Neoexpresionismo alemán
Lazos Murga Adrian
spok3y_08@hotmail.com

Arte nacionalista
El Neoexpresionismo alemán movimiento surgido después de finalizar la II guerra mundial , los “artistas” observan la Alemania desbastada y sin identidad, al ver esto, los personajes son influenciados por el historial nacional, preocupados por su trayectoria y consientes de esto, el movimiento empieza a surgir como una representación expresividad y critica acerca de la dicotomía de valores occidentales, creando imágenes consientisadoras que cuestionan la sociedad, la esquizofrenia, el drama y la tranquilidad; lo racional y lo irracional por mencionar algunos temas de representación.

En cuanto a la estética será una mescolanza con distintas corrientes de vanguardias como el futurismo, surrealismo, faovismo algunas más predominantes que otras, siendo esto un redescubrimiento que se revelo contra el minimalismo y su sencillez , las ideas conceptualizadas cripta lisadas en objetos, como la idea de la vanguardia como ruptura de la tradición, siendo un movimiento nacional racionalista.
El neoexpresionismo alemán en resumen viene siendo un movimiento antropológico entre la modernidad y la posmodernidad pues el estilo viene siendo la creación de una nueva imagen a una sociedad desbastada y partiendo de ahí para la creación de sus pinturas y reflexiones que a fin de cuentas están interesados en las ideas vanguardistas pero que a su ves van en contra de estas reciclando una representación conjuntamente con la transvanguardia italiana, inicio como un grupo partiendo de reflexiones histórica, criticas asía el ser humano, la miseria el anti-Intelectualismo, filosofías de el lenguaje y comunicación, un movimiento muy exponente acerca de la vida y sus quehaceres , y que asta este momento sigue como algo individualista común y corriente valiéndose del consumismo sin una innovación pictórica evolutiva apegándose a lo ya representado por generaciones anteriores siendo un arte en con cluicion que partió desde una perspectiva critica asta convertirse en un individualismo valiéndose de la fama que enriquece el egocentrismo alemán.

Reflexiones sobre algunos temas de Historia del Arte IV
Gustavo Rodríguez
gustavorodriguezmendez83@gmail.com

He encontrado varios puntos que me gustaría comentar de algunas tendencias dentro del arte de la postmodernidad. Empezaré con el orden que los tengo anotados en la libreta de notas, creo que puede ser interesante.
Comenzaré con el Minimalismo. Es importante que existan movimientos donde la sintetización de las cosas actúe con el entorno creando un espacio y estado de tranquilidad, silencio, movimiento, donde el mismo lugar se convierta en la propia obra de arte. Es emocionante la sensación de limpieza que se siente y se percibe con las piezas de Sol Lewitt, es el movimiento sintetizado donde intervienen emociones reflejadas en colores y en formas geométricas simples, tal vez unos de los puntos que desde mi perspectiva sería desfavorable, es la saturada repetición de formas parecidas, tal vez por la rigidez del movimiento. Quizá saturar la imagen de formas simples entra en conflicto con la propia idea del minimalismo que propone efectos satisfactorios con el menos número de componentes, no digo que sea siempre el caso de cada minimalista, en todo caso es una reflexión personal acerca de esta corriente.
Este y otros movimientos donde intervienen pocos elementos es lo que te enseña a descomponer una idea y armar algo más sencillo, como por ejemplo trabajar con alguna forma geométrica donde se registre el movimiento de la sombra las 24 hrs del día donde la propia sombra de la forma geométrica, sea la descomposición y la transformación u otra forma geométrica aparente o en teoría, que se vea reflejada en la superficie.
Creo que la visión de la academia tiene que salir del formalismo y no precisamente seguir el protocolo, sino experimentar con la búsqueda del ser interior para que tu yo creativo pueda surgir sin ningún obstáculo, donde por causa de una verdad absoluta sea nublada la visión.
La Abstracción excéntrica, conocida también como Post-minimalismo debido a que como el minimalismo usa pocos elementos, pero esta vez recaen elementos como el movimiento curvilíneo y la sensación de que la pieza pudo haber estado en movimiento y con vida.
Eva Hesse es una de las precursoras arte conceptual post-minimalista, creó la ruptura del minimalismo hacia la abstracción excéntrica. Fue lo interesante ya que rompe con la rigidez del minimalismo y propone algo realmente nuevo en su momento.
Trabajar con ciertos materiales que tal vez nunca se imaginaron que pudieran haber servido con un propósito artístico, es curioso pensar que tal vez estos artistas se hicieron una pregunta y esto ¿porqué no? Ya que en ningún momento el arte se debiera delimitar.
Lo importante es como la cultura de estas personas hacen que se adelanten a su tiempo y conquisten nuevos territorios de la indagación, que de seguro comenzaron por medio de la filosofía y la literatura. Por eso es necesario proponer un nuevo sistema de enseñanza, que abarque puntos más importantes como lo es el desarrollo de las ideas, donde la visión sea lo más importante, después la acción y por último el resultado.
Aunque unos o varios puntos desfavorables serían el reflejo del vacío interior que manifiesta un estado de formas que pareciera que no las han movido en años y que aparentemente no han tenido ningún daño o sea que es un estado mental demasiado pasivo pero triturado y deshecho.
El Body Art que da pie a usar el cuerpo como soporte y esto me hace reflexionar que tal vez a veces no es necesario usar más que tu cuerpo para representar varias ideas, pero que aun así deben de ser sostenidas con la participación de la gente y el juego que se desata. Hace que la idea funcione y no se vuelva ni se transforme en algo grupal, no sé si sea realmente necesario pero es un punto de partida para proponer nuevos caminos en el pensamiento complejo.
Cabe mencionar que en esta pequeña reflexión no creo necesario volver a repasar personajes, fechas y grupos ya que si, reconozco que son importantes, pero que creo que en si la participación ya en si de la misma persona reflexionando sobre un tema es una buena razón donde intervienen mas la acción y profundizar es en si ya la obra de arte.
En cierta manera es una manera de filosofar, pero que sería del concepto sin la acción por lo que un punto desfavorable en contra del conceptualismo, desde mi apreciación es el desbalance de la idea concreta, la idea a medias, ya que si en su momento fue la novedad, hoy es necesario aplicarlo de manera social con un fin, ya que por las situaciones que se viven debemos de aplicarnos a relacionar las artes con nuestro entorno para obtener una coherencia de tiempo. Y no caer en lo monótono y en lo pasado es investigar seriamente en que se puede hacer para proponer nuevas cosas que estén ligadas con los problemas sociales de la actualidad.
Por último, el Accionismo Vienes que rompe con la coherencia y la mentalidad, ya que toma como referencia acciones del ser humano más perturbado y juega con los sentimiento de las personas. Con este movimiento se ve modificada la realidad de la pieza como la realidad del espectador ,donde las principales acciones son de estado de shock que desde mi punto de vista serían surrealistas. Son ideas que sin ser pulidas entran en un collage de actividades que hacen reflexionar sobre la irracionalidad del ser y manipulada con un fin de imposición, donde no podría faltar la sangre que llega a ser la principal protagonista de la composición.
Si este movimiento no está influenciado por la guerra y la vida retorcida que se vive en esos días, es la transformación del ser a causa de ella, la represión sobre las personas que por fin después de estar encapsuladas se ven con la necesidad absoluta de expresar los gritos de locura y desesperación que cargan consigo, de las ideas absolutistas impuestas por el gobierno o por el ideal de la perfección. Critca de la razón y la herencia de la sociedad en caos, creo que a su vez aprisionada en un mundo monótono.
Las ganas de friccionar los dientes es por la falta de espacio creativo y la represión de la mente por tanto tiempo, crean estos mundos paralelos bizarros, donde la visión ha sido almacenada, desdoblada, apachurrada y rescatada en cierto grado hasta que se convierte en algo totalmente diferente. Es así como me hace sentir el Accionismo Vienes, creo que hace que todos tus sentidos intervengan y se canalicen a tal grado que se vuelven verdaderas introspecciones, creo necesario adentrarse en la literatura ya que entre más palabras conoces, mas entiendes y es más fácil expresarte.
Referencia:
http://artescontemporaneos.com/eva-hesse-pionera-en-la-desmaterializacion-de-la-obra-de-arte/

Pattern Painting

Patrón y diseño
(Pattern and Decoration o Pattern and Desing)
José Alberto Campa Aviles

ultra_mk27@hotmail.com

Pattern Painting es el tema que elegí para la clase de Historia del Arte IV. No tenía idea alguna de que era un movimiento de los años 70´s. Informalmente fue conocido como PYD y su significado en inglés es Pattern and Decoration o Pattern and Desing. Para el arte americano esto era una visón ideal que se dio hace 30 0 40 años cargada de una pasión llena de polémica de una juventud enérgica perteneciente a una nueva generación de artistas que día a día impulsaban las metas y logros del PYD a la luz del día, formando lo que con el tiempo se convertiría en una transición de coaliciones y grupos compuestos por artista rebelados en contra de las autoridades establecidas y de toda expresión en relación al minimalismo.

Eran tiempos de post-modernidad cuando el movimiento de Patrón y diseño se estaba fraguando. El término que se utiliza para etiquetar el arte después de 1960 es Post-modernismo y rechaza toda idea generada por previos movimientos, incluyendo al modernismo y su utópica visión o cualquier otro principio que organizara la diversidad de estilos que los pasados movimientos contenían. Democracia y ciencia eran parte de la sensibilidad moderna y vistas como fuerzas hegemónicas. La vanguardia era celebrada generando una pluralidad de estilos estéticos o anesteticos y todos por igual. En sus intentos por desprenderse de toda conexión con el pasado, PyD, post-modernismo, pro dada, adopta un anarquismo y el roll de vanguardia que reta a la cultura establecida. Siempre revelándose en contra del vacío exclusivo del minimalismo y el conceptualismo. El PyD fue un movimiento que se consideró inapropiado como motivo de materia para un nivel artístico elevado, aun así el movimiento siempre se consideró una herramienta para la rebelión, literalmente intentaban llenar un vacío, los jóvenes artistas del PyD buscaban inspiración de los grandes pintores decorativos del pasado como Klimt y Gauguin que también reconocieron que Matisse enseñó que abstracción y decoración eran intercambiables y que el fauvismo llego 3 años antes que el cubismo. Existe una fuente de información hecha por Wheeler Zakanitch artita del PyD que incluye una lista que toma en cuenta a los decoradores sin nombre y artitas folk que diseñaron telas de patrón y prendas através de la historia, influenciados por culturas precolombinas, de la india, marroquí, diseños de nativos americanos, arte céltico medieval, etc., que abarcan diferentes culturas que practicaban la cuestión del patrón y el diseño.
PyD un movimiento con espíritu de los 60’s, siempre solidario con artitas de la clase obrera trabajadora y el 3er mundo, fusionado con el feminismo y el deseo de cambiar la cultura establecida hacia un ambiente más global e incluyente. El movimiento de las mujeres animaba igualitarismos y trajo nuevas sensibilidades a los hombres dominantes ya establecidos en las artes finas. El feminismo abrió un nuevo horizonte artístico a las mujeres lo que lo convierte en uno de los movimientos culturales más importantes de la historia del siglo XX. La preocupación feminista acerca de la condición de las mujeres está estrechamente ligada a otros acontecimientos y movimientos que sacudieron la conciencia del mundo, como el movimiento por los derechos civiles de la población negra de los Estados Unidos, la guerra de Vietnam, el lanzamiento al mercado de los anticonceptivos, la experimentación con drogas psicotrópicas, los movimientos estudiantiles, etc. El feminismo fue uno de los eslabones del ¨despertar¨ social de grupos hasta entonces marginados de los espacios de poder. En 1970 fue cuando detonó la expresión autoconsciente por parte de las mujeres que se involucraron en el arte que articularía sus experiencias desde una posición política y social. Las artistas feministas situaron sus obras en su experiencia social como mujeres y partieron de la aceptación de que la experiencia femenina es diferente a la de los hombres pero igualmente valida. El principio clave de las feministas el despertar de la conciencia. Sin embargo, la definición de mujer para las primeras feministas era el poder de la mujer como parte de un grupo de mujeres. Esta actitud abrió el camino del cambio político en la sociedad y la puerta hacia la creatividad y la novedad en el arte. La mayoría de las artistas feministas trataron de no usar técnicas tradicionales, como la pintura sobre tela. Mucho arte feminista fue hecho con medios que en su momento fueron nuevos como el caso del video, el performance, el arte ambiental, land art, happening, etc. Las feministas entraron a la historia del arte a través del arte conceptual; pero como no estaban interesadas únicamente en la estética sino en la situación de las mujeres en la sociedad y en la historia, sus propuestas siempre tuvieron un sentido de militancia política y social. Un ejemplo de este tipo de necesidad expresiva son las fotografías (que dan la apariencia de ¨stills¨ cinematográficos) que Cindy Sherman se tomó a si misma representando y criticando los distintos estereotipos del papel de la mujer en la sociedad. A través del arte, las feministas intentaron liberar a las mujeres de imágenes y actitudes negativas acerca de la anatomía y fisiología femenina. Trataron temas tabú como el sentimiento ante la menstruación (Judy Chicago en su instalación Menstruation Bathroom) y representaron imágenes realistas o simbólicas de vagina, senos y otras partes de la anatomía de hasta entonces había sido un objeto de la cosmovisión masculina. El arte feminista se propuso cambiar el cuerpo femenino de objeto pasivo a agente comunicativo. Crearon imágenes corporales para un público femenino.
Asimismo, trataron el hasta entonces poco usual tema del enojo o dolor de la mujer a través del arte. Por ejemplo, Nancy Fried desahogó su rabia por el cáncer de mama que le afectaba en una escultura y Hanna Wilke registró en una serie de fotografías el desarrollo del cáncer que la llevó a la muerte. El feminismo artístico también incluyó una revaloración de las artes tradicionales practicadas por las mujeres a lo largo de la historia, como el bordado, tejido, flores y otras artesanías atribuidas al quehacer femenino. Las feministas decidieron honrar la creatividad que siguió los caminos de las artes menores, porque estos estaban prácticamente vedados. Así reutilizaron la decoración que practicaban sus abuelas y dieron nueva vida a estas formas, retando el sistema de valores del orden cultural del cual provenían. Es decir que se identificaron con la tradición femenina, pero le dieron un sentido político-social. En el mismo sentido recuperaron patrones decorativos ¨exóticos¨, como el japonés y el musulmán, pues querían liberar esas expresiones de la marginación impuesta por el machismo eurocentrista. Las feministas se enfrentaron así al esquema dominante occidental a través de formas decorativas consideradas femeninas o amaneradas. Como ejemplo esta la serie de abanicos de Miriam Shapiro, donde utiliza diseños japoneses para decorar un objeto típicamente femenino. Ella misma nombro a otras de sus piezas Femages en referencia al collage cubista remplazando las primeras cuatro letras de la palabra collage por tres letras que aluden a un término que identifica a la mujer (FEM); y en lugar de objetos como el cigarro y recortes del periódico del mundo de los hombres, ella bordó y cosió botones de remplazo, estandarizó la práctica del hilo y enhebró lentejuelas en seda para construir un ambiente femenino. Creó un puente entre el arte fino y las artesanías por asimilar el trabajo de la mujer en estilos modernos. Para las feministas, el arte hecho por ellas representaba un nuevo comenzar; una segunda parte en la historia de la cultura occidental para completar la larga parte uno, de la historia masculina. La meta del feminismo es cambiar la naturaleza del arte, transformar la cultura de forma permanente, introduciendo la hasta entonces ignorada perspectiva femenina. En el nuevo orden que se implantaría habría mayor equilibrio entre el arte y cultura de los géneros, habría una verdadera universalidad que representara las experiencias y sueños tanto de hombres como de mujeres. Muchos críticos e historiadores ven el arte feminista como una corriente vanguardista más, que fue antecedida y predecida por otros movimientos artísticos. Las feministas creen que su propuesta es un sistema de valores nuevo, una estrategia revolucionaria; una forma de vida que, como el Dada o el Surrealismo, cambió todos los estilos y movimientos artísticos desde su aparición, se planteó que lo revolucionario del arte feminista son sus contenidos y no sus formas. Después de 30 años sabemos que no todo el arte que hacen las mujeres es feminista, ni siquiera el que hacen las propias feministas.
Mientras tanto la muerte de la pintura fue una hipótesis simplista muy en boga de los años 60´s y principios de los 70´s, hoy en día se sigue anunciando a pesar de todo lo que a pasado en la historia del arte. Sin embargo, no se puede negar que muchos de los acontecimientos más espectaculares en el arte desde esa época se han producido fuera del campo de la pintura y la pintura de ese tiempo no fue precisamente popular. Esto tendría sus consecuencias, no obstante, incluso, en el apogeo de los severos monumentos escultóricos minimalistas, del land art y de los mitos individualistas, los tumultuosos elogios de los supuestamente medios innovadores como la fotografía, el cine, el video, la tv; del periodo del body art, happening, fluxus y de los ingenuos intentos por salir de un circulo vicioso propiciado en estudios, galerías y museos; incluso en los años en que las actitudes se volvieron formas, la pintura se siguió aplicando a la tela.

El Situacionismo
Francisco Arturo Cruz Calixto
rikyporrista@hotmail.com

Los puntos más importantes en mi apreciación son estos que a continuación mencionaré.
Como bien dice el nombre del movimiento ´´Situacionismo´´ que lleva como objetivo principal la creación de situaciones, este grupo se formó en Italia el 28 de julio de 19 y quizá el representante más importante fue Guy Debord filosofo, escritor y cineasta francés.
Guy Debord escribió un libro llamado´´ la teoría de la derive´´ y a la derive la define como: viaje onírico (onírico quiere decir de los sueños) es decir salirse de la rutina, hacer cosas fuera de contexto a lo que está acostumbrado en si una ciudad como sociedad, salirse de lo lógico.
La deriva, es algo interesante porque puede cambiar el sentido de toda una vida si nos vamos al extremismo solo por pensar de esa manera, lo he visto en películas donde muchas tramas van con ese tema y en la vida real también pero no tan extremo y sin siquiera saber que son parte de un movimiento artístico lo hace tal vez sin ni un sentido pero igual se interpreta de esta manera, la deriva a mi entender no es algo bueno o malo es simplemente experimentar una travesía no convencional.
Otros artistas de este movimiento y muy importantes por sus grandes ideas de ciudades utópicas fue Constant Anton Nieuwenhuys y uno de los fundadores del grupo Cobra, este artista tambien pertenecio al grupo del situacionismo, su desmpeño era la pintura y la arquitectura entro otros pero como fue avanzando mas el tiempo se ocupo de la arquitectura y realizó un proyecto de una ciudad a la cual llam la Nueva Babilonia, que más que una ciudad Anton la consideraba una nueva cultura pero siendo una ciudad utopica nunca pudo realizarse.
Al observar las creaciones de Anton Nieuwenhuys y su manera de pensar al querer crear este tipo de ciudadades y me quedó pensando y si lo hubiese logrado, que no fuera utópico y si real,como sería la forma de vivir en esta etapa contemporánea, es interesante echar la mente a la imaginación, es algo grandioso, ¿cómo sería el arte y la forma de vivir?, me pregunto. Es algo sorprendente pensar en todo esto.
Otro artista con grandes observaciones fue Asjern Jorn quien quien dijo ´´ que la naturaleza del arte no es imitar las formas externas de la naturaleza si no crear un arte natural´´.
Tal vez mi capacidad de entendimiento no logra captar del todo lo que Jorn quiso decir con esa gran observación pero se me hace una contradicción a lo que dijo Platón: que el arte era una copia de la naturaleza es decir: Una flor bonita, por ejemplo, es una copia o imitación de las ideas universales de flor y belleza. La flor física es una reproducción de la realidad, es decir, de las ideas. Un cuadro de la flor es, por lo tanto, una reproducción secundaria de la realidad.
Esto también significa que el artista es una reproducción de segundo orden del conocimiento y, en realidad, la crítica frecuente de Platón hacia los artistas era que carecían de un conocimiento verdadero de lo que estaban haciendo. La creación artística, observó Platón, parecía tener sus raíces en una inspirada locura.(monografías.com).
Y lo que Jorn quiso decir sigo sin comprenderlo, como crear un arte natural cuando en verdad es una copia de la naturaleza como lo dijo platón y en mi punto de vista tal vez si sea una copia de la naturaleza pero de igual manera si el paisaje natural es bello provoca reacciones en el ser que lo observe y por experiencia propia también al ver un cuadro o cualquier tipo de arte creado de buena manera provoca reacciones similares si no es que mas fuertes que una copia, que finalmente creo que no lo es.
Otro punto importante de este movimiento es la Psicogeografía es otro concepto en la que se pretende entender los efectos y las formas del ambiente geográfico y el comportamiento de las personas.
Trazar mapas sobre mapas ya existentes es algo no tan recurrente pero sí muy interesante, pensar en lo que podría pasar, de seguro cosas nuevas con las que nunca habían interactuado personas que llevaban una rutina por años, cosas que ni les pasaban por la mente, tal vez si sus barrios y trayectorias fueran de clase media alta, y al trazar estos mapas sobre mapas tuvieran que cambiar su rumbo sobre clase baja, la expresión de sus caras serian muy buenas tomas fotográficas, y como la Psicogeografía va acompañada de la deriva se torna más interesante. Imaginemos un vagabundo invitado por una señora millonaria que entiende y comprende este movimiento artístico y le gusta ser parte de la deriva, imaginemos que todos la comprendiéramos pero todo bajo un objetivo de buena caridad, interesante aunque la deriva no sería tanto la trayectoria que cambie uno si no con lo que le espera al entrar o salir de este concepto.
Como en todos los movimientos artísticos cada uno de ellos trata de llevar el arte más allá de lo que fue el anterior, en este caso el Situacionismo quiere salirse de las galerías incluso de olvidar la pintura, la escultura y todas sus disciplinas.
En mi entender este movimiento trata de que el soporte sean la ciudad y las pinceladas la sociedad que habitan la misma.
Este movimiento junto con todos los demás que existen queda en claro que romper con las disciplinas del arte es difíciles ya que es como un ciclo como lo escuche en clase por decir ,antes del Situacionismo ya había tantos movimientos que poco a poco iban rompiendo con la pintura escultura hasta que apareció el Situacionismo y quito por completo la pintura dentro de su concepto ya que su movimiento trataba más con las cosas emocionales y después de ese movimiento se volvió a la toma de la pintura y vuelve a suceder lo mismo en esta época contemporánea donde importa más el concepto que una buena pintura, esto quiere decir que aunque mi pintura sea una barbaridad, si traigo un buen concepto este será aceptado, en lo personal prefiero que las ideas y conceptos sean para cambiar o hacer movimientos que cambien radicalmente una sociedad y que no los lleve una pintura o una escultura que no valga la pena y que solo por la conceptuosidad sea buena.
Quizá mi razón de entendimiento sea un poco corta en estos temas, todavía, ya que sinceramente no le he dedicado mucho tiempo a los movimientos pasados y tampoco a los contemporáneos, por eso tal vez no tenga una idea muy visible de lo que puedo reflexionar acerca de los mismos, y por que decidí hacer un ensayo o si a esto se le pueda llamar ensayo acerca de esta tema, es porque simplemente la idea a lo desconocido, a las cosas nuevas, a los cambios drásticos no contemplados en una persona me resultan emocionantes, tratar de cambiar a una ciudad a un gobierno con forme a una idea utópica de una gran urbe, en una ciudad ideal aunque pareciera difícil, pienso que si puede hacerse realidad pero todavía no llegamos a un punto de verdadera armonía y son pocos los que tienen ese armonía pero como en las sociedades gana la mayoría la minoría no tiene nada que hacer, pero por algo de debe de empezar.

El legado del grupo Fluxus
Ingrid Woller Ibarra
iwolleri@gmail.com

En los últimos anos y cada vez más frecuente, visitamos galerías, exposiciones o cualquier espacio en donde se exhiba arte y pareciera que al estar ahí, no entendiéramos nada. El mundo del arte se ha convertido en todo y en nada. Numerosas piezas que pasan desapercibidas, otras que atraen nuestra atención pero cada vez son menos en las que pudiéramos entender un mensaje, es como si el arte contemporáneo fuera sólo para unos cuantos, para unos cuantos que dicen poder darle lectura a lo que están viendo. Pero lo que hoy sabemos y algo de lo que estamos conscientes, es que libremente podemos transitar en una galería y la diversidad de obras con las que nos vamos a encontrar es infinita y esto no ha sido siempre así.
El arte contemporáneo ha llegado a un punto en donde todo es permisible, no existe ley ni regla que diga que lo que tu expones no se pueda hacer, o no se permita exponer. Cada día los seres humanos estamos adquiriendo una mente mas allá de lo que se diría abierta. Tenemos un pensamiento racional y objetual entre lo que hacemos, lo que vemos, lo que sentimos y lo que queremos que los demás experimenten. Por ejemplo, el ver transitar a una persona desnuda en la calle, aventarle espermatozoides desde un frasco a las personas, tener una menstruación enfrente de un público, todo esto y más siguen siendo de los actos más polémicos y burdos en una sociedad cosmopolita en el S.XXI, pero que sería de estos actos en el mundo del arte hace 50 anos.
En los anos 60’s se desató (y lo digo así por el impacto que ocasionó en las personas) un grupo de artistas llamado Fluxus, que en su origen no eran conocidos con artistas, sólo como un grupo de personas que perseguían ciertos intereses. El término acuñado por George Maciunas en 1962, nombre proveniente del latín flux que significa flujo y tiene relación con la libertad, era el nombre perfecto para todas las actividades en las que se involucraban. Actos provocadores, salidos de los límites de la realidad, la mayoría de ellos espontáneos y sin argumento.
Maciunas escibe: "Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático".
Un arte provocador por una combinación de acciones que ocurren como un ritual simple o en un contexto ritualizado. Las acciones de las cuales estamos hablando son, siempre de manera diferente, violar los valores y estándares cotidianos. Ellos quieren provocar al sistema a manera de juego, como algo divertido. La alegría es parte fundamental los impulsos hacen cambios estructurales en el sistema. Podemos encontrar, sin embargo, un fuerte compromiso social y político en algunos de los artistas pertenecientes a este grupo.
Hay una fusión entre artes escénicas y artes visuales, dejando atrás cualquier intento de perfección, todo está preparado para “ver que sale”. Algunos de los actos tenían fines políticos, propagandísticos o sociales y otros simplemente por el placer de hacerlo y de llamar la atención. Los artistas podían usar algún vestuario o ropa de civil. El propósito era hacer algo nuevo, lo nunca antes visto, y novedoso pero sobre todo contagiar al espectador de energía. Los artistas o las personas involucradas no intentaban producir una pieza de arte sino una experiencia artística, capaz de experimentar con nuevos lenguajes, tenían una estrategia del contagio social y con esto reacciones en cadena. Ver video 1.
Usualmente hay una audiencia y luego por lo general no queda mucho del trabajo de las obras de arte o como en el caso de Joseph Beuys, otro de sus integrantes, cualquier herramienta o utensilio que le pudiera servir en la realización o elaboración de su pieza pasan a ser parte de la obra, lo cual me parece bastante ridículo ya que si el principio de este grupo no era el medio sino el mensaje vemos aquí una contradicción que obviamente podríamos culpar al mercado del arte que es lo que le da valor a estas piezas, pero no es posible que no les sea suficiente las acciones del artistas, el registro del performance y adopten los utensilios para ponerles precio. Ver video 2.
George Brecht explica: "En Fluxus no se ha dado nunca ni siquiera la menor tentativa de alcanzar un acuerdo respecto a fines o métodos; simplemente se han aliado personas individuales, que tenían en común algo innombrable, para publicar y presentar sus trabajos. Quizá algo en común es su sentimiento, que los límites del arte están fijados mucho más allá de lo que habitualmente parece, para lo que el arte y los límites establecidos desde hace tiempo, ya no sirven de mucho".
John Cage, fue uno de sus principales integrantes y él decía que no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. Es así como la música, el teatro, danza y el happening se unen en algo que revolucionaria para siempre la manera de ver al arte.
Se destacó en la música, y con los medios menos usados logró sonidos que en conjunto hacían una canción. Desde sonidos con agua, flores, vapor, aventando cosas, golpeando muebles, con electrodomésticos como licuadoras o cualquier aparato que generara un sonido o con el que pudiera hacer un sonido, los mezclaba y hacia melodías nunca antes escuchadas. En su mayoría creadas imprevistamente con un público del que no le importaba si se reían o burlaban de él. Ver video 3.
Según Filiou, Fluxus es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine".
Esta manifestación tiene ramificaciones en Alemania, con Vostell, Nam June Paik, Beuys, Dieter Roth; en Francia, con Be Vautier, Le Mont Young, Filiou; en Italia, con Marchetti; Estados Unidos, con Dick Higgins, Robert Watts, Cage e George Brecht, así como en Japón, Holanda, Canadá y España. La primera manifestación colectiva, “Fluxus Internationale Festspiele“, tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.
Tomas Schmit reconoce: "no había dinero que ganar, ni gloria que cosechar, el resto de la escena del arte nos ignoraba, la prensa, en el mejor de los casos, nos sacaba maliciosamente en las páginas a color entre el becerro de cinco piernas y la boda del príncipe".
Con esta cita se piensa en cómo este grupo de artistas se deja llevar por sus intereses, los une un ideal que aunque parezca no estar establecido, está presente entre sus integrantes, se mantienen ante los desafíos sociales y los de la autoridad y aunque pareciera que en su momento pasaron desapercibidos por no estar al nivel de lo considerado arte, hoy lo es. Hoy es un grupo que es reconocido con cada uno de sus integrantes y es prueba de un pasado en el que el legado que encuentro es esa disposición para atreverse a hacer lo impermisible, lo inimaginable. Este grupo abrió esas puertas y esos tabúes a los que la sociedad estaba cerrada y ahora 50 años después son los que permiten una libertad en la producción, en las artes escénicas y artes visuales.
"Lo más importante de Fluxus es que nadie sabe lo que es. Cuando menos, debe producir algo que los expertos no entienden. Yo veo Fluxus allí donde yo también puedo entrar", dice Robert Watts.
Pero que pasa hoy en donde todos estos actos ya son aceptados por un mayor número de personas, que ha pasado con el reto de los artistas por provocar, por causar controversia entre los espectadores en un mundo en donde el caos es el pan de cada día, en donde nunca estamos de acuerdo con nuestro gobernantes, con las escuelas, con los amigos, con nuestra familia, con la religión, hay una inconformidad hacia el sistema en general y siempre esperando a que los cambios sucedan allá afuera, pero nosotros como artistas considero que tenemos esa llave, un poder que pareciera que en ninguna otra profesión se tiene para hacer estos cambios, para proponer, para crear.
Hay muchas maneras de incentivar a las personas a ver su realidad, a no conformarse con lo que se nos dice o con lo que se nos impone y esta puede ser una de ellas. Hacer actos fuera de lo cotidiano es la única manera de explorar otros medios que nos hagan sentir bien, de encontrar un mundo en donde verdaderamente se respeten las propuestas de otros. Debemos aprovechar esta época, esta etapa de arte y pensar que fines podemos perseguir con este tipo de actos.
V1. http://www.youtube.com/watch?v=yVYd1Z1Ckmg Grupo Fluxus.
V2. http://www.youtube.com/watch?v=lD5Fj2QTtpI&feature=related Joseph Beuyz rasurando.
V3. http://www.youtube.com/watch?v=3MHwn4mHE1U&feature=related John Cage, canción.
http://www.youtube.com/watch?v=BspaJjhHeJo&feature=related Joseph Beuys con su fieltro
http://www.youtube.com/watch?v=P4ZkR1X6s7E&feature=related Liebre muerta
http://www.youtube.com/watch?v=LQcfc-MlGFk&feature=fvw Una exposición.
http://www.youtube.com/watch?v=k_k453_FSWE&feature=related Joseph Beuyz, sin moverse.
http://www.youtube.com/watch?v=NLOWy3ys8Ag&feature=related John Cage
http://www.youtube.com/watch?v=mGrhL49-YQw&feature=related Canción con utensilios de cocina.

Historia del Arte IV // Profr. Roberto Rosique
Noviembre 30, 2010.

Historia del Arte IV
Mtro.: Roberto Rosique
Tijuana, Baja California, diciembre-2010

DEL APROPIACIONISMO DE LA IMAGEN A LOS DERECHOS DE AUTOR

PAULINA MENDEZ GARCILAZO
mandalalunar@gmail.com

Apropiacionismo, de la imagen a los derechos de autor.
Sin duda el crítico de arte Douglas Crimp tuvo que basarse en un concepto para generar la primera exposición apropiacionista titulada ''Pictures'', esta palabra en el idioma inglés denota imágenes ya sean pintadas, fotografiadas o dibujadas; una imagen realista descrita o bien una imagen de memoria visual, lo que lo lleva a generar un nuevo movimiento, la hazaña de ir contra los movimientos minimalistas y conceptualistas, proponiendo la importancia que tiene la imagen, el hecho de retomar una imagen para recontextualizar la lectura que el espectador tenía de ella. “La muerte del autor”, fue una frase que durante la historia del arte aparece como forma de desvirtuar al autor de su obra, esta misma frase se retoma con el movimiento para poder apropiarse de imágenes que otros autores ya habían generado, emerge una crítica que realizan a los museos y galerías, hacen una repetición de imágenes, redefinen el lenguaje visual. La imagen ya no necesariamente tenía que poseer un concepto o ser pensada por el artista.
La imagen siempre ha tenido diferentes relaciones; en algunos momentos sirve para contar historias, en otros; como una forma para el estudio de la antropología social. La manera en la que el artista las produce es diversa, a partir de la aparición de la cámara fotográfica, las representaciones de objetos, paisajes y realidades visuales cambiaron, la cámara captaba todo lo físico posible, por lo que el arte en general tuvo una gran ruptura de lo tradicional originando nuevas formas y propuestas visuales. En los años ochenta, la publicidad invadía las grandes urbes; el arte se relacionaba con la producción de anuncios, el cine, revistas y televisoras, eran las industrias que difundían constantemente estas imágenes. Los espectadores Vivian continuamente rodeados de anuncios que gestaban acciones como el machismo y el sexo; imágenes que eran populares, que lo único que proponían era la venta del producto que promovían. Imágenes con un interés comercial, que invadían visiones y pensamientos. Con este argumento surgen artistas como Sherry Levine, Roberto Longo, Jack Goldstein, Cindy Sherman entre otros, que al sentirse invadidos de imágenes comienzan a cuestionar ¿qué tan valido era el valor de pertenencia?, empiezan a idear formas de representación pictórica, como los cuadros proyectados con diferentes imágenes ya existentes, la fotografía surge como medio principal de apropiación, lo que ellos proponían era usar las mismas técnicas, colores, inclusive formas, pero dotar una nueva lectura o interpretación de la obra, ya que el contexto social y político de cada época cambia constantemente. Así obtenemos obras como las de Sherry Levine que se dedicó a refotografiar fotografías de artistas conocidos de los años 30´s y 40´s, o Robert Longo que decide tomar los negativos de películas comerciales para hacer rotoscopias de estas imágenes, estas imágenes por ser conocidas ya por un público que tenía noción que otros artistas ya habían trabajado con el tema o la imagen comienzan a confundirse, entre si la obra es un plagio o simplemente una copia. El plagio según la ´´ Real Academia de la Lengua Española´´ acción y efecto de plagiar, (copiar obras ajenas), copia consiste en una obra de arte que reproduce fielmente un original, Imitación de una obra ajena, con la pretensión de que parezca original, estas definiciones probablemente se parecen, las dos nos dejan claro que tiene que ver con obras ajenas al artista que las presenta.
Los derechos de autor, mejor conocido como el copyright en Estados Unidos tienen un registro que data desde 1790, en donde encontramos que el arte no contaba con ninguna protección de este género, en 1980 ya existía el derecho de autoría o copyright dotando al artista, empresa o campaña publicitaria apta para cobrar por el uso de un contenido expreso mas no por la idea, es así como este movimiento nuevamente se justificará para seguir aportando imágenes recontextualizadas.
Este movimiento tiene críticas negativas, pues la mayoría de la gente llega a pensar que solamente es copiar imágenes para venderlas, tener fama o no producir ideas originales y que el artista no realiza ningún esfuerzo, lo cierto es que este movimiento a pesar de las críticas, siempre mantuvo la firmeza de creer que al recontextualizar las imágenes que invadían el campo visual, pertenecían a cualquier persona que las observara por que esta le adaptaba su idea.
Actualmente no podemos negar que esta forma de concebir apropiarse de imágenes que otros artistas ya habían impulsado es bastante cínico, pero marca una pauta de producción de nuevas ideas que a través de este movimiento generó el uso de imágenes libremente, ya con el fin de producir obra de arte y no con el interés comercial que pueda tener, es cierto que el desencanto que produce este movimiento por lo fácil que resulta el copiar imágenes ya vistas es grande porque genera un pensamiento de comercialidad únicamente, es el mismo desencanto que nos puede generar el Ready- made duchampiano y el arte objeto, pero sin estas nuevas formas de expresión, en estos momentos no conoceríamos la libertad de la creación con lo que ahora se tiene, con la aparición de la Internet, el arte comienza a expandirse rápidamente, las imágenes que podemos observar son demasiadas, la autoría o copyright es mas penado, aunque no necesariamente totalmente protegido, pero aún así los artistas actuales siguen ejerciendo la forma de apropiarse de imágenes para su producción, no ya con el mismo concepto, pero sí bajando imágenes como referencia para alguna pintura o escultura, creando diseños u obra digital con imágenes de compañías publicitarias para generar una crítica a las mismas marcas, o simplemente recontextualizando imágenes. Al final la misma pregunta que lleva la generación de este escrito sigue surgiendo. ¿Quién es el dueño de una imagen?, el que la compra, el que la genera o el que la observa y queda perpetuada en su memoria para siempre.