobre explotar sus recursos y la destrucción de su habitad. El land arte crea una reflexión sobre este conflicto que siempre ha existido desde la aparición del hombre en la tierra. Nos muestra la interacción entre el arte creado por el hombre y la belleza artística natural del medio ambiente, la transformación de sus paisajes, sin alteraciones dañinas, ni mal uso de recursos naturales que sin duda la convierten en una tendencia artística muy contemporánea y muy poética.
Fuentes:
Itzel Rodríguez /http://es.wikipedia.org/wiki/Land_Art - 30 de mayo de 2011
http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_landart/1.htm - 30 de mayo de 2011
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7810&Itemid=8 - 30 de mayo de 2011

LA ABSTRACCION EXCENTRICA Y SU ESPACIO DENTRO DEL ARTE MODERNO

2011-06-01T07:58:00.000-07:00

Irving Ariel Contreras Espinoza. irving1238@hotmail.com
La Abstracción excéntrica y su espacio dentro del arte moderno
La abstracción excéntrica nació a partir incursionar con nuevos materiales dentro de la escultura, materiales exóticos y extravagantes que traían consigo un sensualismo y color que no había sido exploraros antes por la escultura. Y de esta experimentación se desarrollaría la escultura moderna, una en la cual los pedestales no son necesarios y los materiales son bastos e innumerables. Aunque estas propuestas ya habían sido exploradas antes por el minimalismo y el process art , es en la abstracción excéntrica donde estas nociones se establecerían en un nivel mas elevado. También ayudaría a la incursión de materiales nuevos en el entorno escultórico como la fibra de vidrio.
Los artistas mas identificables con este movimiento y los que tuvieron la exposición llamada abstracción excéntrica en New York en 1966 por la cual se le daría nombre al movimiento fueron Eva Hesse, Bruce Nauman y Louise Bourgeois la cual fue su artista mas reconocida. Bourgeois fue una artista Francesa nacida en el año de 1911, que trabajo con un sensualismo en sus esculturas hasta los últimos años de su vida, basta con fijar la mirada en algunas de sus piezas para notarlo como es el caso de su escultura Fillete de 1968, la cual asemeja a un pene erecto y aunque es utilizada la figuración en esta pieza esta no se aleja de ser adjudicada a la abstracción excéntrica dado el uso inusual del material, latex. Otro de los artistas mas importantes de este movimiento es sin duda Yayoi Kusama, artista japonesa nacida el 22 de marzo de 1929 es la artista femenina viva mas reconocida dentro del arte mundial en la actualidad. Su trabajo gira alrededor de la idea del punto el cual ella aborda de forma obsesiva, en algunas de sus piezas son repletadas de puntos lo cual hace fácilmente identificable su trabajo. La parte mas importante del trabajo de Yayoi Kusama se encuentran en sus esculturas e instalaciones son estas por las que se logro su reconocimiento, instalaciones inmensas que abarcan cuartos enteros con colores seductivos y sus característicos puntos, estas obras poseen un poder de impacto inmenso dado su tamaño y la manera en que utiliza el color. No se puede negar el talento de Yayoi Kusama como artista después de haber visto una de estas obras que inundan la vista de una sensualidad palpable
La abstracción excéntrica ejecuto arte nuevo, la abstracción de sus esculturas no se había realizado antes, esta no era una abstracción como la de los minimalistas, esta era una abstracción llena de textura, color y forma. Era una abstracción llena de elemento en esa manera se alejo del arte minimalista, a los que se oponían a materiales con textura, con colores y formas amorfas. Ellas no buscaban la industrialización de sus objetos y que esto pudieran ser hechos por maquinas como los minimalistas , sus piezas eran completamente individuales, amorfas y sensuales.
Es fácil entender la magnitud de este movimiento en la cultura al ser Yayoi kusama una abstracta excéntrica la artista mujer mejor valorada de nuestros tiempos por el mercado del arte, su trabajo a sido expuesto por la mayoría de las galerías y museos importantes del mundo. También es el caso con Louis Bourgeois quien alcanza una consolidación como artista aceptada universalmente, sus esculturas ahora son puestas en lugares importantes y respetables. La abstracción artística fue el vinculo para que la escultura moderna tuviera la libertad que hoy tiene, y puede ser catalogado como un movimiento feminista aun sin este quererlo dado que abre y sitúa a las mujeres en un lugar importante en el mercado artístico que no habían tenido hasta la fecha con tal importancia.
Este movimiento ayuda a la consolidación de la mujer como artista de vanguardia, lugar que no a abandonado desde entonces. Este fue un movimiento liderado por mujeres las cuales fueron de los artistas más importantes del arte moderno. Claro que había mujeres desde siglos atrás que tuvieron un papel reconocible en las artes, Mary Casatt en el impresionismo pero hasta esa fecha su obra no había sido tan apreciada y tan representativa del movimiento al que pertenecieron. Aquí se formaron los primeros iconos de mujeres artistas del mercado. Estas ya se encontraban en la punta del mercado global siendo ella parte de sus fundamentos.
La abstracción excéntrica deja nuevas libertades en torno a materiales de trabajo para el escultor, instalador y un portafolio de arte amorfo que intriga, conmueve y estremece a la mente e Iconos femeninos del arte incuestionables.

VITO ACCONCI

2011-06-01T07:52:00.000-07:00

Vito Acconci
por Imani Estrada. frat.32@hotmail.com

Vito HannibalAcconci es un artista, poeta y arquitecto norteamericano, nació en Bronx, New York en 1940. Es muy difícil catalogar a V. Acconci en una sola corriente artística, podemos ponerlo en el situacionismo, el body art, el arte conceptual y el minimalismo. Si hablamos de sus obras Acconci tiene varias, un repertorio muy extenso, que van desde fotografías, poemas, videos, performance, esculturas y de exploración del espacio arquitectónico, excepto pintura, la cual no ha llegado a tocar en su vida. Pero son los primeros trabajos los que nos interesan, las acciones, videos y fotografías.
Seedbed es uno de sus performance de 1971 presentado en la GaleríaSonnabend de New York, donde V. Acconci se recuesta debajo de una rampa de madera la cual se extendió a lo ancho de la galería, mientras escondido V. Acconci se masturbaba pensando en el público que camina sobre él y por medio de un altavoz podían ser escuchadas sus fantasías. Son tres las semanas y ocho horas al día las que duro masturbándose y murmurando sus fantasíassexuales, donde menciona cosas como: "You'repushingyourcuntdownonmymouth" o "You'rerammingyourcockdownintomyass.
Es en este performance donde hace el uso de lo privado y lo público, algo muy recurrente en su trabajo, el acto de masturbarse es algo muy íntimo y solitario, pero el hecho de que lo este ´compartiendo´ con toda la audiencia lo cambia totalmente y hace participe al público de esa acción. Está creando un dialogo entre el artista y el público.
Conversión de 1971 es una serie de películas (trilogía), donde plantea la rigidez de los géneros, el masculino y el femenino, V. Acconci feminiza o intenta feminizar su cuerpo de ¨hombre¨ ocultando sus genitales entre las piernas o quema el pelo de su pecho con una vela e intenta recrear unos pechos femeninos. Hay una serie de fotografías también donde muestra esto, hay una donde esconde su pene y una mujer tiene pegada la cara a su trasero y da a entender que lo estuviera deteniendo con su boca o fuera parte de ese proceso o lo estuviera absorbiendo. Vemos como transforma y manipula su cuerpo, hasta llegar a la ilusión de una trasformación sexual. En muchos de sus trabajos su cuerpo y la ilusiónestarán presentes.
Undertone es un video de 1972 donde Vito Acconciestá sentado atrás de una mesa, y relata una fantasía donde una chica está acariciando sus piernas debajo de la mesa. Esta acomodado de tal forma que sus manos y parte de sus brazos están tapados por la mesa. De tal forma que da la sensación de que se está tocando, al momento de verlo el espectador se transforma en voyeur y está en el continuar con la acción, al creer o no en la fantasía al igual que con Speedbed.
Otro de sus videos es el llamado ThemeSong de 1973. Aqui V. Acconci esta acostado en el piso y hace un close-up a su cara, mientras tiene música de fondo, primero se escucha una canción del grupo TheDoors, y Acconci tararea una parte, después mirando a la cámara empieza con su monologo: 'Youcould be anybodyoutthere.' Cuando a menudo en sus otras piezasél se refiere a una mujer, aquí hace referencia a ningúngéneroespecífico, algo universal. Aunque aquí Vito A. esta cara a cara, eso es solo al final de cuentas una ilusion, 'I can feelyourbodyrightnextto me...I knowI'monlykiddingmyself...You'renothere' esas palabras del video lo describen perfectamente. El artista está rompiendo con un muro, podría ser el de la galería -o podría ser cualquier otro- al enfrentarse de alguna forma a la audiencia, siempre está en busca de ese vínculo o relación.
Open Book es otro video de 1974 de 10 min de duración donde el cuerpo se convierte en medio de expresión. En todo el video se ve la boca abierta, pero realmente abierta de Acconci, mientras intenta o trata de hablar y con una voz que apenas se entiende dice: "I'mnotclosed, I'm open. Come in... You can do anything with me. Come in. I won't stop you. I can't close you off. I won't close you in, I won't trap you. It'snot a trap.", Vito Acconcino no pudiendo mantener su promesa, cierra la boca y empieza a disculparse con el público, "Thatwas a mistake. I won't close. I won't close you off. I won't close you in. I'm open to everything..."Esalgoparadójico el querercomunicarsepero de tal forma que no puede, esimposibleentenderle.
Vito Acconci fue un pionero del video y más que nada del body art, donde la ilusión de sus acciones se vuelve ¨realidad¨ cuando la audiencia pasa a forma parte de ella. Siempre está en confrontación directa con el espectador y eso es lo que lo hace ser tan único e importante.

accionismo vienes

2011-05-31T13:24:00.000-07:00

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE

ACCIONISMO VIENES
Estefania Garcia Arroyo luu_rh_99@hotmail.com

En el siguiente escrito se hace mención de una corriente artística bastante peculiar de la década de los 60’s: el accionismo vienés, que por la forma tan suigeneris de realizar acciones fue perseguido y rechazado, incluso hoy en día sigue siendo generador de discusiones.
Fue un polémico movimiento que tuvo lugar en Viena y Austria aproximadamente entre 1965 y 1970, que para muchas personas recae en lo morboso y desagradable. Se podría decir que entre los movimientos de arte corporal como el body art, performance y el happening, este es el que lleva las acciones corporales más al extremo.
Sus propuestas son controversiales, blasfemas, violentas y salvajes, lanzando duras críticas en contra de una sociedad rígida, moralista y conservadora, de la política y la religión de la misma, buscaban la destrucción como una forma de liberación. Se podría decir que el accionismo vienes es, según Piedad Solans: “una lucha convulsiva del artista moderno por romper esa identidad construida en el espejo de una realidad que aprisiona lo subjetivo, buscando nuevas zonas de libertad en la destrucción de los límites”.
Si nos situamos en el contexto de estos artistas, podemos darnos cuenta que en este período de la historia, los jóvenes hacen manifestaciones en contra del régimen establecido, se crea lo llamado “contracultura”, que eran personas que buscaban vivir en armonía y paz con las personas a su alrededor; esto también tuvo sus consecuencias en el terreno del arte, donde se retoman algunas ideas de corrientes anteriores y se recontextualizan, dando lugar a la desaparición (al menos en ese momento) de la pintura tradicional, a la que el soporte le es cambiado por el cuerpo mismo, empezando con el movimiento Fluxus, que retoma algunas ideas dadaístas y totalmente innovadoras, en lo que es EUA y parte de Europa.
Entre los principales artistas se encuentran Gunter Brus, Otto Muehl, HermannNitsch y Rudolf Schwarzkogler, que fueron inclusive perseguidos por las autoridades por lo blasfemo de sus acciones.
Gunter Brus fue una importante figura de este movimiento, realizando acciones sumamente violentas, entre las que se incluían la autoflagelación, pasó seis meses en prisión por una acción en la que se masturbaba mientras cantaba el himno nacional de Austria, por lo que tuvo que huir a Alemania. Actualmente se dedica a la producción gráfica.
En los registros fotográficos de Rudolf Schwarzkogler, los temas tratados eran acerca de la mutilación y el dolor, en muchos de ellos había simulaciones de castración, por lo que muchos creyeron que se había amputado el pene. Este artista muere al caer de la ventana del cuarto piso de su casa, muchos dicen que fue su última acción, aunque hay varias especulaciones acerca de este hecho.
Otto Muehl quería formar una sociedad utópica de libre relación, en la que los miembros debían de tener relaciones sexuales en grupos, iniciar a los menores de edad en las mismas, y no se toleraba ninguna queja. Acabó en la cárcel y salió hace algunos años, recibiendo duras críticas por parte de sus ex seguidores y una gran aclamación por parte de algunas otras personas. Sus trabajos son actualmente pictóricos.
HermannNitsch trabajaba con el elemento ritual; desarrolló un proyecto llamado OrgenMysterienTheater, en el que se grababan videos de orgías y sacrificios animales, lo que le valió severas críticas de asociaciones ecologistas. Actualmente trabaja editando CD con sus trabajos y escribiendo diversas publicaciones.
Todos los artistas del movimiento, al disolverse el mismo, se dedicaron a hacer diferentes cosas, algunas con poca relación con el accionismo, pero lo que es seguro es que dejaron una muy personal huella en la historia, que hasta la fecha es motivo de polémicas y rechazo por parte de algunas personas.
En lo personal creo que este movimiento ha sido tratado de una manera injusta por parte de quienes lo rechazan apenas lo ven, porque solo están viendo la superficie de la acción, no se ponen a razonar el trasfondo de toda esta violencia, que creo que todos tenemos escondida dentro.
Creo también que si se exageró en la forma burda de representar todas estas acciones fue por la represión tan fuerte que había en este lugar, tal vez la gente estaba tan acostumbrada a la violencia que de alguna manera estos artistas tenían que hacerse oír. La gente conoce la violencia, de alguna manera la disfruta, pero todo lo que se relacione con conductas un poco más animales es visto como tabú, y es marginado y oculto, pero estos artistas le lanzaron a los espectadores una gran piedra, la de la situación vivida, aunque es normal que las personas al ver todo tan gráfico se cierren o se asusten. Como último punto, sería necesario ver las cosas desde un punto de vista más analítico, para que no se vuelva a repetir el rechazo que sufrió en un principio este movimiento, y tener la mente abierta a nuevas propuestas.

BIBLIOGRAFIA
· Solans, Piedad (…) Accionismo Vienes, citado el día 30 de mayo de 2011 desde:
http://www.liceus.com/cgi-bin/ac/pu/ACCIONISMO%20VIEN%C3%89S.pdf
· (2006) Accionismo Vienes, citado el día 30 de mayo de 2011 desde:
http://es.wikipedia.org/wiki/Accionismo_vien%C3%A9s

· Ortega, Carlos (2001) Veda abierta a los exterminados, de Gunter Brus, citado el día 30 de mayo de 2011 desde:
http://www.letraslibres.com/index.php?art=7167

LAND ART. ARTE EN CONEXION CON A TIERRA

2011-05-31T13:20:00.000-07:00

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE
Universidad Autónoma de Baja California
Escuela de Artes – Plásticas – Tijuana
LAND ART
Armenta Acosta Trixie.
Historia del arte IV
Profr. Roberto Rosique
29 de mayo 2011

Land Art
---arte en conexión con la Tierra---

El último siglo del ámbito artístico provocó la amplia extensión de los medios para expresarse artísticamente, dando lugar al Land Art, o arte de la tierra. Este arte sin duda, no se aleja de la reflexión que todas las corrientes y estilos han cumplido, el aspecto de cambiar o dejar en un punto de reflexión a los espectadores sobre la existencia humana o del mundo visible e invisible. Por supuesto influye aquí la inquietud humana sobre su relación con la naturaleza, y el land art, hace su parte.
El Land Art es un arte que consta de obras que se elaboran en el medio natural, a través de, por lo menos en un principio, materiales naturales, por el contrario, completamente contrastantes procurando ser inofensivos al medio ambiente. Básicamente, el punto principal del Land art es intervenir la superficie de la Tierra artísticamente, incluyendo estructuras de grandes tamaños, para quedarse visible a comparación de los amplios terrenos que se utilizan.
La mayoría de estas intervenciones a la naturaleza, se hacen en lugares alejados a la ciudad, para que sea un espacio libre de intervenciones posteriores humanas a lo máximo posible, como en las orillas de un río, en un lago, en mares incluso, o desiertos, por mencionar algunos.
Por las mismas condiciones estas obras regularmente duran poco tiempo, al ser producto del lento consumo de la misma naturaleza.
Basándose en la arquitectura antigua o en sitios sagrados como “Stonehenge”, las enormes piedras colosales apiladas en las tierras de Amesbury, Inglaterra, se interviene la naturaleza con un sentido artístico. Con un mínimo de elementos expresivos, figuras básicas como círculos, líneas, triángulos y cuadrados, el artista trasmite sus reflexiones sobre la relación del ser humano con la naturaleza, mostrando al espectador la inmensidad de ésta, a través de obras efímeras, que son destruidas por el paso del tiempo, la lluvia o la erosión del terreno.
El Land art comienza en los años setentas, principalmente en Norteamérica y Europa, donde los artistas buscan algo más que intervenir museos y galerías, después del minimalismo, donde en algunos casos se fue saliendo de los museos pero a pequeña escala, la obra no era de tal tamaño ni estaba tan alejado de la intervención humana, pudiendo estar en la calle, jardines, lugares urbanos, donde el espectador no se esforzaba tanto para encontrarlo o para poder apreciarlo.
El Land art se iba más allá, se iba a las lejanías de la ciudad para encontrar lugares puros o vírgenes de la naturaleza, volviéndose poco a poco más fuerte la unión del artista-naturaleza, cada vez más cercana, más de lo que se había logrado anteriormente, y más de lo que se ha logrado hasta la fecha. Las obras se iban a tamaños monumentales, para que embonara perfectamente el tamaño de la obra y el tamaño del soporte que es la naturaleza. De manera contraria, la obra no se apreciaría si fuera de dos metros por dos metros, en un soporte de kilómetros.
El soporte natural que utilizaban era cualquier tipo de ambiente natural, de ésta forma no se tenía que tener un fondo decorativo, siendo la naturaleza ambiente suficiente para llenar a cualquier hora y en cualquier condición, el aspecto estético de la obra. Éste ambiente puede ser la ribera de un lago, montañas, grandes plantíos, etc. Se puede mencionar a varios artistas importantes como Robert Smithson, Michael Heizer, Nils Udo, Richard Long, que utilizaban materiales naturales; Christo, Jeanne-Claude, Walter de María, Susumu Shingu, que utilizaban materiales que por ser artificiales, contrastaban en el medio; Robert Morris, Douglas Hollis, Eberhard Eckerle, Nancy Holt, que utilizaban las fuerzas directas del universo como el uso de los solsticios para sus obras de arte.
El espectador se tenía que esforzar un poco más tomando largos viajes para llegar al lugar de la obra, pero quienes lo hacían eran pocos; gran parte del público no lograba conocer la obra en persona, la conocía solamente con el registro fotográfico o fílmico, mapas, bocetos o partes de la misma obra como pequeñas rocas, y en algunos casos transmitidos por televisión, limitando así el contorno comercial al ser éstas las únicas formas en que los compradores o coleccionistas privados podían adquirirlas, o incluso no adquirirlas materialmente, sino adquirir la experiencia de haber conocido la obra en persona y posiblemente haber interactuado con ella, antes del deterioro si se incluye en su aspecto orgánico, o en el mero solsticio, por ejemplo, como en los casos de el Land art que se involucra con las fuerzas de los planetas y otros satélites. Sin embargo, el aspecto positivo de éste límite, es la exclusividad e incluso demostrando el verdadero interés de los compradores y no solamente comprar por comprar como un fetiche.
Aún así, resulta contradictorio el alejamiento de la obra de los museos y galerías, cuando vuelven después de la expedición a mostrarlas en museos y galerías para la venta de los mismos; si bien hay necesidad o participación del artista con los coleccionistas o vendedores, es incongruente el intento del alejamiento, cuando estando en ese punto lo incongruente sería venderlos en las calles porque entonces el Land art sería visto como arte callejero, vandalismo, atacantes de la madre Tierra o cosas del estilo, por no estar en una galería con los personajes de la alta sociedad vendiendo grandes obras conectadas con la naturaleza. Viéndolo de éste punto, de una manera positiva y no contradictoria, el Land art es una corriente que amplió en toda su extensión, hasta la fecha, al arte, porque siguen en las galerías, exposiciones y museos, además de estar interviniendo grandes espacios de la naturaleza fuera de la ciudad, ampliando el arte al mundo entero y no nada más a las ciudades.

Todo esto incluyendo que el artista, con el fin de no perjudicar al medio ambiente, realiza antes de su intervención, el ambiente, flora y fauna del mismo, para no perjudicar a ninguna especie en el proceso o con los materiales que se va a utilizar, principalmente por las condiciones en las que están muchas zonas en la actualidad con especies endémicas y en peligro de extinción, sea flora o fauna.

A manera de conclusión, el Land art es bastante afín a mí, por el hecho de sentirse conectados con la naturaleza. Siento que todas las personas aunque no realizaran ‘obras’ con regularidad, deberían de tener un aspecto en estar conectados con la naturaleza, así como los artistas precursores del Land art, es algo demasiado personal e inefable. Al realizar obras de este tipo, a pequeña o gran escala, es como si se tuviera una conversación con el ambiente donde se va a trabajar, primero para encontrar el lugar perfecto que casi habla diciéndole al artista “este espacio está habilitado e ideal para que lo intervengas”, obteniendo como producto final una perfecta unión artista-naturaleza como una fusión perfecta y casi indistinguible de la diferencia, haciéndose una sola como si fuera la naturaleza cooperativa con el artista, pareciendo incluso que la naturaleza le brinda las cosas al artista o se las da a un acceso fácil para que éste las utilice, totalmente compatibles produciendo algo realmente armonioso. Esta conversación e interacción artista-naturaleza, me recuerda a la infancia, cuando al cortar una flor una vez me dijeron que si le había pedido permiso, se me hizo una pregunta bastante extraña pero lo intenté en ese momento y es al igual que un fruto de un árbol, cuando el fruto todavía no está listo para su consumo, no se le brinda a las personas a menos que usen la fuerza, pero cuando ya está en su punto, pareciera que el árbol te lo regala.

Por otra parte, la afinidad que tengo con el Land art es por la manera orgánica de realizarlo, al no ser perjudicial para el medio, teniendo obviamente sus excepciones porque algunos artistas utilizan materiales como acero Inoxidable que estorbarán en el medio para toda la vida; pero al utilizar materiales que el mismo ambiente te proporciona, es absolutamente armonioso.

Fuentes y apoyo bibliográfico.-

Rodríguez, Itzel - http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_landart/1.htm - 28 de mayo 2011
http://blogecoista.blogspot.com/2009/06/land-art_07.html - 29 de mayo 2011

INGRID HERNANDEZ. FOTOGRAFA

2011-05-28T11:26:00.000-07:00

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
MATERIA:
ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE
NOMBRE:
MENDOZA SANTOS GRACIELA
SALON:
261
INVESTIGACION:
INGRID HERNANDEZ
INGRID HERNANDEZ

Por: MENDOZA SANTOS GRACIELA. graciela.mendoza.santos@gmail.com

Lo que abordaremos en esta investigación es acerca de una artista y socióloga de nombre Ingrid Hernández presentaré un poco de su vida y de su trayectoria, así como una breve explicación de sus obras y reflexiones acerca de sus proyectos.
Ingrid Hernández, nació en el año de 1974, en la ciudad de Tijuana B.C. comenzó sus primeros estudios de fotografía mientras asistía a la preparatoria, después estudia la carrera de Sociología en la UABC y una Maestría en Administración Integral del Ambiente en el Colegio de la Frontera Norte.
En el año 2003 decidió abandonar la academia para dedicarse de tiempo completo a tomar fotografías en asentamientos irregulares de la ciudad de Tijuana. Ha expuesto su trabajo fotográfico en exhibiciones nacionales e internacionales, específicamente en Estados Unidos, México y Europa. Ha formado parte del cuerpo académico de la Escuela de Artes de la UABC y de la Escuela Superior de Artes Visuales, donde ha impartido clases de Antropología visual y el Seminario de Teoría y Lenguaje Fotográfico, con diez años de experiencia en la docencia ha sido maestra, investigadora y tallerista en instituciones educativas y asociaciones independientes en México y Bogotá. Entre sus becas y distinciones destacan el premio de adquisición de la Bienal Universitaria de Arte Contemporáneo (UABC, 2007), Jóvenes Creadores (FONCA, 2008-2009) entre otras.

El trabajo de Ingrid Hernández me pareció muy interesante ya que capta con el lente de su cámara ambientes (des)conocidos alejados de la realidad cotidiana, donde considera los espacios públicos como propios y privados, es como si escucháramos las conversaciones de los desconocidos, es adentrarse a lo inexplorado y después se convierta en conocido.
Me llama la atención que a través de sus fotografías presente trabajos de su ciudad, que haga ver la realidad desde otros rumbos incognitos, que haga ver lo que no se ve a simple vista, que es ignorado por la gente misma, por nosotros y que tal vez no nos damos cuenta de esa realidad que está a nuestro alrededor . Nos presenta una visión de la realidad desde puntos diferentes.
Ingrid Hernández presenta espacios domésticos, en el lugar más intimo del ser humano, en donde se proyectan nuestras creencias, deseos y expectativas.
Ingrid tuvo varias colaboraciones documentales importantes. Una de ellas trata sobre hombres que viven en un centro de rehabilitación; al mismo tiempo en el que estaba colaborando en esa producción, Ingrid ya había comenzado un proyecto de fotografía sobre el tema de la vivienda en los asentamiento irregulares de Tijuana, aquellas zonas habitadas en terrenos que no pertenecen a sus habitantes, los cuales en su mayoría construyen sus humildes casas con materiales de reuso o de desecho, como piezas de madera, lamina y plástico. Para desarrollar este proyecto partió de una metodología basada en técnicas de investigación social, conjugando elementos bibliográficos, entrevistas, observaciones y fotografías. En los que cada proyecto se inicia por recorridos a la ciudad para ubicar asentamientos que posteriormente visita durante largos periodos de tiempo. Para lo cual hace una búsqueda de lugares de la ciudad que no se ven con regularidad. Llama la atención esta parte de su proceso de trabajo ya que se compromete de tal manera que estudia a fondo el modo de vida de cada hogar y que con esto logra una clara idea de lo que va a mostrar al espectador.
Me parece curioso que en sus trabajos no retrate el elemento humano y que considere importante mostrar la configuración de los espacios y los usos de los objetos desde las propias estructuras y paisajes y de los espacios dentro de la vivienda.
Así mismo me llama la atención la composición de sus imágenes que presenta y que busque que cada elemento dentro de la fotografía muestre lo humano, que le dé un sentido particular a todo lo que conforma su obra, que sea como un punto de partida para la narrativa del objeto, que le de vida propia, que sea única y que nos denote gestos de carácter intimo.
Me impresiona que retrate espacios y objetos y que a través de ellos nos cuente una historia emocional, que nos muestre imágenes en las que uno como espectador sea como el personaje principal, que con nuestra experiencia construyamos historias y que nos apropiemos de ella
Ingrid Hernández adopta una posición vanguardista y analiza el uso de los espacios y de los objetos dentro de dichas viviendas, además refleja la forma de vivir de las personas y exterioriza sus deseos, nos muestra instalaciones urbanas sobre todo las relaciones de la gente con los espacios y los objetos ya que una simple construcción se vuelve parte de nosotros y que nos caracteriza.
Estas fotografías reflejan viviendas que han sido autoconstruidas por sus habitantes siguiendo la representación de los objetos, los acomodos y arreglos que organizan y definen el hogar.
Creo que esta artista trata de representar manifestaciones de carácter íntimo. Busca destacar lo particular, lo propio e individual presente en la forma de utilizar un objeto, disponiéndolo en un hábitat donde la da sentido dentro del espacio de acuerdo a los caprichos y manías de la condición humana, que va más allá de lo simple utilitario.
Son fotografías que cuentan una historia a través de los objetos y materiales que se encuentran en un hogar, hogares construidos por habitantes y como resultado podemos observar como su situación económica y humana.
Es una muestra de cómo la gente construye sus casas de acuerdo a la forma en que estaban acostumbrados a vivir en su lugar de origen y de cómo, lo adaptan a las condiciones de esa nueva ciudad.
Lo que me gusta de estas fotografías es que puedes ver la humanidad de otro modo, aun cuando no esté presente en las imágenes, nos muestra su espacio a manera de paisajes hablándonos de una forma de vivir, tal vez, modesta y que a la vez, nos hace comprender la relación que tenemos con los objetos y el espacio.

Referencias de Internet
http://www.ingridhernandez.com.mx/
http://ingridhernandez.com.mx/blog/?m=200904
http://www.conaculta.gob.mx/tierra/images_cont/publicaciones/especiales/Irregular.htm

Transvanguardia ¿de verdad un regreso?

2011-05-28T11:03:00.000-07:00

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
HISTORIA DEL ARTE IV
Mtro. ROBERTO ROSIQUE

Transvanguardia
¿de verdad un regreso?
Juana Inés Ramos Muñiz. juisa_7@hotmail.com
Este movimiento se caracterizó por el volver a lo tradicional en la pintura pero sin establecer algún estilo propio, ya que sólo fueron utilizando estilos o movimientos anteriores. Surgió para erradicar el arte povera y todos los movimientos anteriores, donde ya no se establecía el uso de la pintura. Fue un renacer a lo tradicional, volver a los orígenes de los grandes maestros y demostrar cuál es la importancia de la pintura en el arte. ¨Si el artista solo copiase la naturaleza, el mejor artista seria el espejo.¨ en realzar los movimientos renacentistas, barrocos, sin dejar de mencionar el manierismo.
Establecer cómo esta vanguardia tiene repercusiones en la historia del arte, cómo se desarrolló, quienes fueron sus exponentes y donde surgió, cuáles fueron los motivos que impulsaron a regresar a lo antiguo, a lo que varios artistas querían dejar atrás y su oposición a enfocarse con otros elementos para desarrollar una obra de arte.
La transvanguardia italiana, es un movimiento artístico de la post-modernidad. El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva y aplicado en una serie de pintores italianos.
Nació en los años ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia . La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura, después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a artistas como Sandro Chia, Enzo Cuchi, Francesco Clemente, Nicola de Maria y Mimmo Paladino y Jannis Kounellis, entre otros
Los artistas transvanguardistas se caracterizaban por un eclecticismo subjetivo, porque vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Recurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran expresividad cromática. Otra de sus características es el nomadismo, el artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Realizan obras generalmente figurativas, con referencias iconográficas.
Su principal influencia viene del manierismo, así como del renacimiento y el barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado una mezcla indiscriminada de temas y estilos (¨pastiche¨) el artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Es una tendencia parecida al neo-expresionismo, la nueva imagen, el grafitti, el bad painting o al pattern & decoration.
En sí la transvanguardia italiana es un nuevo movimiento, porque al tomar referencias de otros artistas y al hacerlas suyas, son originales y volver a usar los pinceles es algo que se puede confundir con volver a lo mismo, pero desde el concepto que el espectador y la critica lo vea, es cómo vamos a responder si es algo novedoso o algo que ya estaba establecido. El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.¨ Duchamp Marcel.

Referencias:
Giancarlo,P.( 1992) the italian trasnvanguardia / Mailand

2011-04-05T14:44:00.000-07:00

ARTE BARROCO
año 1600 hasta el año 1750
(aproximadamente)
Surgido en Roma s. XVII
Surge porque la iglesia católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la reforma protestante.
El Barroco como Movimiento cultural:
Abunda el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte se hace entonces menos distante de las personas, solucionando el vacío cultural que solía guardar.
También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas.
ARQUITECTURA siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII
La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se le da el nombre de estilo rococó.
Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes.
ESCULTURA
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imagineria que esperaba despertar la fe del pueblo.
Predominio de los temas religiosos.
Realismo. Se recurre a postizos como el empleo de pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real.
Empleo de la madera policromada como material preferido.
El cliente más importante es la Iglesia y en segundo lugar la Corte.

Pintura Barroca
La mayor parte de la pintura Europea de 1600 al siglo XVIII es identificada hoy en día como Barroca. Se caracteriza por estar dotada de un drama teatral, por su coloración rica e intensa, y tenebrismo (el fuerte contraste entre luces y sombras).

Ya que su tarea consistía en evocar las emociones, los artistas de la época optaban por representar el momento de mayor drama en sus compocisiones.
Durante el Concilio de Trent, la Iglesia Católica respondió cuestiones de índole interno que surgieron a causa del protestantismo. En un pasaje de sus decretos se trato el tema de las artes representacionales que el inflúyete Clérigo e Historiador Molanus, interpreto en sus textos el pasaje como una llamado a los artistas a representar temas religiosos con gran decoro, lo que llevo al uso de composiciones excesivamente detalladas.
Holandesa.
En contraste con lo que sucedió en la mayor parte de Europa, la tradición pictórica de esta región ignoro la idealización de lo esplendoroso y produjo principalmente pinturas de genero, paisajes, y naturalezas muertas.
Flamenca
Una de las características principales de la pintura barroca flamenca, fue la gran cantidad de colaboraciones entre maestros independientes, debido a que cada pintor prefería especializarse en un área, unos pintaban rostros, otros prendas, otros animales, etc.
Francesa.
Fue una combinación de influencias Flamencas (líneas y colores voluptuosos) y la racionalidad y control asociados con el Clasicismo Romano.
La influencia de Caravaggio llego a ser fuerte.
Italiana.
Caravaggio fue el iniciador de la pintura Barroca con su técnica del tenebrismo, y fue su competencia comercial con los hermano Carracci lo que popularizo el estilo.

Y qué de lo abyecto del arte?

2011-03-25T06:57:00.000-07:00

Y qué de lo abyecto del arte?

Este es el link del; artículo
Espero lo lean
http://robertorosique.blogspot.com/2009_12_01_archive.html

2010-12-03T12:29:00.001-08:00

Neoexpresionismo alemán
Lazos Murga Adrian
spok3y_08@hotmail.com

Arte nacionalista
El Neoexpresionismo alemán movimiento surgido después de finalizar la II guerra mundial , los “artistas” observan la Alemania desbastada y sin identidad, al ver esto, los personajes son influenciados por el historial nacional, preocupados por su trayectoria y consientes de esto, el movimiento empieza a surgir como una representación expresividad y critica acerca de la dicotomía de valores occidentales, creando imágenes consientisadoras que cuestionan la sociedad, la esquizofrenia, el drama y la tranquilidad; lo racional y lo irracional por mencionar algunos temas de representación.

En cuanto a la estética será una mescolanza con distintas corrientes de vanguardias como el futurismo, surrealismo, faovismo algunas más predominantes que otras, siendo esto un redescubrimiento que se revelo contra el minimalismo y su sencillez , las ideas conceptualizadas cripta lisadas en objetos, como la idea de la vanguardia como ruptura de la tradición, siendo un movimiento nacional racionalista.
El neoexpresionismo alemán en resumen viene siendo un movimiento antropológico entre la modernidad y la posmodernidad pues el estilo viene siendo la creación de una nueva imagen a una sociedad desbastada y partiendo de ahí para la creación de sus pinturas y reflexiones que a fin de cuentas están interesados en las ideas vanguardistas pero que a su ves van en contra de estas reciclando una representación conjuntamente con la transvanguardia italiana, inicio como un grupo partiendo de reflexiones histórica, criticas asía el ser humano, la miseria el anti-Intelectualismo, filosofías de el lenguaje y comunicación, un movimiento muy exponente acerca de la vida y sus quehaceres , y que asta este momento sigue como algo individualista común y corriente valiéndose del consumismo sin una innovación pictórica evolutiva apegándose a lo ya representado por generaciones anteriores siendo un arte en con cluicion que partió desde una perspectiva critica asta convertirse en un individualismo valiéndose de la fama que enriquece el egocentrismo alemán.

2010-12-02T12:40:00.000-08:00

Reflexiones sobre algunos temas de Historia del Arte IV
Gustavo Rodríguez
gustavorodriguezmendez83@gmail.com

He encontrado varios puntos que me gustaría comentar de algunas tendencias dentro del arte de la postmodernidad. Empezaré con el orden que los tengo anotados en la libreta de notas, creo que puede ser interesante.
Comenzaré con el Minimalismo. Es importante que existan movimientos donde la sintetización de las cosas actúe con el entorno creando un espacio y estado de tranquilidad, silencio, movimiento, donde el mismo lugar se convierta en la propia obra de arte. Es emocionante la sensación de limpieza que se siente y se percibe con las piezas de Sol Lewitt, es el movimiento sintetizado donde intervienen emociones reflejadas en colores y en formas geométricas simples, tal vez unos de los puntos que desde mi perspectiva sería desfavorable, es la saturada repetición de formas parecidas, tal vez por la rigidez del movimiento. Quizá saturar la imagen de formas simples entra en conflicto con la propia idea del minimalismo que propone efectos satisfactorios con el menos número de componentes, no digo que sea siempre el caso de cada minimalista, en todo caso es una reflexión personal acerca de esta corriente.
Este y otros movimientos donde intervienen pocos elementos es lo que te enseña a descomponer una idea y armar algo más sencillo, como por ejemplo trabajar con alguna forma geométrica donde se registre el movimiento de la sombra las 24 hrs del día donde la propia sombra de la forma geométrica, sea la descomposición y la transformación u otra forma geométrica aparente o en teoría, que se vea reflejada en la superficie.
Creo que la visión de la academia tiene que salir del formalismo y no precisamente seguir el protocolo, sino experimentar con la búsqueda del ser interior para que tu yo creativo pueda surgir sin ningún obstáculo, donde por causa de una verdad absoluta sea nublada la visión.
La Abstracción excéntrica, conocida también como Post-minimalismo debido a que como el minimalismo usa pocos elementos, pero esta vez recaen elementos como el movimiento curvilíneo y la sensación de que la pieza pudo haber estado en movimiento y con vida.
Eva Hesse es una de las precursoras arte conceptual post-minimalista, creó la ruptura del minimalismo hacia la abstracción excéntrica. Fue lo interesante ya que rompe con la rigidez del minimalismo y propone algo realmente nuevo en su momento.
Trabajar con ciertos materiales que tal vez nunca se imaginaron que pudieran haber servido con un propósito artístico, es curioso pensar que tal vez estos artistas se hicieron una pregunta y esto ¿porqué no? Ya que en ningún momento el arte se debiera delimitar.
Lo importante es como la cultura de estas personas hacen que se adelanten a su tiempo y conquisten nuevos territorios de la indagación, que de seguro comenzaron por medio de la filosofía y la literatura. Por eso es necesario proponer un nuevo sistema de enseñanza, que abarque puntos más importantes como lo es el desarrollo de las ideas, donde la visión sea lo más importante, después la acción y por último el resultado.
Aunque unos o varios puntos desfavorables serían el reflejo del vacío interior que manifiesta un estado de formas que pareciera que no las han movido en años y que aparentemente no han tenido ningún daño o sea que es un estado mental demasiado pasivo pero triturado y deshecho.
El Body Art que da pie a usar el cuerpo como soporte y esto me hace reflexionar que tal vez a veces no es necesario usar más que tu cuerpo para representar varias ideas, pero que aun así deben de ser sostenidas con la participación de la gente y el juego que se desata. Hace que la idea funcione y no se vuelva ni se transforme en algo grupal, no sé si sea realmente necesario pero es un punto de partida para proponer nuevos caminos en el pensamiento complejo.
Cabe mencionar que en esta pequeña reflexión no creo necesario volver a repasar personajes, fechas y grupos ya que si, reconozco que son importantes, pero que creo que en si la participación ya en si de la misma persona reflexionando sobre un tema es una buena razón donde intervienen mas la acción y profundizar es en si ya la obra de arte.
En cierta manera es una manera de filosofar, pero que sería del concepto sin la acción por lo que un punto desfavorable en contra del conceptualismo, desde mi apreciación es el desbalance de la idea concreta, la idea a medias, ya que si en su momento fue la novedad, hoy es necesario aplicarlo de manera social con un fin, ya que por las situaciones que se viven debemos de aplicarnos a relacionar las artes con nuestro entorno para obtener una coherencia de tiempo. Y no caer en lo monótono y en lo pasado es investigar seriamente en que se puede hacer para proponer nuevas cosas que estén ligadas con los problemas sociales de la actualidad.
Por último, el Accionismo Vienes que rompe con la coherencia y la mentalidad, ya que toma como referencia acciones del ser humano más perturbado y juega con los sentimiento de las personas. Con este movimiento se ve modificada la realidad de la pieza como la realidad del espectador ,donde las principales acciones son de estado de shock que desde mi punto de vista serían surrealistas. Son ideas que sin ser pulidas entran en un collage de actividades que hacen reflexionar sobre la irracionalidad del ser y manipulada con un fin de imposición, donde no podría faltar la sangre que llega a ser la principal protagonista de la composición.
Si este movimiento no está influenciado por la guerra y la vida retorcida que se vive en esos días, es la transformación del ser a causa de ella, la represión sobre las personas que por fin después de estar encapsuladas se ven con la necesidad absoluta de expresar los gritos de locura y desesperación que cargan consigo, de las ideas absolutistas impuestas por el gobierno o por el ideal de la perfección. Critca de la razón y la herencia de la sociedad en caos, creo que a su vez aprisionada en un mundo monótono.
Las ganas de friccionar los dientes es por la falta de espacio creativo y la represión de la mente por tanto tiempo, crean estos mundos paralelos bizarros, donde la visión ha sido almacenada, desdoblada, apachurrada y rescatada en cierto grado hasta que se convierte en algo totalmente diferente. Es así como me hace sentir el Accionismo Vienes, creo que hace que todos tus sentidos intervengan y se canalicen a tal grado que se vuelven verdaderas introspecciones, creo necesario adentrarse en la literatura ya que entre más palabras conoces, mas entiendes y es más fácil expresarte.
Referencia:
http://artescontemporaneos.com/eva-hesse-pionera-en-la-desmaterializacion-de-la-obra-de-arte/

Pattern Painting

2010-12-01T14:06:00.000-08:00

Patrón y diseño
(Pattern and Decoration o Pattern and Desing)
José Alberto Campa Aviles

ultra_mk27@hotmail.com

Pattern Painting es el tema que elegí para la clase de Historia del Arte IV. No tenía idea alguna de que era un movimiento de los años 70´s. Informalmente fue conocido como PYD y su significado en inglés es Pattern and Decoration o Pattern and Desing. Para el arte americano esto era una visón ideal que se dio hace 30 0 40 años cargada de una pasión llena de polémica de una juventud enérgica perteneciente a una nueva generación de artistas que día a día impulsaban las metas y logros del PYD a la luz del día, formando lo que con el tiempo se convertiría en una transición de coaliciones y grupos compuestos por artista rebelados en contra de las autoridades establecidas y de toda expresión en relación al minimalismo.

Eran tiempos de post-modernidad cuando el movimiento de Patrón y diseño se estaba fraguando. El término que se utiliza para etiquetar el arte después de 1960 es Post-modernismo y rechaza toda idea generada por previos movimientos, incluyendo al modernismo y su utópica visión o cualquier otro principio que organizara la diversidad de estilos que los pasados movimientos contenían. Democracia y ciencia eran parte de la sensibilidad moderna y vistas como fuerzas hegemónicas. La vanguardia era celebrada generando una pluralidad de estilos estéticos o anesteticos y todos por igual. En sus intentos por desprenderse de toda conexión con el pasado, PyD, post-modernismo, pro dada, adopta un anarquismo y el roll de vanguardia que reta a la cultura establecida. Siempre revelándose en contra del vacío exclusivo del minimalismo y el conceptualismo. El PyD fue un movimiento que se consideró inapropiado como motivo de materia para un nivel artístico elevado, aun así el movimiento siempre se consideró una herramienta para la rebelión, literalmente intentaban llenar un vacío, los jóvenes artistas del PyD buscaban inspiración de los grandes pintores decorativos del pasado como Klimt y Gauguin que también reconocieron que Matisse enseñó que abstracción y decoración eran intercambiables y que el fauvismo llego 3 años antes que el cubismo. Existe una fuente de información hecha por Wheeler Zakanitch artita del PyD que incluye una lista que toma en cuenta a los decoradores sin nombre y artitas folk que diseñaron telas de patrón y prendas através de la historia, influenciados por culturas precolombinas, de la india, marroquí, diseños de nativos americanos, arte céltico medieval, etc., que abarcan diferentes culturas que practicaban la cuestión del patrón y el diseño.
PyD un movimiento con espíritu de los 60’s, siempre solidario con artitas de la clase obrera trabajadora y el 3er mundo, fusionado con el feminismo y el deseo de cambiar la cultura establecida hacia un ambiente más global e incluyente. El movimiento de las mujeres animaba igualitarismos y trajo nuevas sensibilidades a los hombres dominantes ya establecidos en las artes finas. El feminismo abrió un nuevo horizonte artístico a las mujeres lo que lo convierte en uno de los movimientos culturales más importantes de la historia del siglo XX. La preocupación feminista acerca de la condición de las mujeres está estrechamente ligada a otros acontecimientos y movimientos que sacudieron la conciencia del mundo, como el movimiento por los derechos civiles de la población negra de los Estados Unidos, la guerra de Vietnam, el lanzamiento al mercado de los anticonceptivos, la experimentación con drogas psicotrópicas, los movimientos estudiantiles, etc. El feminismo fue uno de los eslabones del ¨despertar¨ social de grupos hasta entonces marginados de los espacios de poder. En 1970 fue cuando detonó la expresión autoconsciente por parte de las mujeres que se involucraron en el arte que articularía sus experiencias desde una posición política y social. Las artistas feministas situaron sus obras en su experiencia social como mujeres y partieron de la aceptación de que la experiencia femenina es diferente a la de los hombres pero igualmente valida. El principio clave de las feministas el despertar de la conciencia. Sin embargo, la definición de mujer para las primeras feministas era el poder de la mujer como parte de un grupo de mujeres. Esta actitud abrió el camino del cambio político en la sociedad y la puerta hacia la creatividad y la novedad en el arte. La mayoría de las artistas feministas trataron de no usar técnicas tradicionales, como la pintura sobre tela. Mucho arte feminista fue hecho con medios que en su momento fueron nuevos como el caso del video, el performance, el arte ambiental, land art, happening, etc. Las feministas entraron a la historia del arte a través del arte conceptual; pero como no estaban interesadas únicamente en la estética sino en la situación de las mujeres en la sociedad y en la historia, sus propuestas siempre tuvieron un sentido de militancia política y social. Un ejemplo de este tipo de necesidad expresiva son las fotografías (que dan la apariencia de ¨stills¨ cinematográficos) que Cindy Sherman se tomó a si misma representando y criticando los distintos estereotipos del papel de la mujer en la sociedad. A través del arte, las feministas intentaron liberar a las mujeres de imágenes y actitudes negativas acerca de la anatomía y fisiología femenina. Trataron temas tabú como el sentimiento ante la menstruación (Judy Chicago en su instalación Menstruation Bathroom) y representaron imágenes realistas o simbólicas de vagina, senos y otras partes de la anatomía de hasta entonces había sido un objeto de la cosmovisión masculina. El arte feminista se propuso cambiar el cuerpo femenino de objeto pasivo a agente comunicativo. Crearon imágenes corporales para un público femenino.
Asimismo, trataron el hasta entonces poco usual tema del enojo o dolor de la mujer a través del arte. Por ejemplo, Nancy Fried desahogó su rabia por el cáncer de mama que le afectaba en una escultura y Hanna Wilke registró en una serie de fotografías el desarrollo del cáncer que la llevó a la muerte. El feminismo artístico también incluyó una revaloración de las artes tradicionales practicadas por las mujeres a lo largo de la historia, como el bordado, tejido, flores y otras artesanías atribuidas al quehacer femenino. Las feministas decidieron honrar la creatividad que siguió los caminos de las artes menores, porque estos estaban prácticamente vedados. Así reutilizaron la decoración que practicaban sus abuelas y dieron nueva vida a estas formas, retando el sistema de valores del orden cultural del cual provenían. Es decir que se identificaron con la tradición femenina, pero le dieron un sentido político-social. En el mismo sentido recuperaron patrones decorativos ¨exóticos¨, como el japonés y el musulmán, pues querían liberar esas expresiones de la marginación impuesta por el machismo eurocentrista. Las feministas se enfrentaron así al esquema dominante occidental a través de formas decorativas consideradas femeninas o amaneradas. Como ejemplo esta la serie de abanicos de Miriam Shapiro, donde utiliza diseños japoneses para decorar un objeto típicamente femenino. Ella misma nombro a otras de sus piezas Femages en referencia al collage cubista remplazando las primeras cuatro letras de la palabra collage por tres letras que aluden a un término que identifica a la mujer (FEM); y en lugar de objetos como el cigarro y recortes del periódico del mundo de los hombres, ella bordó y cosió botones de remplazo, estandarizó la práctica del hilo y enhebró lentejuelas en seda para construir un ambiente femenino. Creó un puente entre el arte fino y las artesanías por asimilar el trabajo de la mujer en estilos modernos. Para las feministas, el arte hecho por ellas representaba un nuevo comenzar; una segunda parte en la historia de la cultura occidental para completar la larga parte uno, de la historia masculina. La meta del feminismo es cambiar la naturaleza del arte, transformar la cultura de forma permanente, introduciendo la hasta entonces ignorada perspectiva femenina. En el nuevo orden que se implantaría habría mayor equilibrio entre el arte y cultura de los géneros, habría una verdadera universalidad que representara las experiencias y sueños tanto de hombres como de mujeres. Muchos críticos e historiadores ven el arte feminista como una corriente vanguardista más, que fue antecedida y predecida por otros movimientos artísticos. Las feministas creen que su propuesta es un sistema de valores nuevo, una estrategia revolucionaria; una forma de vida que, como el Dada o el Surrealismo, cambió todos los estilos y movimientos artísticos desde su aparición, se planteó que lo revolucionario del arte feminista son sus contenidos y no sus formas. Después de 30 años sabemos que no todo el arte que hacen las mujeres es feminista, ni siquiera el que hacen las propias feministas.
Mientras tanto la muerte de la pintura fue una hipótesis simplista muy en boga de los años 60´s y principios de los 70´s, hoy en día se sigue anunciando a pesar de todo lo que a pasado en la historia del arte. Sin embargo, no se puede negar que muchos de los acontecimientos más espectaculares en el arte desde esa época se han producido fuera del campo de la pintura y la pintura de ese tiempo no fue precisamente popular. Esto tendría sus consecuencias, no obstante, incluso, en el apogeo de los severos monumentos escultóricos minimalistas, del land art y de los mitos individualistas, los tumultuosos elogios de los supuestamente medios innovadores como la fotografía, el cine, el video, la tv; del periodo del body art, happening, fluxus y de los ingenuos intentos por salir de un circulo vicioso propiciado en estudios, galerías y museos; incluso en los años en que las actitudes se volvieron formas, la pintura se siguió aplicando a la tela.

2010-12-01T11:21:00.001-08:00

El Situacionismo
Francisco Arturo Cruz Calixto
rikyporrista@hotmail.com

Los puntos más importantes en mi apreciación son estos que a continuación mencionaré.
Como bien dice el nombre del movimiento ´´Situacionismo´´ que lleva como objetivo principal la creación de situaciones, este grupo se formó en Italia el 28 de julio de 19 y quizá el representante más importante fue Guy Debord filosofo, escritor y cineasta francés.
Guy Debord escribió un libro llamado´´ la teoría de la derive´´ y a la derive la define como: viaje onírico (onírico quiere decir de los sueños) es decir salirse de la rutina, hacer cosas fuera de contexto a lo que está acostumbrado en si una ciudad como sociedad, salirse de lo lógico.
La deriva, es algo interesante porque puede cambiar el sentido de toda una vida si nos vamos al extremismo solo por pensar de esa manera, lo he visto en películas donde muchas tramas van con ese tema y en la vida real también pero no tan extremo y sin siquiera saber que son parte de un movimiento artístico lo hace tal vez sin ni un sentido pero igual se interpreta de esta manera, la deriva a mi entender no es algo bueno o malo es simplemente experimentar una travesía no convencional.
Otros artistas de este movimiento y muy importantes por sus grandes ideas de ciudades utópicas fue Constant Anton Nieuwenhuys y uno de los fundadores del grupo Cobra, este artista tambien pertenecio al grupo del situacionismo, su desmpeño era la pintura y la arquitectura entro otros pero como fue avanzando mas el tiempo se ocupo de la arquitectura y realizó un proyecto de una ciudad a la cual llam la Nueva Babilonia, que más que una ciudad Anton la consideraba una nueva cultura pero siendo una ciudad utopica nunca pudo realizarse.
Al observar las creaciones de Anton Nieuwenhuys y su manera de pensar al querer crear este tipo de ciudadades y me quedó pensando y si lo hubiese logrado, que no fuera utópico y si real,como sería la forma de vivir en esta etapa contemporánea, es interesante echar la mente a la imaginación, es algo grandioso, ¿cómo sería el arte y la forma de vivir?, me pregunto. Es algo sorprendente pensar en todo esto.
Otro artista con grandes observaciones fue Asjern Jorn quien quien dijo ´´ que la naturaleza del arte no es imitar las formas externas de la naturaleza si no crear un arte natural´´.
Tal vez mi capacidad de entendimiento no logra captar del todo lo que Jorn quiso decir con esa gran observación pero se me hace una contradicción a lo que dijo Platón: que el arte era una copia de la naturaleza es decir: Una flor bonita, por ejemplo, es una copia o imitación de las ideas universales de flor y belleza. La flor física es una reproducción de la realidad, es decir, de las ideas. Un cuadro de la flor es, por lo tanto, una reproducción secundaria de la realidad.
Esto también significa que el artista es una reproducción de segundo orden del conocimiento y, en realidad, la crítica frecuente de Platón hacia los artistas era que carecían de un conocimiento verdadero de lo que estaban haciendo. La creación artística, observó Platón, parecía tener sus raíces en una inspirada locura.(monografías.com).
Y lo que Jorn quiso decir sigo sin comprenderlo, como crear un arte natural cuando en verdad es una copia de la naturaleza como lo dijo platón y en mi punto de vista tal vez si sea una copia de la naturaleza pero de igual manera si el paisaje natural es bello provoca reacciones en el ser que lo observe y por experiencia propia también al ver un cuadro o cualquier tipo de arte creado de buena manera provoca reacciones similares si no es que mas fuertes que una copia, que finalmente creo que no lo es.
Otro punto importante de este movimiento es la Psicogeografía es otro concepto en la que se pretende entender los efectos y las formas del ambiente geográfico y el comportamiento de las personas.
Trazar mapas sobre mapas ya existentes es algo no tan recurrente pero sí muy interesante, pensar en lo que podría pasar, de seguro cosas nuevas con las que nunca habían interactuado personas que llevaban una rutina por años, cosas que ni les pasaban por la mente, tal vez si sus barrios y trayectorias fueran de clase media alta, y al trazar estos mapas sobre mapas tuvieran que cambiar su rumbo sobre clase baja, la expresión de sus caras serian muy buenas tomas fotográficas, y como la Psicogeografía va acompañada de la deriva se torna más interesante. Imaginemos un vagabundo invitado por una señora millonaria que entiende y comprende este movimiento artístico y le gusta ser parte de la deriva, imaginemos que todos la comprendiéramos pero todo bajo un objetivo de buena caridad, interesante aunque la deriva no sería tanto la trayectoria que cambie uno si no con lo que le espera al entrar o salir de este concepto.
Como en todos los movimientos artísticos cada uno de ellos trata de llevar el arte más allá de lo que fue el anterior, en este caso el Situacionismo quiere salirse de las galerías incluso de olvidar la pintura, la escultura y todas sus disciplinas.
En mi entender este movimiento trata de que el soporte sean la ciudad y las pinceladas la sociedad que habitan la misma.
Este movimiento junto con todos los demás que existen queda en claro que romper con las disciplinas del arte es difíciles ya que es como un ciclo como lo escuche en clase por decir ,antes del Situacionismo ya había tantos movimientos que poco a poco iban rompiendo con la pintura escultura hasta que apareció el Situacionismo y quito por completo la pintura dentro de su concepto ya que su movimiento trataba más con las cosas emocionales y después de ese movimiento se volvió a la toma de la pintura y vuelve a suceder lo mismo en esta época contemporánea donde importa más el concepto que una buena pintura, esto quiere decir que aunque mi pintura sea una barbaridad, si traigo un buen concepto este será aceptado, en lo personal prefiero que las ideas y conceptos sean para cambiar o hacer movimientos que cambien radicalmente una sociedad y que no los lleve una pintura o una escultura que no valga la pena y que solo por la conceptuosidad sea buena.
Quizá mi razón de entendimiento sea un poco corta en estos temas, todavía, ya que sinceramente no le he dedicado mucho tiempo a los movimientos pasados y tampoco a los contemporáneos, por eso tal vez no tenga una idea muy visible de lo que puedo reflexionar acerca de los mismos, y por que decidí hacer un ensayo o si a esto se le pueda llamar ensayo acerca de esta tema, es porque simplemente la idea a lo desconocido, a las cosas nuevas, a los cambios drásticos no contemplados en una persona me resultan emocionantes, tratar de cambiar a una ciudad a un gobierno con forme a una idea utópica de una gran urbe, en una ciudad ideal aunque pareciera difícil, pienso que si puede hacerse realidad pero todavía no llegamos a un punto de verdadera armonía y son pocos los que tienen ese armonía pero como en las sociedades gana la mayoría la minoría no tiene nada que hacer, pero por algo de debe de empezar.

2010-12-01T10:54:00.001-08:00

El legado del grupo Fluxus
Ingrid Woller Ibarra
iwolleri@gmail.com

En los últimos anos y cada vez más frecuente, visitamos galerías, exposiciones o cualquier espacio en donde se exhiba arte y pareciera que al estar ahí, no entendiéramos nada. El mundo del arte se ha convertido en todo y en nada. Numerosas piezas que pasan desapercibidas, otras que atraen nuestra atención pero cada vez son menos en las que pudiéramos entender un mensaje, es como si el arte contemporáneo fuera sólo para unos cuantos, para unos cuantos que dicen poder darle lectura a lo que están viendo. Pero lo que hoy sabemos y algo de lo que estamos conscientes, es que libremente podemos transitar en una galería y la diversidad de obras con las que nos vamos a encontrar es infinita y esto no ha sido siempre así.
El arte contemporáneo ha llegado a un punto en donde todo es permisible, no existe ley ni regla que diga que lo que tu expones no se pueda hacer, o no se permita exponer. Cada día los seres humanos estamos adquiriendo una mente mas allá de lo que se diría abierta. Tenemos un pensamiento racional y objetual entre lo que hacemos, lo que vemos, lo que sentimos y lo que queremos que los demás experimenten. Por ejemplo, el ver transitar a una persona desnuda en la calle, aventarle espermatozoides desde un frasco a las personas, tener una menstruación enfrente de un público, todo esto y más siguen siendo de los actos más polémicos y burdos en una sociedad cosmopolita en el S.XXI, pero que sería de estos actos en el mundo del arte hace 50 anos.
En los anos 60’s se desató (y lo digo así por el impacto que ocasionó en las personas) un grupo de artistas llamado Fluxus, que en su origen no eran conocidos con artistas, sólo como un grupo de personas que perseguían ciertos intereses. El término acuñado por George Maciunas en 1962, nombre proveniente del latín flux que significa flujo y tiene relación con la libertad, era el nombre perfecto para todas las actividades en las que se involucraban. Actos provocadores, salidos de los límites de la realidad, la mayoría de ellos espontáneos y sin argumento.
Maciunas escibe: "Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático".
Un arte provocador por una combinación de acciones que ocurren como un ritual simple o en un contexto ritualizado. Las acciones de las cuales estamos hablando son, siempre de manera diferente, violar los valores y estándares cotidianos. Ellos quieren provocar al sistema a manera de juego, como algo divertido. La alegría es parte fundamental los impulsos hacen cambios estructurales en el sistema. Podemos encontrar, sin embargo, un fuerte compromiso social y político en algunos de los artistas pertenecientes a este grupo.
Hay una fusión entre artes escénicas y artes visuales, dejando atrás cualquier intento de perfección, todo está preparado para “ver que sale”. Algunos de los actos tenían fines políticos, propagandísticos o sociales y otros simplemente por el placer de hacerlo y de llamar la atención. Los artistas podían usar algún vestuario o ropa de civil. El propósito era hacer algo nuevo, lo nunca antes visto, y novedoso pero sobre todo contagiar al espectador de energía. Los artistas o las personas involucradas no intentaban producir una pieza de arte sino una experiencia artística, capaz de experimentar con nuevos lenguajes, tenían una estrategia del contagio social y con esto reacciones en cadena. Ver video 1.
Usualmente hay una audiencia y luego por lo general no queda mucho del trabajo de las obras de arte o como en el caso de Joseph Beuys, otro de sus integrantes, cualquier herramienta o utensilio que le pudiera servir en la realización o elaboración de su pieza pasan a ser parte de la obra, lo cual me parece bastante ridículo ya que si el principio de este grupo no era el medio sino el mensaje vemos aquí una contradicción que obviamente podríamos culpar al mercado del arte que es lo que le da valor a estas piezas, pero no es posible que no les sea suficiente las acciones del artistas, el registro del performance y adopten los utensilios para ponerles precio. Ver video 2.
George Brecht explica: "En Fluxus no se ha dado nunca ni siquiera la menor tentativa de alcanzar un acuerdo respecto a fines o métodos; simplemente se han aliado personas individuales, que tenían en común algo innombrable, para publicar y presentar sus trabajos. Quizá algo en común es su sentimiento, que los límites del arte están fijados mucho más allá de lo que habitualmente parece, para lo que el arte y los límites establecidos desde hace tiempo, ya no sirven de mucho".
John Cage, fue uno de sus principales integrantes y él decía que no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. Es así como la música, el teatro, danza y el happening se unen en algo que revolucionaria para siempre la manera de ver al arte.
Se destacó en la música, y con los medios menos usados logró sonidos que en conjunto hacían una canción. Desde sonidos con agua, flores, vapor, aventando cosas, golpeando muebles, con electrodomésticos como licuadoras o cualquier aparato que generara un sonido o con el que pudiera hacer un sonido, los mezclaba y hacia melodías nunca antes escuchadas. En su mayoría creadas imprevistamente con un público del que no le importaba si se reían o burlaban de él. Ver video 3.
Según Filiou, Fluxus es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine".
Esta manifestación tiene ramificaciones en Alemania, con Vostell, Nam June Paik, Beuys, Dieter Roth; en Francia, con Be Vautier, Le Mont Young, Filiou; en Italia, con Marchetti; Estados Unidos, con Dick Higgins, Robert Watts, Cage e George Brecht, así como en Japón, Holanda, Canadá y España. La primera manifestación colectiva, “Fluxus Internationale Festspiele“, tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.
Tomas Schmit reconoce: "no había dinero que ganar, ni gloria que cosechar, el resto de la escena del arte nos ignoraba, la prensa, en el mejor de los casos, nos sacaba maliciosamente en las páginas a color entre el becerro de cinco piernas y la boda del príncipe".
Con esta cita se piensa en cómo este grupo de artistas se deja llevar por sus intereses, los une un ideal que aunque parezca no estar establecido, está presente entre sus integrantes, se mantienen ante los desafíos sociales y los de la autoridad y aunque pareciera que en su momento pasaron desapercibidos por no estar al nivel de lo considerado arte, hoy lo es. Hoy es un grupo que es reconocido con cada uno de sus integrantes y es prueba de un pasado en el que el legado que encuentro es esa disposición para atreverse a hacer lo impermisible, lo inimaginable. Este grupo abrió esas puertas y esos tabúes a los que la sociedad estaba cerrada y ahora 50 años después son los que permiten una libertad en la producción, en las artes escénicas y artes visuales.
"Lo más importante de Fluxus es que nadie sabe lo que es. Cuando menos, debe producir algo que los expertos no entienden. Yo veo Fluxus allí donde yo también puedo entrar", dice Robert Watts.
Pero que pasa hoy en donde todos estos actos ya son aceptados por un mayor número de personas, que ha pasado con el reto de los artistas por provocar, por causar controversia entre los espectadores en un mundo en donde el caos es el pan de cada día, en donde nunca estamos de acuerdo con nuestro gobernantes, con las escuelas, con los amigos, con nuestra familia, con la religión, hay una inconformidad hacia el sistema en general y siempre esperando a que los cambios sucedan allá afuera, pero nosotros como artistas considero que tenemos esa llave, un poder que pareciera que en ninguna otra profesión se tiene para hacer estos cambios, para proponer, para crear.
Hay muchas maneras de incentivar a las personas a ver su realidad, a no conformarse con lo que se nos dice o con lo que se nos impone y esta puede ser una de ellas. Hacer actos fuera de lo cotidiano es la única manera de explorar otros medios que nos hagan sentir bien, de encontrar un mundo en donde verdaderamente se respeten las propuestas de otros. Debemos aprovechar esta época, esta etapa de arte y pensar que fines podemos perseguir con este tipo de actos.
V1. http://www.youtube.com/watch?v=yVYd1Z1Ckmg Grupo Fluxus.
V2. http://www.youtube.com/watch?v=lD5Fj2QTtpI&feature=related Joseph Beuyz rasurando.
V3. http://www.youtube.com/watch?v=3MHwn4mHE1U&feature=related John Cage, canción.
http://www.youtube.com/watch?v=BspaJjhHeJo&feature=related Joseph Beuys con su fieltro
http://www.youtube.com/watch?v=P4ZkR1X6s7E&feature=related Liebre muerta
http://www.youtube.com/watch?v=LQcfc-MlGFk&feature=fvw Una exposición.
http://www.youtube.com/watch?v=k_k453_FSWE&feature=related Joseph Beuyz, sin moverse.
http://www.youtube.com/watch?v=NLOWy3ys8Ag&feature=related John Cage
http://www.youtube.com/watch?v=mGrhL49-YQw&feature=related Canción con utensilios de cocina.

Historia del Arte IV // Profr. Roberto Rosique
Noviembre 30, 2010.

2010-12-01T10:41:00.001-08:00

Historia del Arte IV
Mtro.: Roberto Rosique
Tijuana, Baja California, diciembre-2010

DEL APROPIACIONISMO DE LA IMAGEN A LOS DERECHOS DE AUTOR

PAULINA MENDEZ GARCILAZO
mandalalunar@gmail.com

Apropiacionismo, de la imagen a los derechos de autor.
Sin duda el crítico de arte Douglas Crimp tuvo que basarse en un concepto para generar la primera exposición apropiacionista titulada ''Pictures'', esta palabra en el idioma inglés denota imágenes ya sean pintadas, fotografiadas o dibujadas; una imagen realista descrita o bien una imagen de memoria visual, lo que lo lleva a generar un nuevo movimiento, la hazaña de ir contra los movimientos minimalistas y conceptualistas, proponiendo la importancia que tiene la imagen, el hecho de retomar una imagen para recontextualizar la lectura que el espectador tenía de ella. “La muerte del autor”, fue una frase que durante la historia del arte aparece como forma de desvirtuar al autor de su obra, esta misma frase se retoma con el movimiento para poder apropiarse de imágenes que otros autores ya habían generado, emerge una crítica que realizan a los museos y galerías, hacen una repetición de imágenes, redefinen el lenguaje visual. La imagen ya no necesariamente tenía que poseer un concepto o ser pensada por el artista.
La imagen siempre ha tenido diferentes relaciones; en algunos momentos sirve para contar historias, en otros; como una forma para el estudio de la antropología social. La manera en la que el artista las produce es diversa, a partir de la aparición de la cámara fotográfica, las representaciones de objetos, paisajes y realidades visuales cambiaron, la cámara captaba todo lo físico posible, por lo que el arte en general tuvo una gran ruptura de lo tradicional originando nuevas formas y propuestas visuales. En los años ochenta, la publicidad invadía las grandes urbes; el arte se relacionaba con la producción de anuncios, el cine, revistas y televisoras, eran las industrias que difundían constantemente estas imágenes. Los espectadores Vivian continuamente rodeados de anuncios que gestaban acciones como el machismo y el sexo; imágenes que eran populares, que lo único que proponían era la venta del producto que promovían. Imágenes con un interés comercial, que invadían visiones y pensamientos. Con este argumento surgen artistas como Sherry Levine, Roberto Longo, Jack Goldstein, Cindy Sherman entre otros, que al sentirse invadidos de imágenes comienzan a cuestionar ¿qué tan valido era el valor de pertenencia?, empiezan a idear formas de representación pictórica, como los cuadros proyectados con diferentes imágenes ya existentes, la fotografía surge como medio principal de apropiación, lo que ellos proponían era usar las mismas técnicas, colores, inclusive formas, pero dotar una nueva lectura o interpretación de la obra, ya que el contexto social y político de cada época cambia constantemente. Así obtenemos obras como las de Sherry Levine que se dedicó a refotografiar fotografías de artistas conocidos de los años 30´s y 40´s, o Robert Longo que decide tomar los negativos de películas comerciales para hacer rotoscopias de estas imágenes, estas imágenes por ser conocidas ya por un público que tenía noción que otros artistas ya habían trabajado con el tema o la imagen comienzan a confundirse, entre si la obra es un plagio o simplemente una copia. El plagio según la ´´ Real Academia de la Lengua Española´´ acción y efecto de plagiar, (copiar obras ajenas), copia consiste en una obra de arte que reproduce fielmente un original, Imitación de una obra ajena, con la pretensión de que parezca original, estas definiciones probablemente se parecen, las dos nos dejan claro que tiene que ver con obras ajenas al artista que las presenta.
Los derechos de autor, mejor conocido como el copyright en Estados Unidos tienen un registro que data desde 1790, en donde encontramos que el arte no contaba con ninguna protección de este género, en 1980 ya existía el derecho de autoría o copyright dotando al artista, empresa o campaña publicitaria apta para cobrar por el uso de un contenido expreso mas no por la idea, es así como este movimiento nuevamente se justificará para seguir aportando imágenes recontextualizadas.
Este movimiento tiene críticas negativas, pues la mayoría de la gente llega a pensar que solamente es copiar imágenes para venderlas, tener fama o no producir ideas originales y que el artista no realiza ningún esfuerzo, lo cierto es que este movimiento a pesar de las críticas, siempre mantuvo la firmeza de creer que al recontextualizar las imágenes que invadían el campo visual, pertenecían a cualquier persona que las observara por que esta le adaptaba su idea.
Actualmente no podemos negar que esta forma de concebir apropiarse de imágenes que otros artistas ya habían impulsado es bastante cínico, pero marca una pauta de producción de nuevas ideas que a través de este movimiento generó el uso de imágenes libremente, ya con el fin de producir obra de arte y no con el interés comercial que pueda tener, es cierto que el desencanto que produce este movimiento por lo fácil que resulta el copiar imágenes ya vistas es grande porque genera un pensamiento de comercialidad únicamente, es el mismo desencanto que nos puede generar el Ready- made duchampiano y el arte objeto, pero sin estas nuevas formas de expresión, en estos momentos no conoceríamos la libertad de la creación con lo que ahora se tiene, con la aparición de la Internet, el arte comienza a expandirse rápidamente, las imágenes que podemos observar son demasiadas, la autoría o copyright es mas penado, aunque no necesariamente totalmente protegido, pero aún así los artistas actuales siguen ejerciendo la forma de apropiarse de imágenes para su producción, no ya con el mismo concepto, pero sí bajando imágenes como referencia para alguna pintura o escultura, creando diseños u obra digital con imágenes de compañías publicitarias para generar una crítica a las mismas marcas, o simplemente recontextualizando imágenes. Al final la misma pregunta que lleva la generación de este escrito sigue surgiendo. ¿Quién es el dueño de una imagen?, el que la compra, el que la genera o el que la observa y queda perpetuada en su memoria para siempre.

2010-11-30T12:40:00.000-08:00

GRAFFITI
Mariana Fragoso
mariana_9022@hotmail.com

El término graffiti fue usado por primera vez en este sentido por los arqueólogos para designar las escrituras informales en tumbas y monumentos antiguos. Hoy, al igual que entonces, graffiti se refiere a una amplia variedad de temas tratados en un tono satírico. En la segunda mitad del siglo XX el término se ha aplicado a numerosos actos, a veces considerados vandálicos, sobre la apariencia de las propiedades, mediante pintura y otros medios gráficos.
El graffiti originalmente surgió en los Estados Unidos a finales de los sesentas , específicamente en Nueva Nork, el joven pionero de este movimiento artístico fue Demetrius apodado “taki ”, quien empezó escribiendo su apodo junto a su numero de calle 183 en todas las superficies posibles de su vecindario sin intensión de sobresalir o de influenciar algo, sólo lo hacia, según explica, como algo “instintivo”. Sin embargo, brinco a la fama poco tiempo después, y se convirtió en una gran influencia muchos jóvenes que de inmediato empezaron a hacer lo mismo en sus vecindarios .
Al principio escribir su nombre era lo importante, después fue transformándose poco a poco por la competencia. Poner diferentes diseños de letras, hacerlas con sobras con brillos, con símbolos, de varios colores, en fin, a cada estilo de letra se le asigna un nombre, y por lo mismo que la competencia se hacia cada vez mas grande es cuando fueron incorporando imágenes, como superhéroes o personajes de dibujos animados, músicos famosos, imágenes creadas, etc.
El grafiti también llamado “el otro arte de escribir”, es confundido por la mayoría de las personas por cualquier tipo de palabras escritas en un muro, que son ofensivas, esas que no tienen ningún valor artístico co9mo lo tiene, el trabajo de elaboración que hay detrás, la evolución grafica que a tenido durante tantos años el graffiti.
Originalmente el grafiti tiene un sentido territorial, de oposición a las reglas, a darse a conocer, de darse a respetar, también es visto como la forma mas directa de hacer que volteé alguien a ver una pared que solo tiene un color solido impregnado.

A pesar de que el grafiti parece algo sencillo, algo que para hacerlo no necesitas saber nada simplemente, hacer por hacer, tiende a confundir a las personas, porque no es lo mismo hacer pintadas en una pared, a grafitiar, por que el grafiti tiene sus códigos, tiene su razón de ser, su esencia. Para llegar a ser un buen grafitero, reconocido y para que realmente dejes tu marca, tienes que seguir las políticas del grafiti, no son reglas por que un acto de vandalismo no puede tener reglas por eso son códigos. Pero para ser bueno se tienen que seguir los códigos, algunos ejemplos pueden ser, el nombre con el que firmas tiene que ser elegido con detenimiento, tiene que sonar bien, se tiene que escribir fácil, no usar nombres repetidos o términos callejeros, no pintar encima de una superficie ya pintada, respetar los antecedentes, respetar la historia, etc. Y siempre si se pinta encima de una pieza, tiene que ser mucho mejor, que realmente valga la pena.
La competencia es parte esencial del grafiti, es por lo que sigue adelante, es lo que lo mantiene en pie, el proceso de mejorar, de evolucionar, ir por mas, superar a los demás, pero viéndolo siempre en forma natural, no narcisista, como la sobrevivencia del mas fuerte. Como lo es en todo, necesitas ir para adelante proponer cosas nuevas, mejorar las ya existentes, para que así puedas sobresalir y dejar realmente una huella en esta vida de que exististe.
El graffiti es arte puro, es el lenguaje del ignorado, su función mas directa es la expresión libre en todo lo que te rodea, el arte instintivo, el arte ilegal, el arte temporal, ese que se hace y se destruye espontáneamente, el arte callejero, el arte que une, el arte multicultural, el arte colorido, el arte territorial, el arte confuso, el arte veloz, el arte urbano, el arte de rayar.

2010-11-30T12:29:00.001-08:00

Historia del Arte IV
Mtro.: Roberto Rosique
Tijuana, Baja California, diciembvre-2010

Apropiación
SILVIA ESTHER ORTIZ VALADEZ.
esther_sk8@hotmail.com

Este movimiento surge en 1977 como una propuesta desmitificadora. Su intención puede ir de la ironía al homenaje.
Algunos de los artistas que abarcan este movimiento son Troy Brauntuch, Robert Longo, Sherrie Lenvine y Cindy Sherman. Su propósito era poner en escena, antes que la representación misma, los procesos a través de los cuales esta obtiene su codificación social.
Quisieron hacer patente de qué forma los usos establecidos y que pasan por naturales, en realidad son el resultado de un trabajo en el que ha triunfado una cierta política de la representación.

En lo que a mi respecta, este movimiento es como una burla o bien una ironía. Tal vez al igual que en estos tiempos actuales, los apropiacionistas pensaron que ya no había nada nuevo por hacer, que ya todo había sido visto o inventado y es entonces que comienzan a indagar en otras perspectivas del arte y es cuando deciden tomar algo de lo que ya estaba (apropiarse) para bajo esto crear un concepto que giraría todo.

Me parece que esto o es artístico, a menos no en lo técnico, ya que sólo llegan, copian y lo presentan, me pongo en el lugar de los artistas, a quienes usurparon sus piezas y al igual que ellos también me molestaría que ¨X¨ persona llegara, tomara una foto de mi foto, la presentara y de paso le fuera mejor de lo que me fue a mi como creadora original de la pieza.

Sin embargo, tengo la contraparte de mi negación a este movimiento, como mencione; técnicamente para mí no es artístico, por muy bien logrado que este, pero si hablamos de la idea, es genial, como empezó esta idea en su cabeza y como llegó a dejar una gran marca en el arte, es una idea muy atrevida, que rompe completamente con la forma de llevar acabo una pieza o de proponerla. Que sobrepasa los límites, es decir, no sólo toma un fragmento al que podría cambiarle la atmósfera, añadirle otro elemento, etc., sino que toma la pieza completa y la presenta como tal, eso es justamente lo atrevido. Y lo mejor es que el argumento que los artistas apropiacionistas hacían era tan bueno y bien fundamentado que no les podían hacer nada.

Herber Read, en su diccionario del arte y los artistas, define la apropiación como la repetición, copia o incorporación directa de una imagen por parte de otro artista que la representa en un contexto diferente, de manera que altera por completo su significado y cuestiona las nociones de originalidad y autenticidad.

Quizá de este periodo el trabajo que mas llama mi atención es el de Serrie levine, ella reproduce algunas obras “clásicas” de la fotografía “pura” de los años 30 en EEUU, exactamente iguales y se las adjudica como propias, intentando señalar dos problemas: por un lado, el desbalance entre el anonimato de los personajes retratados por el fotógrafo original -Walker Evans-,y el hecho de que la misma operación (fotografiar) se juzga de modo diferente cuando se hace sobre la realidad directa, que cuando se hace sobre una reproducción de una realidad previa, registrada a nombre -como propiedad- de otro.

La diferencia entre la propuesta de Levine y el simple plagio es que ella elige una obra muy conocida públicamente y su “creación” consiste en hacerle preguntas a través de un acto tan simple como fotografiarla, no pretende atribuirse el contenido original para sí, sino que busca cuestionar el punto en el cual ciertos objetos y/o personas están sobrevalorados según nuestra noción de autor.

Realmente el peso de este movimiento de apropiación es muy grande, tan grande que hasta la fecha sigue usándose y francamente creo que se usara siempre, talvez no el sentido de apropiarse tal cual de una obra, sino que el hecho de tomar un pequeño fragmento de algo ya es una apropiación por si sola.

Viendo la apropiación desde una perspectiva un poco diferente he llegado a la conclusión de que a pesar de no aprobar la apropiación, casi toda obra de arte lo es, Es decir, partes de un referente en ocasiones, tomas algún fragmento de algo que viste y te gusto, usas una técnica que ya alguien hizo y patento y así es como caemos en la apropiación, aunque en diferentes niveles, es decir, podemos distinguir entre una obra que es totalmente una apropiación y otra que tal vez lo sea sólo en una parte.

2010-11-30T11:33:00.000-08:00

Transvanguardia italiana
Roberto Carlos Paredes Hernández
black_cat2009@hotmail.com

Es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue empleado en 1979 por el italiano Achille Bonito Oliva, para un grupo de pintores italianos.
El italiano Achille Bonito Oliva nació en los años de los ochenta, en oposición al arte povera, movimiento de novedad hasta entonces en Italia. La transvanguardia pensaba en el regreso al gusto y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un conjunto de artistas: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis.
Los transvanguardistas se caracterizaban por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Concurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con expresividad cromática. Otra de sus características es que el artista es libre para viajar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Hacen obras normalmente figurativas, con referencias o pedazos de obras del pasado.
Su principal influencia es el Manierismo, también como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos. El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Es una tendencia parecida al neo expresionismo, la nueva imagen, el graffiti, el bad painting o la pattern & decoration.
La obra de estos artistas se caracteriza por el protagonismo que tiene el color en las composiciones, tratado en muchas ocasiones con enorme sensualidad, así como por un aire de romántica nostalgia del pasado, inspirándose sobremanera en el rico legado cultural italiano. Un interés especial por los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte con un marcado y consciente eclecticismo, serán factores característicos de los artistas de la Transvanguardia, alejándose claramente del arte conceptual, que había caracterizado la producción de los artistas de la generación anterior, y del arte povera. En las obras de Sandro Chia, las imágenes parecen flotar en el tiempo y en el espacio; con Enzo Cucchi renace el papel de artista visionario a la manera de los paisajes de Emil Nolde; como un Vincent van Gogh o un Egon Schiele, Francesco Clemente presenta unos autorretratos psicológicos donde la figura del artista se nos revela como un héroe solitario e incomprendido, así como escenas cargadas de erotismo; con Mimmo Paladino las figuras humanas, los objetos y los animales se muestran de manera arcaica, arqueológica; Nicola de María juega con espacios y colores con mucha frescura y con la libertad con que lo haría un niño. Yo creo como si de un todo vale se tratara, la Transvanguardia Italiana muestra toda una variedad de expresiones de donde cada artista puede tomar lo que desea para mejor expresarse. Asociaba la abstracción con los valores de experimentación y progreso la transvanguardia surge como la única vanguardia posible, a la vez como la única tendencia capaz de recuperar las raíces del territorio cultural del artista y proyectar las ideas del pasado en el presente

2010-11-30T11:07:00.001-08:00

LAND ART
José Luis Resendiz Leon
catrin15_48@hotmail.com

Lo que aprendí del land art es un movimiento artístico que se basaba en hacer arte en la tierra, intervenciones en montañas. Básicamente habla de hacer obras de artes sobre la tierra. Se pueden hacer cualquier tipo de land art ya sea de algo sencillo, una intervención de rocas, arena, agua, montanas, también se puede hacer land art con cosas materiales de la casa.
La Isla de Dubái:
Una las islas que yo veo muy interesantes y que tiene un land art muy bien hecho es la isla de Dubái ubicada en Emiratos Árabes. Es una isla que por su forma de isla en forma de palmas es un land art y un centro turístico porque tiene hoteles, sus hermosas playas, etc. Lo que caracteriza esta isla y la hace especial es que tiene debajo de la isla otras pequeñas islas que forman toda la tierra, los continentes y los países, han puesto ya el proyecto de hacer otras islas en formas de palmeras en Dubái, han quitado grandes cantidades de arena y crear más lugares turísticos y centros comerciales, la desventaja es que esta isla puede llagar en algún futuro a inundarse por las grandes de agua que hay en la superficie de la isla.

Los Geoglifos en Nazca Perú:
Otro land art del que puedo hablar son los Geoglifos que están en la ciudad de Nazca Perú (Ciudad del imperio inca) estos dibujos dibujados desde tierra tienen una característica interesante, porque según cuenta la historia de los pueblos incas decían que desde tierra no son nada, pero desde el cielo son símbolos, símbolos que solos los dioses pueden ver.

Los círculos en los cultivos:
Yo siempre he tenido esta duda al igual que ustedes, que quien hizo los dibujos de círculos en los cultivos, estos círculos son muy interesantes, muy bien hechos y polémicos porque se han creado historias sobre estos cultivos de que fueron seres fuera de este mundo quienes los dibujaron, otros dicen que las mismas personas los dibujaron, yo opino la teoría de que fueron las personas, porque los seres espaciales los invento Jaime Mausan para ganar mucho dinero aunque si puede haber probabilidades de que existen seres fuera d
La silueta en la montaña de la Playa Requesón o Bahía Concepción en Mulege Baja California Sur:
Se puede decir que yo he ido a muchas partes de la republica mexicana y el lugar que mas me gusto y por mi gusto por el mar, el lugar además de San Felipe Baja California es, Mulege Baja California Sur, lugar turístico donde hay muchas playas, Playa Coyote, Santispac, Playa Escondida y otras que he visitado, pero la que más me gusto es la Playa Requesón o Bahía Concepción, además de un lugar para acampar y disfrutar la variedad, algo la hace especial y es porque la montaña que está entre en medio de la playa tiene una silueta o una pintura rupestre que tiene forma de fuego y a la derecha tiene una forma de pez, es un land art muy bien trabajado ya que empezó a dibujarse en 1997 y lo terminaron en mismo ano, cada vez que lo veo, pienso que este boceto o pintura rupestre debe perdurar por mucho.

Las piedras de Stonehenge en Londres Inglaterra:
Otro que puedo decir que es un land art, son las piedras que están en Stonehenge Londres. Muchos geógrafos, astrólogos, astrónomos, científicos y los que se dedican a estudiar rocas se preguntan quienes crearon estas grandes y pesadas rocas, y porque se mantienen en pie y no se degradan. Muchos investigadores aseguran que en la época de la pan gea y la edad de piedra los homo erectus formaron están grandes piedras y las intervinieron de manera de que quedaran circulares y bien alineaditas, pero mi pregunta es esta ¿Cómo una piedras grandes que ya tienen más cinco mil millones de años siguen de pie y no se cae? Creo que la repuesta viene de que están muy bien puestas porque tienen arriba un círculo que hace que las sostenga y nunca se caen y de tantos años que tiene se ve degradada pero no, se ve bien aunque si tiene piedras que se ya se cayeron, pero la estructura sigue en pie y no se ha caído, este lugar lo para hacer sus rituales.
CONCLUSION:
El arte es algo super importante porque nos ayuda a hacer más fuerte nuestra imaginación y lo que me enseño este curso de historia del arte IV es que me fije en el arte antiguo con el de hoy y leer mas artistas contemporáneos y visuales ya que esto me va ayudar a desarrollar esa parte de mi cerebro que todavía no capto bien pero si logro llegar a pensar con madurez, este tema lo elegí como ensayo porque me gusta hacer manualidades con el medio ambiente y con quienes lo habitan, gracias por todo maestro Rosique, me ayudo en mucho y en mis dudas.